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La música barroca se transforma en comedia escénica con el regreso de Tempo Barroco, un concierto teatral que fusiona interpretación musical en vivo, actuación y humor, y que tendrá una breve temporada del 17 al 19 de abril de 2026 en el Teatro Helénico. La propuesta, ganadora del primer Festival Internacional de Teatro Barroco y Disección Escénica Sor Juana Inés de la Cruz 2025, regresa al escenario con una puesta que mezcla repertorios clásicos con una narrativa contemporánea.

La producción es impulsada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con OírTrío Ensamble y Cornamusa Producciones. La propuesta plantea una relectura escénica que toma como punto de partida el universo musical barroco, integrando humor y elementos narrativos para generar una experiencia accesible y contemporánea.

La historia sigue a Johann Gottlieb Goldberg, personaje históricamente relacionado con las Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach. En esta reinterpretación, Goldberg se convierte en el centro de un conflicto escénico al quedar atrapado en la repetición de una obra ajena mientras busca construir su propia voz artística. A partir de esta premisa, la puesta propone un encuentro ficticio entre figuras del barroco que no coincidieron históricamente, entre ellas Jean-Philippe Rameau, Antonio Vivaldi y George Frideric Handel, generando una cadena de situaciones escénicas que se desarrollan desde la comedia y el juego teatral.

El montaje fue concebido por un grupo de jóvenes creadores interesados en compartir la música barroca desde una perspectiva lúdica. La obra combina actuación, movimiento escénico y ejecución musical en vivo, construyendo una experiencia híbrida que mantiene el rigor interpretativo mientras explora una narrativa dinámica y contemporánea.

La idea original y dramaturgia están a cargo de Alejandra Cortés, Diego Cifuentes y Sebastián Espinosa, bajo la dirección de Belén Aguilar. El elenco está conformado por Alejandro Ávila, Alejandra Cortés, Diego Cifuentes y Yunuén Xolotzin.

 El equipo creativo incluye a Gloria Carrasco en la escenografía; Bryan Guerrero en el remontaje del diseño original de Jesús Giles; Sergio Ruiz en vestuario; Mario Gómez en coreografía; Cecille Zepol en producción ejecutiva, y Montserrat Cattaneo en diseño y fotografía.

Las funciones se realizarán durante tres únicas fechas: viernes a las 20:00 horas, sábado a las 19:00 horas y domingo a las 18:00 horas. El costo del boleto es de 302 pesos. Las localidades pueden adquirirse en taquilla del Centro Cultural Helénico y a través de su sitio web oficial.

La obra interdisciplinaria Changarro iniciará su gira de estreno en el Centro Nacional de las Artes, recinto de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, con una propuesta que combina danza, música en vivo y elementos teatrales para abordar la historia y relevancia de los comerciantes ambulantes en la Ciudad de México, en el contexto de los 700 años de la fundación de México-Tenochtitlán.

La puesta en escena reúne a 10 artistas en el escenario y articula una narrativa que conecta a los pochtecas —comerciantes prehispánicos que desempeñaban funciones como diplomáticos, historiadores y espías— con sus equivalentes contemporáneos, entre ellos recolectores de basura, franeleros, vendedores de comida y comerciantes ambulantes. A través de esta estructura, la obra propone una lectura escénica de la vida urbana y su evolución social.

El montaje integra distintos lenguajes artísticos y musicales que dialogan con la diversidad cultural de la capital mexicana. La propuesta incluye cumbia, reguetón, fandango, ópera, rap, danza azteca, zapateado, lengua de señas mexicana y canto coral, elementos que transforman la calle en un espacio escénico dinámico. Dentro de la estructura dramática, piezas como El jale me jala abordan el trabajo de los recolectores de residuos desde el reguetón, mientras que la cumbia final, Mañana es otro día, plantea un cierre enfocado en la perseverancia colectiva.

El desarrollo de la obra contó con la revisión académica de Diana Silva, doctora en sociología por el El Colegio de México, con el objetivo de respaldar el contenido histórico y social de la propuesta escénica. Este enfoque busca reflejar la evolución de los comerciantes desde los pochtecas hasta la actualidad.

Diseñada como una obra adaptable, “Changarro” puede presentarse tanto en foros tradicionales como en espacios abiertos, desde teatros hasta canchas deportivas, lo que permite acercar la propuesta a distintos públicos. La producción está a cargo de Somasona Ensemble, con dramaturgia y dirección de Caitlin Hutchins.

Sobre el origen del proyecto, la directora explicó: “Changarro nació de observar y convivir con los comerciantes ambulantes que dan vida a nuestra ciudad, desde los artesanos de ‘Corazón Valiente’ en Coyoacán hasta los franeleros de mi colonia. Estas experiencias, junto con nuestra gira de ‘Defensores’ en el Centro Histórico y mi proceso de naturalización mexicana, me inspiraron a crear una obra que honre su trabajo y su humanidad”.

La producción también fue reconocida con el Fomento a Producción y Proyectos Culturales 2024 del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales. Antes de su llegada al Cenart, la obra se presentó en la Casa del Tiempo, la UAM Iztapalapa, la Utopía Meyehualco, así como en las alcaldías Nezahualcóyotl y Coyoacán.

“Changarro” ofrecerá funciones el sábado 18 y domingo 19 de abril a las 12:00 horas en la Plaza de las Artes del Cenart. La entrada será libre para el público.

Una nueva propuesta escénica llega al Teatro El Granero Xavier Rojas, dentro del Centro Cultural del Bosque, con una mirada centrada en uno de los episodios más revisados de la literatura anglófona del siglo XX. Se trata de Las agujas dementes, obra escrita por Jorge Volpi, que será presentada en una temporada organizada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y la Coordinación Nacional de Teatro, en colaboración con Cacumen Producciones.

Bajo la dirección de Benjamín Cann, el montaje reúne en escena a Paulina Treviño, Tizoc Arroyo, Ximena Romo Mercado y Misha Arias de la Cantolla. La obra construye su narrativa a partir de las relaciones personales y creativas entre dos parejas de escritores: Sylvia Plath y Ted Hughes, junto con David y Assia Wevill. La llegada de este último matrimonio a la vida de los Hughes marca un punto de quiebre en la estabilidad del hogar, detonando una serie de tensiones que se desarrollan en el ámbito íntimo.

La historia se sitúa en la década de los sesenta y articula su desarrollo desde las voces de dos mujeres, Sylvia y Assia, quienes reconstruyen los hechos desde una dimensión que trasciende lo lineal. En ese proceso, se entrelazan experiencias atravesadas por condiciones sociales y de género propias de su tiempo, así como por una carga emocional que define el destino de ambas.

El director Benjamín Cann explica: “Las agujas dementes dramatiza la compleja relación entre Sylvia Plath, Ted Hughes, Assia y David Wevill. Ambientada en los años sesenta, la obra se articula en torno a una pregunta central: ¿qué ocurre cuando el amor y la poesía no bastan para salvar la vida? De este modo, revela la fuerza y la vulnerabilidad de dos mujeres geniales unidas por un mismo destino”.

La estructura del texto plantea un juego fragmentado del tiempo, donde los recuerdos y las voces femeninas adquieren un papel central en la reconstrucción de los acontecimientos. Este enfoque permite exponer la fragilidad de las relaciones humanas y los conflictos que emergen en contextos marcados por el deseo, el poder y las dinámicas afectivas.

El equipo creativo suma a Matías Gorlero en escenografía e iluminación, Estela Fagoaga en vestuario y Federico Schmucler en música original y diseño sonoro. La producción general está a cargo de Cacumen Producciones, encabezada por Tizoc Arroyo, con producción ejecutiva de Anabel Caballero y la dirección residente de Miguel Santa Rita.

La temporada se desarrollará del 28 de marzo al 24 de mayo, con funciones jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas. El calendario contempla suspensión de funciones los días 2 y 3 de abril, así como el 1 de mayo.

La poesía de Jaime Sabines se transforma en una experiencia escénica que combina palabra, movimiento y músicacon el estreno de Adán/Eva, Sabines a flor de piel, un montaje interdisciplinario que conmemora el centenario del nacimiento del poeta chiapaneco (1926–2026). La propuesta se presentará del 16 al 30 de marzo de 2026 en el Teatro Helénico de la Ciudad de México, con funciones los lunes a las 20:00 horas.

El espectáculo surge de la pregunta que impulsa su concepto artístico: ¿es posible vivir la poesía en carne propia? A partir de esta idea, la obra convierte los versos de Sabines en una experiencia escénica donde danza, teatro y música se entrelazan para resignificar la fuerza emocional de su obra. La actriz, soprano y compositora Ana Bitrán es la encargada de dar voz al poeta, mientras que el creador escénico Marco Antonio Silva, autor y director del proyecto, desarrolla el concepto junto con la coreógrafa Isabel Beteta para traducir la palabra en movimiento.

El montaje es una colaboración entre la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el Centro Cultural Helénico, UTOPÍA Danza–Teatro, Nemian Danza Escénica y Los Corpógrafos. La propuesta plantea un recorrido cronológico por el universo literario de Sabines, uno de los autores más influyentes de la poesía mexicana del siglo XX.

En escena, la obra se construye a partir de textos emblemáticos como Los amorosos, Lento animal amargo animal y Yo no lo sé de cierto, piezas que abordan temas como el amor, la pérdida, la soledad y el asombro ante la vida. A través de la interpretación vocal, el movimiento coreográfico y un diseño sonoro envolvente, la puesta busca acercar estos poemas a nuevas generaciones de espectadores.

“Esta obra no solo rinde homenaje al legado de Sabines, también fomenta la lectura y crea nuevos públicos para el arte contemporáneo en el país”, explicó Marco Antonio Silva.

El montaje también contará con participaciones especiales a lo largo de la temporada, con figuras como Regina Blandón, Fernanda Castillo, Emma Dib, Arón Bitrán, Jaime López, José María de Tavira, Alejandro Calva, Alberto Estrella y Humberto Vélez Tercero.

En el escenario, los intérpretes Isabel Beteta, Carolina Ureta, Saúl Gurrola e Iván Flores, provenientes de las compañías Nemian Danza Escénica y Los Corpógrafos, construyen la dimensión física del espectáculo al traducir la poesía en coreografía. El diseño sonoro de Joaquín López Chas completa la atmósfera del montaje, donde música, silencio y voz dialogan para envolver al público.

Los boletos tienen un costo de 344 pesos y se encuentran disponibles en las taquillas del Centro Cultural Helénico y en su sitio web. Además, hasta el 15 de marzo hay una preventa con 50 por ciento de descuento. Con esta propuesta, Adán/Eva, Sabines a flor de piel busca acercar la poesía al escenario y convertirla en una experiencia sensorial que conecta el lenguaje del verso con el cuerpo y la emoción.

La obra Los Hardings llega al escenario del Foro La Gruta con una propuesta teatral que reflexiona sobre la responsabilidad individual y colectiva frente a las tragedias que marcan a una sociedad. Inspirada en el descarrilamiento de un tren ocurrido en 2013 en Lac-Mégantic, Quebec, Canadá, la puesta se presentará del 13 de marzo al 12 de abril de 2026 como parte de la programación del Centro Cultural Helénico.

El montaje es una producción de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con la compañía A.A. Teatro. La obra fue escrita por la dramaturga canadiense Alexia Bürger, traducida al español por Humberto Pérez Mortera y dirigida por la creadora escénica Sandra Félix. 

La historia parte de un elemento simbólico: tres personas que comparten el apellido Harding y que, de distintas maneras, se ven atravesadas por un mismo infortunio. A través de sus testimonios y experiencias, la obra propone una reflexión sobre las decisiones humanas que pueden desencadenar consecuencias colectivas. El relato explora cómo, detrás de muchas catástrofes, existe una cadena de acciones y omisiones que pudieron haberse evitado.

El origen del texto surge de una imagen que marcó a la autora. Tras el desastre ferroviario de 2013, Alexia Bürgerobservó en televisión el rostro del conductor del tren entre los restos del accidente. Aquella imagen despertó en ella una inquietud persistente sobre la corresponsabilidad en los hechos que conducen a una tragedia.

“Los Hardings es una conversación social políticamente comprometida desde lo íntimo. Nos invita a abandonar el alineamiento y a crear una toma de conciencia colectiva sobre los hechos que suceden y seguirán ocurriendo”, afirma la autora. De acuerdo con su planteamiento, la obra no busca ofrecer una única respuesta, sino detonar una reflexión sobre el papel de cada persona dentro de la sociedad.

En escena participan los actores Gilberto Dávalos y Antón Araiza, junto con Misha Arias de la Cantolla y Bernardo Benítez, quienes alternarán funciones. El montaje se apoya en un equipo creativo que incluye escenografía de Antonio Saucedo, iluminación de Roberto Paredes, vestuario de Indira Aragón y diseño sonoro de Gianni Ríos.

La obra se presentará los viernes a las 20:00 horas y los sábados y domingos a las 18:00 horas en el Foro La Gruta, uno de los espacios teatrales del Centro Cultural Helénico ubicado en avenida Revolución 1500, en la Ciudad de México.

Los boletos tienen un costo de 323 pesos y actualmente cuentan con una preventa del 30 por ciento de descuento válida hasta el 13 de marzo. Las entradas pueden adquirirse en las taquillas del recinto o a través del sitio web helenico.gob.mx.

Con esta propuesta escénica, Los Hardings invita al público a mirar de frente las decisiones cotidianas que influyen en la vida colectiva y a reflexionar sobre el impacto que pueden tener en el destino de una comunidad.

En un momento en el que la salud mental juvenil se ha convertido en un tema urgente, llega Rompecabezas, una obra docuficcional que explora las crisis emocionales que atraviesan las adolescencias actuales. El montaje, escrito y dirigido por Berta Hiriart y presentado por Los cantores del confín en colaboración con la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Centro Cultural Helénico, se presentará del 7 de marzo al 26 de abril de 2026 en el Foro La Gruta de la Ciudad de México.

La obra sigue la historia de Camila, una joven de 15 años que enfrenta ansiedad en medio de un entorno complejomarcado por dificultades económicas y la hospitalización psiquiátrica de su madre. A través de su experiencia, el público recorre un universo fragmentado donde conviven la presión de las redes sociales, el peso de las expectativas y las limitaciones de las instituciones de salud mental. La narrativa se desarrolla mediante el uso del teatro de papel, donde tres intérpretes manipulan títeres y objetos para construir escenas que reflejan la subjetividad emocional de la protagonista.

Este montaje surge en un contexto preocupante: de acuerdo con la Organización Mundial de la Salud, uno de cada siete jóvenes entre 10 y 19 años vive con algún trastorno mental diagnosticado. Frente a esta realidad, Rompecabezas busca generar un diálogo directo con el público adolescente, desmontando estigmas y cuestionando las ideas tradicionales sobre la normalidad emocional.

Durante la historia, Camila se encuentra con personajes que representan distintas formas de enfrentar el malestar. Entre ellos está Happy Happy, una influencer que vende el “pensamiento positivo” como solución universal, y su amigo Iván, quien experimenta ecoansiedad ante la crisis climática. La obra también integra la perspectiva del colectivo Orgullo Loco México, que promueve la diversidad psicosocial y una mirada crítica sobre los discursos dominantes en torno a la salud mental.

La propuesta estética se inspira en el art brut y en artistas como Martín Ramírez, Josefina Tolrá y Bill Taylor, cuyas obras nacen de experiencias subjetivas intensas. Esta influencia se traduce en una puesta visual que amplía las formas tradicionales de narrar en el teatro.

“No es sano ser normal en este mundo enfermo”, sentencia uno de los coros de la obra, sintetizando el eje central del proyecto: cuestionar los estándares sociales que moldean la percepción de la salud mental.

El equipo creativo incluye a Andrea Cruz, Mónica Bajonero y Alberto Cerz como narradores y titiriteros; Roberto Paredes y Alán Sáenz Burrola en el diseño y creación de títeres; Gabriel Ancira en vestuario; y Juan Carlos Saavedra en la producción ejecutiva. El proceso de investigación contó con el apoyo del Foro Lola Cueto y ArteFactum Espacio de Encuentro.

Las funciones se realizarán los sábados y domingos a las 13:00 horas, excepto el 11 y 12 de abril. La obra está dirigida principalmente a adolescentes, con el objetivo de abrir conversaciones honestas sobre ansiedad, depresión y el derecho a no encajar en un modelo único de bienestar.

La bailarina y coreógrafa española María Juncal regresará a México para presentar Flamenco Tour 2026 – Una mirada, un espectáculo que conjuga baile, música y voz desde una perspectiva íntima del flamenco contemporáneo. La función se llevará a cabo el sábado 21 de marzo a las 19:00 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con el respaldo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México. La presentación contará con la participación especial de la cantante y actriz Susana Zabaleta como artista invitada.

El espectáculo llega a la capital tras una gira por Centro y Sudamérica y se inscribe en una etapa de madurez artísticade Juncal, quien ha mantenido un vínculo constante con México a lo largo de su trayectoria. Una mirada se construye desde la introspección, la memoria y la emoción, y propone al flamenco como un lenguaje vivo que dialoga con el presente. “Hacia adentro miro y veo, hacia adelante miro y sueño; al pasado miro y recuerdo, al cielo miro y rezo…”,expresa la bailarina al referirse al concepto que articula la puesta en escena.

La propuesta escénica se apoya en la relación entre tradición y vanguardia, y plantea al flamenco como reflejo del ser humano y de su búsqueda permanente. “Así sucede en el escenario, como en la vida misma: una vida que es guitarra flamenca, que es la voz del cante y la expresión del baile”, comparte Juncal, heredera de la tradición de la familia Borrull, una de las más influyentes en la historia de este arte.

La producción está a cargo de Orly Beigel, Oscar Carnicero y Silvia Baro. La coreografía y el baile nacen de la inspiración de la propia Juncal, acompañada en escena por Kin Sánchez en la guitarra, Mali Clavera y Mario Díaz en el cante, y Héctor Aguilar en la percusión. El vestuario fue diseñado por Alejandro Ponce y María Juncal; la fotografía es de Nico Kremenchusky y el diseño gráfico de Mel Ortega. Sobre el escenario, la presencia de Susana Zabaleta suma una dimensión particular a la experiencia. “Cuatro músicos en directo y la invaluable participación de Susana Zabaleta… Su voz y su mirada abren la posibilidad de imaginar y habitar otros mundos”, subraya la bailarina.

El encuentro entre el baile flamenco y la voz de Zabaleta se concreta como un cruce de sensibilidades que se expresa a través del movimiento, la música y la palabra. Flamenco Tour 2026 – Una mirada se presentará en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, ubicado en Donceles 36, Centro Histórico. Los boletos están disponibles en la taquilla del teatro y en Ticketmaster, con precios que van de 500 a 1,200 pesos, según la localidad. La función está concebida como una experiencia escénica que reúne dos trayectorias consolidadas en un mismo escenario.

La primera adaptación teatral de Autobiografía del algodón aterriza en la Ciudad de México los días 24 y 25 de febrero de 2026 a las 20:00 horas en el Teatro Helénico. Se trata de una propuesta escénica basada en la novela homónima de Cristina Rivera Garza, ganadora del Premio Pulitzer 2024 y miembro de El Colegio Nacional.

La puesta en escena, con adaptación de Felipe Villarreal y dirección de Alberto Ontiveros, se realiza con autorización expresa de la autora. El montaje es presentado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con el Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León y la compañía Gorguz Teatro, agrupación regiomontana con dos décadas de trayectoria y más de 30 proyectos escénicos.

La obra traslada al escenario el recorrido generacional que Rivera Garza traza en su novela, marcado por la violencia en múltiples formas, la prosperidad y decadencia del cultivo del algodón en el norte del país, así como por el desarraigo y la fractura. Desde ese punto de partida, el montaje excava en la memoria, el territorio extinto y los silencios heredados mediante un lenguaje híbrido que combina documental, narración y poética visual.

Ontiveros explica: “Exploramos aquello que quedó fuera de los relatos oficiales: lo que se pierde, lo que se nombra con cautela y lo que sobrevive en la memoria corporal”. La propuesta se inscribe en la Aridoestética desarrollada por Gorguz Teatro, una poética escénica que articula mito, archivo, crónica y objetos resignificados desde la experiencia fronteriza, con una reflexión sobre identidad, despojo y pertenencia.

El elenco está conformado por Rosalva Eguía, Bruno Sangar, José Olivares, Caridad Gómez, Gustavo Holguín, Cassandra Colis, Marcela Humphrey y Mao Alonso Zapien, quien alterna funciones con Emmanuel Pichardo Caballero. El equipo creativo incluye a Adriana Moreno en vestuario y atrezzo; Esaú Corona en escenografía e iluminación; Baudi Larsen en multimedia; Bruno Sangar en dirección musical; José Olivares en dirección corporal; Karla Treviño en diseño y creación de robótica, y Daniel Román Salazar como biólogo invitado.

Las funciones serán únicas. El costo del boleto es de 250 pesos, con preventa del 30 por ciento de descuento hasta el 23 de febrero. Las entradas pueden adquirirse en taquilla o a través del sitio oficial del recinto. Con esta breve temporada, el Helénico recibe una propuesta que convierte archivo y memoria en experiencia escénica viva.

El Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico recibirá la temporada de Cati, Catalina, Calicó… o la maravillosa vida de la niña gato, una puesta en escena familiar que explora el vínculo afectivo entre las personas y los animales de compañía. La obra se presentará los fines de semana del 24 de enero al 1 de marzo de 2026, con funciones sábados y domingos a las 13:00 horas, como parte de la programación de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México en colaboración con la compañía Teatro de los Sótanos.

Con dramaturgia y codirección de Felipe Rodríguez y Lizeth Rondero, el montaje reflexiona sobre el amor, la pertenencia, la familia, la identidad y el duelo a partir de una historia íntima y cotidiana. La trama sigue a Luisa, una mujer cuya vida transcurre bajo rutinas estrictas y un control constante del tiempo. Su realidad cambia con la llegada de Catalina, una pequeña gatita calicó de ojos verdes que irrumpe en su día a día y le muestra una forma distinta de experimentar el afecto.

La convivencia entre ambas se construye a través de acciones simples: jugar, compartir el descanso, acompañarse en el silencio y en las noches. Estos momentos transforman la percepción del tiempo y del cuidado, revelando cómo la presencia de un animal puede resignificar la vida cotidiana. Con el paso del tiempo, Catalina crece y, eventualmente, concluye su vida junto a Luisa. Tras atravesar esta pérdida, la protagonista comprende que la ternura y el amor son experiencias que integran y dan sentido al acto de vivir.

Los codirectores señalan que el eje temático del proyecto se centra en la despedida y el aprendizaje que surge de ella: “la pérdida física de un ser amado y el aprendizaje espiritual que de ello se desprende, constituyen el aliento temático del proyecto que estamos emprendiendo; el viaje es alentado por la relación de un humano y un gato, y la compañía mutua que se otorgan”. La obra está inspirada en Catalina, “nuestra adorada gatita calicó que nos acompañó en casa durante 14 años”.

El elenco está conformado por Lizeth Rondero, Felipe Rodríguez e Isaías Avilés, siendo los dos primeros también creadores de la idea original y del dispositivo escénico. La puesta en escena se complementa con música original de Sara Vélez, diseño de iluminación de Tenoch Olivares y elementos escenográficos y títeres de Oswaldo Valdovinos e Itzel Casas, con asistencia de dirección de Enrique Monzuazo.

Cati, Catalina, Calicó… o la maravillosa vida de la niña gato tendrá un costo de entrada de 250 pesos, con preventa del 30 por ciento de descuento válida hasta el 18 de enero. Los boletos pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico o en helenico.gob.mx.