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La experiencia inmersiva Mystika Inmersivo presentó “Amor Propio”, una de las últimas creaciones del artista mexicano Pepe Soho, quien falleció el pasado 9 de octubre. La inauguración de esta pieza marcó un momento significativo dentro del legado creativo del autor, al tratarse de una obra concebida como un espacio de introspección yconexión interior, que ahora se integra al recorrido artístico del recinto ubicado en la capital mexicana.

El acto inaugural se llevó a cabo en las instalaciones del espacio inmersivo y fue encabezado por la conductora Mónica Noguera y el diseñador Ricardo Covalín, cofundador de Pineda Covalin, ambos cercanos al artista. La apertura se desarrolló como un homenaje simbólico que reunió a invitados y colaboradores, quienes participaron en una ceremonia diseñada para honrar la visión creativa de Soho.

Uno de los momentos centrales del evento fue la meditación guiada por Zohar, colaboradora cercana del creador y vozpresente en algunas de sus obras. Durante la actividad, los asistentes participaron en un ejercicio de introspección alineado con el concepto de la instalación, que propone un recorrido emocional enfocado en la conexión con uno mismo.

De acuerdo con Magdalia Martínez, productora de Mystika Inmersivo, la obra representa una de las expresiones más personales del artista. “Amor Propio se reveló como una de las obras más personales de Pepe Soho: una instalación inmersiva que invita a un encuentro profundo con uno mismo, confrontando la forma en que nos hablamos internamente y recordando la importancia de la compasión hacia nuestro propio ser”, señaló.

El espacio que alberga la obra se encuentra dentro de Torre Cuarzo, sobre Paseo de la Reforma, y forma parte de un recorrido que incluye nueve salas inmersivas, fotografía en gran formato, muro interactivo, música, animación, espejos infinitos y una cúpula de 360 grados, elementos que construyen una experiencia multisensorial inspirada en la naturaleza de México.

Como parte de la programación, Mystika Inmersivo también anunció una experiencia especial con motivo del equinoccio de primavera el 21 de marzo. La actividad incluirá un ritual guiado, meditación, movimiento somático, música en vivo y recorrido inmersivo, con el objetivo de generar un espacio de introspección y bienestar.

Con la apertura de “Amor Propio”, la obra se integra al conjunto final de creaciones de Pepe Soho, consolidando una propuesta que combina arte, tecnología y espiritualidad dentro del recorrido inmersivo.

La poesía de Jaime Sabines se transforma en una experiencia escénica que combina palabra, movimiento y músicacon el estreno de Adán/Eva, Sabines a flor de piel, un montaje interdisciplinario que conmemora el centenario del nacimiento del poeta chiapaneco (1926–2026). La propuesta se presentará del 16 al 30 de marzo de 2026 en el Teatro Helénico de la Ciudad de México, con funciones los lunes a las 20:00 horas.

El espectáculo surge de la pregunta que impulsa su concepto artístico: ¿es posible vivir la poesía en carne propia? A partir de esta idea, la obra convierte los versos de Sabines en una experiencia escénica donde danza, teatro y música se entrelazan para resignificar la fuerza emocional de su obra. La actriz, soprano y compositora Ana Bitrán es la encargada de dar voz al poeta, mientras que el creador escénico Marco Antonio Silva, autor y director del proyecto, desarrolla el concepto junto con la coreógrafa Isabel Beteta para traducir la palabra en movimiento.

El montaje es una colaboración entre la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el Centro Cultural Helénico, UTOPÍA Danza–Teatro, Nemian Danza Escénica y Los Corpógrafos. La propuesta plantea un recorrido cronológico por el universo literario de Sabines, uno de los autores más influyentes de la poesía mexicana del siglo XX.

En escena, la obra se construye a partir de textos emblemáticos como Los amorosos, Lento animal amargo animal y Yo no lo sé de cierto, piezas que abordan temas como el amor, la pérdida, la soledad y el asombro ante la vida. A través de la interpretación vocal, el movimiento coreográfico y un diseño sonoro envolvente, la puesta busca acercar estos poemas a nuevas generaciones de espectadores.

“Esta obra no solo rinde homenaje al legado de Sabines, también fomenta la lectura y crea nuevos públicos para el arte contemporáneo en el país”, explicó Marco Antonio Silva.

El montaje también contará con participaciones especiales a lo largo de la temporada, con figuras como Regina Blandón, Fernanda Castillo, Emma Dib, Arón Bitrán, Jaime López, José María de Tavira, Alejandro Calva, Alberto Estrella y Humberto Vélez Tercero.

En el escenario, los intérpretes Isabel Beteta, Carolina Ureta, Saúl Gurrola e Iván Flores, provenientes de las compañías Nemian Danza Escénica y Los Corpógrafos, construyen la dimensión física del espectáculo al traducir la poesía en coreografía. El diseño sonoro de Joaquín López Chas completa la atmósfera del montaje, donde música, silencio y voz dialogan para envolver al público.

Los boletos tienen un costo de 344 pesos y se encuentran disponibles en las taquillas del Centro Cultural Helénico y en su sitio web. Además, hasta el 15 de marzo hay una preventa con 50 por ciento de descuento. Con esta propuesta, Adán/Eva, Sabines a flor de piel busca acercar la poesía al escenario y convertirla en una experiencia sensorial que conecta el lenguaje del verso con el cuerpo y la emoción.

La obra Lo que queda de nosotros regresa a los escenarios con una nueva temporada que retoma la historia que ha conmovido a miles de espectadores. Con una propuesta escénica renovada y el sello sensible de la compañía Los Tristes Tigres, el montaje vuelve para explorar, desde el teatro, temas universales como el duelo, el abandono, la lealtad y la posibilidad de volver a amar incluso después de la pérdida.

La pieza, escrita por Sara Pinet y Alejandro Ricaño, se presentará en el Teatro Ofelia con funciones todos los sábadosa las 13:00 horas. Esta nueva temporada contará con tres funciones especiales con Adrián Vázquez los días 14, 21 y 28 de marzo. El montaje está clasificado como familiar, recomendado para público a partir de los ocho años.

Bajo la dirección de Adrián Vázquez, reconocido por su trabajo en la escena teatral mexicana, la obra mantiene el texto original pero plantea una puesta distinta. El director explicó que la intención fue darle una lectura fresca sin perder la esencia emocional que la ha caracterizado. “Esta nueva versión tiene a integrantes de Los Tristes Tigres con actores invitados para llevarla al máximo. Aunque el texto es el mismo, la puesta en escena es distinta: fresca, honesta y profundamente nuestra, con el humor aguerrido y la carga emocional que nos define hace 20 años”.

La historia sigue a Nata, una adolescente que enfrenta la muerte de su padre. Abrumada por el dolor, decide romper con todo vínculo emocional y abandona a su perro Toto en un parque. Sin embargo, esa decisión marca el inicio de dos trayectos paralelos: el de Nata, que deberá atravesar su propio proceso de duelo, miedo y soledad, y el de Toto, quien tras ser atropellado y perder una pata, emprende un viaje inesperado para intentar regresar a casa.

El montaje apuesta por una narrativa que combina humor, ternura y momentos profundamente emotivos. En escena participan Fátima Favela y Carla Adell alternando el papel de Nata, mientras que Adrián Vázquez interpreta a Toto.

La producción integra además música en vivo compuesta por Ricardo Estrada, diseño escénico de Félix Arroyo y vestuario de Giselle Sandiel. La producción ejecutiva está a cargo de Carlos Patrick Casanova y Mónica Aline Vega, con prensa dirigida por Sandra Narváez y redes sociales gestionadas por María José Constantino.

A lo largo de la obra, el público se encuentra con una historia que habla sobre lo que duele, lo que permanece y lo que se puede reconstruir. A través de una narrativa sencilla y emotiva, Lo que queda de nosotros propone una reflexión sobre las pérdidas y los reencuentros, mostrando cómo el amor puede persistir incluso frente a los momentos más difíciles.

Los boletos tienen un costo general de 550 pesos y están disponibles en la taquilla del Teatro Ofelia y a través de Ticketmaster. Con su mezcla de humor, sensibilidad y música en vivo, la obra vuelve a escena como una invitación a mirar de frente las emociones y recordar que incluso en medio del dolor siempre existe la posibilidad de regresar a lo que aún queda.

La música y la animación se cruzan en un estreno clave. La cantante y compositora SZA, ganadora de siete premios GRAMMY®, lanzó ya en plataformas digitales su nuevo sencillo “Save The Day”, tema principal de la próxima película animada original de Disney y Pixar, Hoppers: Operación Castor.

La canción, interpretada por SZA, cuenta con letra de la propia artista y música compuesta junto a Ben Lovett y Rob Bisel. El estreno del sencillo marca el inicio de la experiencia sonora de la película, cuya banda sonora completa estará disponible el 6 de marzo en plataformas digitales, un día después del debut del filme en cines. El soundtrack incluirá “Save The Day” y la partitura original creada por Mark Mothersbaugh.

Dirigida por Daniel Chong y producida por Nicole Paradis Grindle, Hoppers: Operación Castor presenta a Mabel,una amante de los animales que utiliza una innovadora tecnología para trasladar su conciencia a un castor robótico realista. Así logra comunicarse directamente con el mundo animal, donde descubre secretos inesperados. En ese entorno conoce al carismático castor King George y enfrenta una amenaza humana encabezada por el alcalde Jerry. El elenco de voces en inglés incluye a Piper Curda, Bobby Moynihan y Jon Hamm, además de participaciones de Meryl Streep, Dave Franco y Kathy Najimy.

Sobre la incorporación de SZA al proyecto, Chong explicó: “La música de SZA me salvó durante la realización de esta película. Fue un salvavidas durante el estrés del proceso de filmación”. Añadió que, al escuchar la canción por primera vez, parte del equipo lloró porque la artista “capturó a la perfección el corazón de nuestra protagonista, Mabel”.También definió “Save The Day” como “un himno para toda una generación que busca una vía para cambiar el mundo”.

En cuanto a la partitura, Chong destacó que Mothersbaugh “capturó la energía alocada de HOPPERS: OPERACIÓN CASTOR con su genio musical”, aportando encanto, emoción y corazón a la historia. El compositor, reconocido por su trayectoria con la banda Devo y por su trabajo en cine y televisión, señaló que la película transmite “una información positiva que invita a la reflexión”.

SZA llega a este lanzamiento en un momento sólido de su carrera. Su álbum Ctrl fue certificado cinco veces platino, mientras que SOS y su versión ampliada debutaron en el número uno del Billboard 200, donde el disco permaneció 100 semanas en el Top 10. Con más de 70 mil millones de reproducciones globales y múltiples reconocimientos internacionales, la artista suma ahora una nueva colaboración cinematográfica a su trayectoria.

Con “Save The Day” ya disponible y la banda sonora en camino, Hoppers: Operación Castor integra música original y narrativa animada para construir una propuesta que combina aventura, tecnología y conciencia ambiental en la pantalla grande.

La bailarina y coreógrafa española María Juncal regresará a México para presentar Flamenco Tour 2026 – Una mirada, un espectáculo que conjuga baile, música y voz desde una perspectiva íntima del flamenco contemporáneo. La función se llevará a cabo el sábado 21 de marzo a las 19:00 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con el respaldo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México. La presentación contará con la participación especial de la cantante y actriz Susana Zabaleta como artista invitada.

El espectáculo llega a la capital tras una gira por Centro y Sudamérica y se inscribe en una etapa de madurez artísticade Juncal, quien ha mantenido un vínculo constante con México a lo largo de su trayectoria. Una mirada se construye desde la introspección, la memoria y la emoción, y propone al flamenco como un lenguaje vivo que dialoga con el presente. “Hacia adentro miro y veo, hacia adelante miro y sueño; al pasado miro y recuerdo, al cielo miro y rezo…”,expresa la bailarina al referirse al concepto que articula la puesta en escena.

La propuesta escénica se apoya en la relación entre tradición y vanguardia, y plantea al flamenco como reflejo del ser humano y de su búsqueda permanente. “Así sucede en el escenario, como en la vida misma: una vida que es guitarra flamenca, que es la voz del cante y la expresión del baile”, comparte Juncal, heredera de la tradición de la familia Borrull, una de las más influyentes en la historia de este arte.

La producción está a cargo de Orly Beigel, Oscar Carnicero y Silvia Baro. La coreografía y el baile nacen de la inspiración de la propia Juncal, acompañada en escena por Kin Sánchez en la guitarra, Mali Clavera y Mario Díaz en el cante, y Héctor Aguilar en la percusión. El vestuario fue diseñado por Alejandro Ponce y María Juncal; la fotografía es de Nico Kremenchusky y el diseño gráfico de Mel Ortega. Sobre el escenario, la presencia de Susana Zabaleta suma una dimensión particular a la experiencia. “Cuatro músicos en directo y la invaluable participación de Susana Zabaleta… Su voz y su mirada abren la posibilidad de imaginar y habitar otros mundos”, subraya la bailarina.

El encuentro entre el baile flamenco y la voz de Zabaleta se concreta como un cruce de sensibilidades que se expresa a través del movimiento, la música y la palabra. Flamenco Tour 2026 – Una mirada se presentará en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, ubicado en Donceles 36, Centro Histórico. Los boletos están disponibles en la taquilla del teatro y en Ticketmaster, con precios que van de 500 a 1,200 pesos, según la localidad. La función está concebida como una experiencia escénica que reúne dos trayectorias consolidadas en un mismo escenario.

AlMa Arte Escénico y En Su Tinta Producciones presentan El tren matraca, un espectáculo multimedia interdisciplinario creado por María Sánchez y Alberto Lomnitz, concebido especialmente para las primeras infancias. La obra propone una experiencia sensorial que combina teatro, títeres, música, danza y video para acercar al público infantil a la riqueza natural y cultural del país, con un enfoque claro en la diversidad, los lazos afectivos y el respeto por la naturaleza.

La historia se articula a través de María, una niña de cuatro años que realiza su primer viaje en tren acompañada de su madre. El trayecto ocurre a bordo del emblemático tren Chepe, que cruza la Sierra Tarahumara rumbo al mar, con destino a La Paz, donde vive su abuela. A lo largo del recorrido, el paisaje se transforma en un espacio vivo de descubrimiento, donde la geografía se entrelaza con las historias, los afectos y los encuentros humanos.

Durante este viaje, María enfrenta sus miedos, fortalece el vínculo con su mamá y establece una amistad con Martina, una niña rarámuri que le muestra otra forma de habitar el mundo. A partir de esta relación, la protagonista aprende a valorar la naturaleza, la diversidad cultural y la convivencia, en un proceso que amplía su mirada y refuerza su identidad emocional. La experiencia del trayecto no solo revela la belleza del entorno, sino también la importancia de las conexiones humanas que surgen en el camino.

Para sus creadores, “esta puesta en escena se transforma en un lienzo vivo que rinde tributo a la biodiversidad del noroeste mexicano y a la presencia de sus comunidades. A través de la mirada de María, buscamos proyectar el legado cultural de México y despertar la sensibilidad estética desde los primeros años de vida”. En ese sentido, El tren matracaintegra valores esenciales para el desarrollo infantil, como los lazos afectivos, las habilidades sociales y la fortaleza emocional, promoviendo la empatía, la valentía y la convivencia pacífica.

La obra se presentará del 1 de febrero al 19 de abril en el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque, ubicado en Paseo de la Reforma y Campo Marte, en la Ciudad de México. El elenco está integrado por María Sánchez, Paulina Soto Oliver, Anai Zuñiga Perez, Susi Estrada y Diego Santana. El equipo creativo reúne a especialistas en dramaturgia, multimedia, música, movimiento, títeres y diseño escénico, consolidando una propuesta que invita a las infancias a mirar el país como un territorio de encuentro, diversidad y cuidado compartido.

El Foro Bellescene abre sus puertas en febrero para recibir Las Metamorfosis, una puesta en escena que fusiona teatro, danza y música a partir del poema clásico de Publio Ovidio. Escrita y dirigida por Enrique Avilés, la obra propone un recorrido escénico por los relatos mitológicos que han marcado la cultura occidental, con un enfoque contemporáneoque pone en primer plano la transformación como eje de la experiencia humana.

La propuesta se presenta con las actuaciones de Enrique Avilés y Jéssica Gámez, quienes conducen al público a través de distintos pasajes de la mitología clásica. La obra se articula como un viaje narrativo que explora las fuerzas que moldean la vida y la manera en que cada individuo enfrenta los cambios. Desde el lenguaje corporal hasta la composición sonora, el montaje apuesta por una experiencia multidisciplinaria que dialoga con el espectador desde lo simbólico y lo emocional.

Para Enrique Avilés, uno de los principales desafíos creativos fue construir un lenguaje escénico coherente a partir de múltiples disciplinas. A este reto se suma la búsqueda de una conexión genuina con los textos originales: “Mantener una conexión sincera con los relatos antiguos, sentir sus significados desde la propia experiencia, buscando que el espectador pueda reconocer su propia historia, sus propias metamorfosis”.

La obra nace de la fascinación de Avilés por la mitología y su vigencia simbólica. “Fui descubriendo que no son sólo historias asombrosas o divertidas, que tienen un significado mucho más profundo y actual. Qué hablan de nuestros deseos, nuestros miedos, nuestras pasiones. Y de cómo nos vamos transformando a lo largo de nuestra vida”, afirmó.

Las funciones se realizan todos los sábados de febrero a las 19:00 horas en el Foro Bellescene, ubicado en Zempoala #90, Colonia Narvarte Oriente. La temporada contempla presentaciones los días 7, 14, 21 y 18 de febrero. La producción corre a cargo de la compañía Camino Abierto Teatro, que suma este montaje a su línea de trabajos enfocados en la exploración escénica y narrativa.

En cuanto a la venta de boletos el costo general será de 300 pesos. Las entradas pueden adquirirse en la taquilla teatro y a través de la plataforma Boletópolis. Con esta temporada, Las Metamorfosis se instala como una opción escénica que acerca la mitología clásica al presente desde un lenguaje corporal y visual contemporáneo.

La Ciudad de México será sede de una experiencia musical centrada en el legado del rock progresivo el próximo 5 de marzo de 2026. Esa noche, THE LATAM PINK FLOYD SHOW, reconocido como el tributo número uno de Latinoamérica, se presentará en el recinto La Maraka a las 21:00 horas. El evento está concebido como un espectáculo integral que combina música y recursos visuales para recrear el universo artístico de Pink Floyd.

El concierto se realizará en La Maraka, un espacio que será adaptado para una puesta en escena inmersiva. Durante una sola noche, el recinto funcionará como un entorno donde sonido, iluminación y proyecciones se integran en un mismo lenguaje escénico. La propuesta no se limita a la interpretación de temas emblemáticos, sino que plantea un recorrido estructurado, en el que cada pieza musical se enlaza como parte de una narrativa continua, en sintonía con el carácter conceptual que distinguió a la banda británica.

THE LATAM PINK FLOYD SHOW ha construido su reconocimiento regional a partir de la fidelidad sonora y el cuidado en los arreglos. La ejecución musical prioriza la precisión en las atmósferas, las transiciones y los matices que caracterizan la obra original. Este enfoque ha permitido preservar la profundidad emocional de un repertorio que influyó de manera decisiva en la evolución del rock y en la relación entre música, arte y experimentación.

La producción visual ocupa un papel central dentro del espectáculo. Proyecciones, juegos de luces y efectos sincronizados acompañan cada pasaje musical, generando una experiencia envolvente desde el inicio hasta el cierre del concierto. La intención es evocar el espíritu de los conciertos originales de Pink Floyd, donde la puesta en escena ampliaba el alcance de la música y la convertía en una vivencia multisensorial.

La presentación del 5 de marzo de 2026 está dirigida tanto a seguidores de larga data como a nuevas audiencias interesadas en acercarse al legado de Pink Floyd. Para unos, representa un reencuentro con una obra que ha mantenido vigencia a lo largo de las décadas; para otros, funciona como una introducción a un catálogo que continúa dialogando con el presente.

Con esta fecha, La Maraka se integra a la agenda cultural de la capital como sede de un espectáculo que prioriza la experiencia completa del espectador. La cita queda establecida para el jueves 5 de marzo de 2026 a las 21:00 horas, con accesos disponibles en Arema.mx y en taquillas del recinto, para una noche dedicada a escuchar, ver y sentir la músicaque definió una era.

El universo de Pandora vuelve a la pantalla grande con el estreno de AVATAR: FUEGO Y CENIZAS, la tercera entrega de la franquicia creada y dirigida por James Cameron. La película ya se exhibe en cines de todo el mundo y marca un nuevo capítulo en la saga iniciada en 2009 con AVATAR y continuada trece años después con AVATAR: EL CAMINO DEL AGUA. Esta nueva producción propone un recorrido por territorios inéditos del planeta Pandora, introduce nuevos clanes na’vi y profundiza en los conflictos que atraviesan a la familia Sully.

La historia comienza poco después de los acontecimientos de la segunda película. Jake Sully (Sam Worthington), Neytiri (Zoe Saldaña) y su familia viven en el arrecife mientras enfrentan el impacto emocional por la pérdida de Neteyam (Jamie Flatters). Junto a ellos se encuentra Spider (Jack Champion), cuya presencia representa un riesgo creciente. Ante este escenario, los Sully emprenden una peligrosa travesía hacia el Campamento Alto, la fortaleza del clan omatikaya, con el objetivo de protegerlo.

Durante el recorrido, el grupo se cruza con integrantes del Pueblo de las Cenizas, un clan marcado por el resentimiento tras haber perdido su hogar y decidido a atacar. Al mismo tiempo, la Administración de Desarrollo y Recursos (RDA) se reorganiza y planifica nuevas ofensivas en Pandora, elevando la tensión del conflicto central.

James Cameron define el eje narrativo del film al señalar: “Esta es una película sobre una familia que procesa lo que significa estar en guerra, sobre lo que significa para los hijos estar en guerra, y sobre los padres que deben dejar ir a sus hijos y confiar en que tomarán las decisiones correctas”.

La película presenta dos nuevos clanes. Por un lado, el Pueblo de las Cenizas, identificado por su particular apariencia: mezclan ceniza con agua para cubrir su cuerpo como forma de identidad. Por otro, los Comerciantes del Viento, un pueblo nómada que recorre los cielos de Pandora a bordo de gigantescas naves aéreas. Liderados por Peylak (David Thewlis), comercian bienes e información entre los distintos clanes. El clan Mangkwan, encabezado por Varang (Oona Chaplin), también se suma a la historia tras ver su forma de vida alterada por un desastre natural.

El diseño visual estuvo a cargo de Dylan Cole y Ben Procter. Cole se enfocó en Pandora y los na’vi, mientras que Procter desarrolló los entornos humanos, vehículos y armamento. Cole describe las naves aéreas como “un pequeño poblado suspendido bajo lo que llamamos un medusoide”, remolcado por enormes criaturas llamadas windray.

La música vuelve a ser un elemento central. Simon Franglen compuso la banda sonora, aportando nuevos temas y texturas sonoras acordes al tono más profundo del relato. La canción original “Dream As One”, interpretada por Miley Cyrus, acompaña los créditos finales.

El despliegue técnico es otro de los pilares del film, con 3,382 planos de efectos visuales desarrollados junto a Wētā FX y Lightstorm Entertainment. Más de 2,000 escenas están dedicadas al agua y más de 1,000 al fuego, incorporando desde flechas encendidas hasta tornados de fuego.

La Ciudad de México recibirá nuevamente el universo de 31 Minutos con la presentación del espectáculo“31 Fans – Tributo a 31 Minutos”, una puesta en escena dirigida a públicos de todas las edades. La función se realizará el domingo 25 de enero, a la 1:00 de la tarde, en el Centro de Espectáculos La Maraka, consolidándose como una de las actividades familiares programadas para ese fin de semana. Los boletos se encuentran disponibles en el sistema Arema Ticket, así como en las taquillas del recinto.

El montaje está a cargo del colectivo 31 Fans, una agrupación que ha desarrollado un espectáculo escénico inspirado en el noticiero chileno creado por Álvaro Díaz y Pedro Peirano. La propuesta traslada al escenario los elementos que dieron identidad a 31 Minutos, integrando títeres, música y comedia satíricaen un formato diseñado para el contacto directo con el público. Lejos de reproducir de manera literal el programa televisivo, el tributo presenta una reinterpretación que conserva la esencia del proyecto original.

Durante la función, los asistentes podrán reencontrarse con personajes como Tulio Triviño, Juan Carlos Bodoque, Patana y Guaripolo, quienes forman parte central del desarrollo escénico. El espectáculo se construye a partir de sketches, números musicales y secuencias narrativas que recrean el estilo de humor característico de la serie, reconocido por su combinación de sátira, música y referencias a la vida cotidiana.

La puesta en escena incorpora canciones que forman parte del repertorio más identificado con 31 Minutos, interpretadas en vivo como parte de la experiencia teatral. Este componente musical permite que distintas generaciones compartan un mismo espacio, ya que el contenido conecta tanto con quienes conocieron el programa en su transmisión original como con nuevos públicos que se acercan al universo del noticiero por primera vez.

La presentación en La Maraka forma parte del recorrido nacional que ha realizado 31 Fans, con funciones en distintos puntos del país. Este trayecto ha permitido consolidar al proyecto como una propuesta escénica estable, enfocada en mantener vigente el lenguaje humorístico y musical que caracterizó a 31 Minutos en América Latina.

El Centro de Espectáculos La Maraka será la sede de esta función, ofreciendo un espacio cerrado y equipado para recibir a familias completas en un horario vespertino. La organización del evento recomienda adquirir los accesos con anticipación, ya sea mediante el sistema Arema Ticket o directamente en taquillas del inmueble.

La cita está programada para el domingo 25 de enero a la 1:00 de la tarde, con una función que integra música, humor y títeres en un formato escénico diseñado para el disfrute colectivo. El espectáculo “31 Fans – Tributo a 31 Minutos” se presenta como una opción cultural enfocada en revivir un referente televisivo a través del teatro, manteniendo su vigencia en el escenario.