Categoría: Entretenimiento

Del 21 al 23 de noviembre, Dolores Hidalgo, Guanajuato, volverá a ser el epicentro de la música mexicana con el Festival Internacional del Rey 2025, una edición que promete emocionar a propios y visitantes al rendir homenaje al inmortal José Alfredo Jiménez, el compositor que dio voz al sentimiento ranchero.

Durante tres días, la ciudad conocida como la Cuna de la Independencia Nacional vibrará con una programación artística y cultural que reunirá a figuras destacadas de la música nacional y a talentos locales. El evento busca no solo celebrar la herencia musical de “El Rey”, sino también fortalecer la identidad cultural y turística de la región.

El arranque del festival será el viernes 21 de noviembre, con el recital de flauta de la maestra Elena Durán en la Casa Museo José Alfredo Jiménez. Esa misma noche, los visitantes podrán disfrutar de un recorrido por las cantinas tradicionales, serenatas con bandas regionales y un espectáculo de videomapping proyectado sobre la parroquia de Nuestra Señora de los Dolores. El gran acto inaugural estará a cargo de Aranza y el grupo Matisse, en un escenario que promete una noche mágica.

El sábado 22 estará dedicado al análisis y la emoción. En la Casa Museo se presentará la conferencia “Lírica y gramática de la canción popular”, a cargo de Concepción Company, y por la noche el público podrá disfrutar las presentaciones de Voces de Corralejo, Ana Cirré y El Fantasma, quienes darán paso al cierre simbólico de la jornada: la “Serenata al Rey” en el Panteón Municipal, interpretada por Zila Figueroa, frente a la tumba del compositor.

El domingo 23, el festival cerrará con una gran fiesta ranchera en la que participarán el Mariachi Gama Mil, María Elena Leal junto a Percy, y el broche de oro estará a cargo de Pablo Montero, quien rendirá homenaje con los temas más emblemáticos del autor de Si nos dejan.

Además de la música, los asistentes podrán disfrutar de la gastronomía tradicional, las nieves exóticas, la cerámica artesanal, los museos locales y los viñedos de la región, consolidando así a Dolores Hidalgo como un punto de encuentro entre la cultura, el turismo y la memoria viva de José Alfredo Jiménez.

En una travesía profundamente personal, Chris Hemsworth cambia el martillo de Thor por una motocicleta para recorrer Australia junto a su padre, Craig Hemsworth, en el nuevo especial de National Geographic, “Chris Hemsworth: Un viaje para recordar”. Este documental, que se estrena el 24 de noviembre en Disney+, combina emoción, ciencia y paisajes espectaculares en una exploración sobre la memoria, la conexión social y la salud mental.

A lo largo de una hora, el actor y su padre reviven recuerdos familiares en un recorrido que va desde los suburbios de Melbourne hasta las tierras salvajes del Territorio del Norte. Más que un viaje al pasado, la experiencia se convierte en una forma de reconectar con la memoria y entender cómo la comunidad, el amor y la nostalgia pueden funcionar como herramientas reales contra el deterioro cognitivo.

El punto de partida del documental es la realidad global: más de 57 millones de personas viven con demencia en el mundo, siendo el Alzheimer la causa más común. Cada año se suman alrededor de 10 millones de nuevos casos, lo que hace urgente buscar estrategias más humanas y efectivas para cuidar la mente. En este contexto, Chris se propone explorar la ciencia detrás de la terapia de reminiscencia y la conexión social, dos métodos que demuestran beneficios significativos en la estimulación cerebral.

Durante la filmación, el Dr. Suraj Samtani, psicólogo clínico especializado en demencia del Centro para el Envejecimiento Cerebral Saludable de la Universidad de Nueva Gales del Sur, acompañó el proceso junto con la familia Hemsworth y el equipo de producción durante un año. Su investigación respalda el enfoque del documental: las personas que mantienen interacciones sociales regulares reducen hasta a la mitad su riesgo de desarrollar demencia, y las conexiones comunitarias ayudan a ralentizar el deterioro cognitivo incluso después del diagnóstico.

El filme profundiza en tres ejes: la terapia de reminiscencia, que estimula la mente a través de recuerdos, objetos o lugares del pasado; la conexión social, que fortalece el bienestar mediante el contacto humano; y la conexión comunitaria, que fomenta la participación colectiva como herramienta para preservar la salud mental.

Detrás del proyecto están grandes nombres de la industria: Darren Aronofsky y Ari Handel (Protozoa), Jane Root (Nutopia) y Ben Grayson junto a Hemsworth (Wild State), bajo la dirección de Tom Barbor-Might. La colaboración entre estas casas productoras y National Geographic logra un equilibrio entre el rigor científico y la sensibilidad emocional.

“Chris Hemsworth: Un viaje para recordar” se convierte así en una mirada íntima sobre la vulnerabilidad humana y la fuerza de los lazos familiares. Con la naturaleza australiana como escenario y la ciencia como brújula, el especial muestra cómo la memoria puede mantenerse viva cuando se comparte, se conversa y se conecta con los demás.

El teatro se transforma en laboratorio de ideas con “Obra negra de las controversias”, una puesta en escena dirigida por José Caballero que rompe con los formatos tradicionales y apuesta por la participación directa del público. Esta obra experimental, producida por la Secretaría de Cultura a través del Centro Cultural Helénico y la compañía Shakespeare & Cía, tendrá funciones del 8 al 30 de noviembre de 2025, los sábados y domingos a las 20:00 horas, en el Foro Alternativo.

Más que un espectáculo, la propuesta es un juego teatral y moral que gira en torno a siete módulos temáticos inspirados en debates contemporáneos. Cada función es distinta, porque el público no solo observa, sino que interviene, opina y transforma el rumbo de la historia. En escena, los temas fluyen como una improvisación de jazz: la eutanasia, el racismo, el clasismo, las teorías conspirativas, el lenguaje inclusivo, las relaciones afectivas diversas, los derechos de los animales y los “perrhijos” son algunos de los puntos que se discuten y reformulan con cada presentación.

La obra nació a inicios de 2024 como un ejercicio de exploración artística impulsado por Caballero e Itari Marta, con la intención de recuperar el sentido lúdico y reflexivo del teatro. A partir de lecturas y debates, el equipo tomó como punto de partida La controversia de Valladolid —uno de los primeros debates sobre los derechos humanos en la historia moderna— y lo trasladó al presente, generando un diálogo entre los dilemas del pasado y los del siglo XXI.

El resultado es un formato que no busca cerrar temas, sino abrirlos. Cada función se convierte en una experiencia colectiva en la que el público participa activamente en la construcción de sentido. Por eso, el montaje se presenta como una “obra negra”: un trabajo en constante proceso, que se reconstruye en tiempo real con las ideas y emociones de quienes asisten.

El elenco está conformado por Ricardo Reynaud, Alberto Juárez, Itari Marta, Gerardo Hernández yValeria Lemus, con dramaturgia de Diego Cristian Saldaña, asistencia de dirección de Itari Marta y diseño de vestuario de Libertad Mardel. La producción ejecutiva corre a cargo de Itari Marta y Valeria Lemus, con apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales.

“Obra negra de las controversias” es, en esencia, un espacio para pensar desde la escena, donde el teatro se convierte en herramienta de diálogo y reflexión colectiva. Los boletos tienen un costo de $260, con preventa al 50% hasta el 7 de noviembre, disponibles en las taquillas del Helénico y en helenico.gob.mx.

La moda, con toda su belleza, brillo y poder, se somete a su propio juicio en “Desvestida: la moda pasó de moda”, la nueva serie documental de Disney+, conducida por Mariana Fabbiani, que se estrena el 12 de noviembre dentro de Hulu, la marca de entretenimiento general de la plataforma. A lo largo de siete episodios, la producción realizada por Mandarina Contenidos abre un espacio de reflexión sobre una industria que, más que dictar tendencias, hoy busca redefinirse en torno a la diversidad, la sostenibilidad y la identidad.

Con un enfoque internacional, la serie recorre los escenarios más icónicos de la moda: Nueva York, París, Milán, Ciudad de México y Buenos Aires, ciudades donde Mariana Fabbiani conversa con diseñadores, modelos, editores, fotógrafos y creadores de contenido que están transformando la forma de entender lo que vestimos.

Entre las voces que participan se encuentran figuras clave como Patricia Field, la diseñadora detrás de Sex and the City; la supermodelo Coco Rocha; el diseñador mexicano Benito Santos; la fotógrafa Paola Kudacki; el creador del proyecto Advanced Style, Ari Seth Cohen; y la directora editorial de Vogue México y Latinoamérica, Karla Martínez de Salas.

“Desvestida” se adentra en los temas más urgentes de la moda contemporánea: desde los estereotipos de belleza y la representación de cuerpos diversos, hasta el cuestionamiento del edadismo, los roles de género y el impacto ambiental del consumo textil. A través de entrevistas, análisis y testimonios, la serie desmenuza cómo la industria se enfrenta a su propio cambio de paradigma, en un contexto donde los consumidores exigen autenticidad, inclusión y responsabilidad.

Cada episodio profundiza en una problemática distinta. Desde la obsesión por el “cuerpo perfecto” hasta la moda como herramienta de liberación personal, la serie pone sobre la mesa el debate entre el lujo, el consumo y la ética. También explora cómo la identidad cultural se refleja en la forma de vestir y cómo las nuevas generaciones están impulsando una moda más consciente, que apuesta por la creatividad sostenible más que por las apariencias.

Con una narrativa dinámica y visualmente atractiva, “Desvestida: la moda pasó de moda” no solo muestra pasarelas y tendencias, sino que invita a mirar detrás de las telas, los espejos y las marcas. En un momento en que la moda se transforma más rápido que nunca, esta serie propone mirar al futuro sin olvidar las historias que vestimos cada día.

Una montaña que despierta, la lluvia que danza y animales que surgen poco a poco forman parte del universo que “Te veo” propone en escena. Esta obra inmersiva llega al Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico del 15 de noviembre al 7 de diciembre de 2025, con el propósito de acercar el teatro a las niñas y niños de 0 a 3 años, quienes no solo miran, sino también participan, exploran y transforman el escenario con su curiosidad.

La propuesta, creada y dirigida por Francisco Ibarra, combina música en vivo, movimiento y arte visualpara acompañar a las primeras infancias en un proceso de descubrimiento a través del juego. Lejos de ser un montaje tradicional, esta puesta busca fortalecer los vínculos tempranos con la vida comunitaria y el arte, permitiendo que cada función se convierta en una experiencia compartida entre los pequeños, sus familias y los artistas.

Impulsada por la Secretaría de Cultura y el Centro Cultural Helénico, en colaboración con la compañía AldeaTeatro, la obra se plantea como un ejercicio de creación colectiva donde los más chicos son parte activa del relato. Al finalizar la función, las y los asistentes pueden entrar al escenario, recorrerlo y dejar su propia huella, integrándose al paisaje escénico que antes observaron, en una experiencia sensorial completa que estimula su pensamiento, creatividad y motricidad.

Con una duración de 50 minutos, “Te veo” reúne a un equipo artístico de gran trayectoria. El elenco está conformado por Daniela Díaz y Alejandro Rojas, mientras que la música original, interpretada en vivo por Héctor Martínez, acompaña cada momento del recorrido. El diseño escénico fue concebido por Teresa Alvarado e Ibarra, con iluminación de Jorge Mora, y la producción ejecutiva a cargo de Daniela Gaytán y Josué Martínez.

La compañía AldeaTeatro impulsa este proyecto con la convicción de que el teatro es un derecho cultural desde la primera infancia, y que las niñas y los niños son agentes de cambio capaces de crear y transformar su entorno. Con “Te veo”, el arte se convierte en una invitación a descubrir el mundo desde la emoción, la colectividad y la imaginación.

Las funciones serán sábados y domingos a las 13:00 horas en el Foro La Gruta, ubicado en Avenida Revolución 1500, Álvaro Obregón, CDMX. Los boletos cuestan $238 para adultos y $119 para infancias, con una promoción especial que ofrece precio infantil para adultos hasta el 14 de noviembre, disponibles en taquilla o en helenico.gob.mx.

El Centro Cultural El Hormiguero celebra su séptimo aniversario reafirmando una misión que lo distingue: llevar el arte donde pocas veces llega. Con su lema #SieteAñosDeSerHormigas, este espacio independiente con sede en la Ciudad de México conmemora su trayectoria con una agenda que combina celebración, compromiso social y creación artística.

Su iniciativa Rutas Hormiga continúa cruzando caminos y fronteras, acercando el teatro a comunidades de difícil acceso en Tijuana, Zacatecas, Guerrero, Mérida, Campeche y Guanajuato, además de extender su alcance a Cuba, Colombia, Argentina y Chile.

El espíritu de El Hormiguero va más allá de las funciones teatrales: busca crear vínculos reales con las comunidades, escucharlas y promover el arte como una herramienta de transformación social. Este 2025, la celebración adquiere una dimensión especial con el 7º Festival de Creación Hormiga, que se realizará del 13 al 16 de noviembre en Coyuca de Benítez, Guerrero, siendo la primera vez que se lleva a cabo fuera de la capital.

El festival transformará plazas, canchas y calles en escenarios vivos donde artistas, colectivos y habitantes compartirán experiencias, talleres y puestas en escena. Su eje temático, el arte comunitario y las artes vivas en espacios públicos, propone utilizar el teatro como detonante de memoria, resiliencia y paz. En un territorio marcado por retos sociales, la presencia del arte se convierte en una manera de reconstruir la identidad y el sentido de comunidad.

Entre las novedades de este aniversario destaca el estreno de Kokol, una producción original escrita y dirigida por Marco Pacheco, que cuenta la historia de Mateo, un niño de Coyuca de Benítez que emprende un viaje de libertad a través de su papalote. Con una mezcla de clown, música en vivo, títeres y objetos de gran formato, la obra utiliza un escenario móvil que recorrerá tanto Coyuca como diversos puntos de la Ciudad de México, incluyendo Xochimilco, Chapultepec, Pantitlán y el Centro Histórico.

El Hormiguero también impulsa la formación de nuevos creadores mediante programas como LARVAS Creativas, que apoya agrupaciones emergentes como CORDOBANES y XOLOTL Ánima, y INSERTA 2.0, diseñado para acompañar a egresados jóvenes en temas de gestión cultural, producción y finanzas. Además, Rutas Hormiga llevará la obra Raziel al Festival de la Inclusión en Bogotá, consolidando la presencia internacional del proyecto.

Como parte de su compromiso con la inclusión, El Hormiguero lanza el programa Boleto con Causa, que permite adquirir entradas adicionales para que personas en situación económica vulnerable puedan acceder al teatro. Con más de 500 funciones anuales, el espacio ha recibido reconocimientos como el Premio al Espacio Teatral Independiente en los Premios Metro 2023 y cinco nominaciones por Instrucciones para Armar una Esperanza.

Entre luces estroboscópicas, sombras danzantes y el eco inconfundible del moonwalk, la Ciudad de México abre las puertas a Michael Halloween Experience, un espectáculo que fusiona teatro, fantasía y homenaje musical en una cita donde el arte vence a la oscuridad. El Teatro Royal del Pedregal, ubicado en Boulevard Adolfo Ruiz Cortines 4363, en la Colonia Jardines en la Montaña, Tlalpan, se convierte este otoño en el epicentro de una celebración única al legado del Rey del Pop. Las funciones se realizarán los días 19 y 26 de octubre, así como el 2, 9 y 16 de noviembre, con boletos disponibles a través del sistema Go Liiive.

Durante ochenta minutos, el escenario se transforma en un universo entre el bien y el mal, donde criaturas sobrenaturales —vampiros, momias, calaveras y hombres lobo— emergen del inframundo para acechar a Lucy, una niña cuya inocencia es el centro de una batalla simbólica. En medio de esta lucha, el espíritude Michael Jackson aparece para devolver la armonía, guiado por el poder redentor de la música y el baile. Cada coreografía es una invocación a su energía inagotable, recordando que su arte sigue vivo más allá del tiempo y la muerte.

Lejos de ser un simple tributo, Michael Halloween Experience se construye como una historia escénicaque combina efectos especiales, iluminación precisa y un diseño visual capaz de envolver al espectador en una atmósfera de misterio y emoción. Las piezas más emblemáticas del ícono estadounidense, desde la mítica “Thriller” hasta la emotiva “Heal the World”, tejen el hilo conductor de una experiencia donde el miedo se transforma en ritmo.

El montaje, pensado para toda la familia, ofrece una alternativa diferente a las tradicionales celebraciones de Halloween. Su mezcla de suspenso, ternura y energía convierte cada función en un espectáculo apto para niños y adultos que buscan vivir la temporada con una dosis de magia escénica. La acústica y el ambiente íntimo del Teatro Royal potencian cada detalle: los pasos de baile, los efectos sonoros y lasluces que marcan el pulso de una historia de redención a través del arte.

Más que un show temático, Michael Halloween Experience es un homenaje vivo al poder transformador de la música. En cada nota resuena el espíritu de Michael Jackson, ese que unió generaciones con su ritmo inconfundible y su mensaje universal. En cada función, la leyenda resucita bajo el brillo de las luces y el latido del beat, recordando que incluso en la noche más oscura, siempre hay una canción capaz de devolvernos la luz.

Entre luces cálidas y sombras profundas, Mario Iván Martínez vuelve a los escenarios con una pieza que trasciende la actuación para convertirse en una experiencia sensorial: Van Gogh, un girasol contra el mundo. Escrita y protagonizada por él mismo, y bajo la dirección de Luly Rede, la obra invita a sumergirse en la mente de uno de los artistas más enigmáticos y apasionados del arte moderno.

El Teatro Royal del Pedregal será el lienzo donde cobrará vida esta travesía escénica durante cuatro jueves consecutivos: 6, 13, 20 y 27 de noviembre de 2025, siempre a las 20:00 horas. Ubicado en Anillo Periférico Sur 4363, al sur de la Ciudad de México, el recinto se transforma esta temporada en el taller y refugio mental del pintor neerlandés. Los boletos ya se encuentran disponibles en taquilla y en las redes oficiales del teatro.

La obra es un retrato íntimo de los últimos años de Vincent van Gogh, un viaje entre el genio y la locura donde Mario Iván Martínez se sumerge en las obsesiones, heridas y visiones del artista. Desde su tormentosa relación con Paul Gauguin hasta los días de encierro en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy, la puesta en escena recorre las luces y sombras de un espíritu que buscó en el color un refugio frente al dolor.

Dirigida por Luly Rede —quien colaboró con Martínez en Diario de un loco, obra galardonada en 2024 con el Premio Metropolitano de Teatro—, esta producción refina la intensidad emocional del texto y la transforma en un ejercicio de introspección donde el gesto mínimo adquiere el peso de una revelación.

El texto de Martínez combina precisión histórica y lirismo. Su proceso creativo lo llevó a recorrer Francia y los Países Bajos, siguiendo los pasos de Van Gogh: desde los campos de Provenza hasta la pensión de Auvers-sur-Oise, donde el pintor vivió sus últimos días. También visitó el MoMA en Nueva York, donde se reencontró con La noche estrellada, la obra que el propio Vincent consideró un fracaso y que hoy simboliza su inmortalidad artística.

En escena, el actor da voz no sólo a Van Gogh, sino también a las figuras que marcaron su historia: su hermano Theo, su cuñada Johanna Bonger, el pintor Paul Gauguin y el doctor Peyron. Todos se entrelazan como reflejos de una mente que nunca dejó de buscar la luz.

La puesta se acompaña con música de Ponce, Debussy, Revueltas y Villa-Lobos, envolviendo al público en una atmósfera que oscila entre la melancolía y la esperanza. Cada nota, cada palabra y cada silencio son parte de un cuadro vivo que respira, vibra y duele.

Con Van Gogh, un girasol contra el mundo, Mario Iván Martínez no sólo interpreta a un artista atormentado: revive su esencia, su locura y su inmenso deseo de transformar el sufrimiento en belleza. En el escenario, el alma del pintor vuelve a pintar con fuego sobre la oscuridad, recordando que el arte siempre florece, incluso cuando el mundo se marchita.

El saxofón más emblemático del jazz moderno volverá a sonar en México en 2026. Kenny G, el músico que ha convertido cada nota en un suspiro universal, regresa al país con una gira que promete ser mucho más que una serie de conciertos: una experiencia sensorial donde la técnica y la emoción se entrelazan para rendir tributo a la música en su forma más pura.

La gira, producida por MusicVibe, contempla tres presentaciones en ciudades clave. El recorrido inicia el 2 de febrero en el Teatro Diana de Guadalajara, continúa el 3 de febrero en el Auditorio BB de la Ciudad de México, y culmina el 4 de febrero en el Auditorio Metropolitano de Puebla. Los boletos estarán disponibles a partir del 4 de noviembre, a través de Ticketmaster y Superboletos, según la sede.

El regreso de Kenny G a territorio mexicano marca un reencuentro con un público que lo ha acompañado durante décadas. Su relación con México ha sido constante y cálida, una conexión que trasciende el tiempo y los géneros. Cada visita se convierte en un ritual de elegancia y sensibilidad, donde el público se deja envolver por ese sonido que parece flotar en el aire antes de tocar el alma.

Con más de 75 millones de discos vendidos y una carrera que supera las cuatro décadas, Kenneth Bruce Gorelick —nombre real del artista— se ha consolidado como una leyenda viva del jazz contemporáneo. Ganador de premios Grammy y creador de éxitos que han cruzado fronteras como “Songbird”, “Silhouette”y “Forever in Love”, Kenny G ha logrado lo que pocos: que su música se convierta en parte de la vida cotidiana de millones de personas.

Su estilo, una fusión entre el jazz clásico y la sutileza del pop instrumental, ha acompañado momentos inolvidables de generaciones enteras. Desde bodas y películas hasta conciertos íntimos, su saxofón soprano se ha transformado en una voz universal capaz de narrar emociones sin palabras.

En esta nueva gira, Kenny G no solo ofrecerá un repertorio de grandes éxitos, sino también una experiencia inmersiva donde cada tema se siente como un viaje interior. Tres noches, tres ciudades y un solo propósito: reconectar con la belleza de la música en su estado más puro.

México se prepara para recibir de nuevo a una leyenda que no necesita presentación, porque su sonido ya vive en la memoria colectiva. El arte vuelve a respirar entre sus notas, y Kenny G promete hacerlo eternouna vez más.

El próximo 8 de noviembre, la energía del rock, el soul, el pop y el hip-hop se reunirá en un mismo escenario. La ceremonia anual de inducción al Rock & Roll Hall of Fame 2025 se llevará a cabo en el Peacock Theater de Los Ángeles (California) y por primera vez será transmitida en vivo por Disney+, a partir de las 18:00 horas. Quienes no puedan verla en directo, podrán disfrutarla en la plataforma durante los 30 días posteriores al evento.

Este año, la Rock & Roll Hall of Fame Foundation reconocerá a una lista diversa de artistas que marcaron generaciones con su sonido y su influencia cultural. Entre los nuevos miembros destacan Bad Company, Chubby Checker, Joe Cocker, Cyndi Lauper, Outkast, Soundgarden y The White Stripes dentro de la categoría de intérpretes. Además, Salt-N-Pepa y Warren Zevon serán homenajeados por su impacto musical, mientras que Thom Bell, Nicky Hopkins y Carol Kaye recibirán el premio a la excelencia musical. El legendario productor Lenny Waronker será reconocido con el Premio Ahmet Ertegun, reservado para figuras clave detrás de la industria.

El escenario del Peacock Theater se llenará de talento con presentaciones y homenajes a cargo de Beck, Brandi Carlile, David Letterman, Doja Cat, Elton John, Flea, Iggy Pop, J.I.D, Killer Mike, Maxwell, Missy Elliott, Olivia Rodrigo, Questlove, RAYE, Sleepy Brown, Taylor Momsen, Teddy Swims y Twenty One Pilots. La lista de artistas invitados continuará creciendo en los próximos días, prometiendo una noche de colaboraciones únicas e inesperadas.

Como parte de la celebración, el Rock & Roll Hall of Fame Museum, ubicado en Cleveland, Ohio, inaugurará el 31 de octubre una exposición dedicada a los artistas inducidos en 2025. Los asistentes podrán ver objetos icónicos, como la letra manuscrita de “Time After Time” de Cyndi Lauper, los trajes de Meg y Jack White usados en la portada de “Icky Thump”, una Gibson Les Paul de 1979 que perteneció a Chris Cornell de Soundgarden, y el atuendo original de André 3000 del video “Hey Ya!” de Outkast.

La ceremonia promete ser un homenaje al espíritu que dio origen al rock & roll: una fusión de géneros, culturas y generaciones que sigue evolucionando con el tiempo. Desde su fundación, el Rock & Roll Hall of Fame ha buscado reconocer a los artistas que transforman la música y la cultura global, manteniendo viva la esencia de la creatividad y la libertad sonora.

Con Disney+ y Hulu como nuevos aliados de esta transmisión, el evento se proyecta a una audiencia global que podrá disfrutar del espectáculo desde cualquier lugar. Una noche donde la historia, la música y la emoción se mezclarán para celebrar a quienes han dejado huella en el sonido del mundo.