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La obra “Trino, en búsqueda de su poder interior” vuelve a la cartelera de la Ciudad de México con su quinta temporada en el Teatro Helénico, ubicado en el Centro Cultural Helénico. Las funciones se llevarán a cabo del 6 de septiembre al 19 de octubre de 2025, los sábados y domingos a las 13:00 horas, ofreciendo un total de 14 presentaciones que combinan fuerza, ternura y belleza escénica.

Creada por Paulina Soto Oliver e inspirada en su linaje familiar, la obra se ha consolidado como una de las propuestas más conmovedoras y sofisticadas del teatro familiar contemporáneo. 

La historia sigue a Trino, un niño marcado por las huellas de la viruela, en su viaje para reconciliarse con su apariencia y descubrir que su mayor poder reside en su corazón. La narrativa, cargada de simbolismo, se desarrolla a través de un lenguaje escénico que combina títeres de mesa y de sombra, música original en vivo, proyeccionesmultimedia y un diseño de escenografía e iluminación que refuerza la atmósfera poética del montaje.

La obra ha sido reconocida por su calidad artística, obteniendo tres nominaciones y un premio a Mejor Video Proyección en los Premios Metropolitanos de Teatro de la Ciudad de México, destacando su innovación en el uso de proyecciones y recursos multimedia para narrar la historia de Trino.

La dirección está a cargo del reconocido director Alberto Lomnitz, con títeres diseñados por Humberto Galicia. El elenco en escena incluye a Paulina Soto Oliver, Clarissa Malheiros y Sol Sánchez, con la colaboración alternada de Ángel Luna y Carlos López Tavera. 

El equipo creativo integra a Carolina Jiménez en escenografía e iluminación, Ricardo Lomnitz en música original, Héctor Cruz en diseño de videoproyección y Sabina Aldana en vestuario. La producción general corre a cargo de En Su Tinta Producciones y Omar Saavedra.

Las funciones de esta quinta temporada permitirán al público disfrutar de un montaje que combina elementos teatrales, visuales y musicales, ofreciendo una experiencia inmersiva que conecta con niños y adultos por igual. La obra destaca no solo por su narrativa, sino también por la forma en que aborda temas de identidad, aceptación y empoderamiento emocional, consolidándose como una referencia del teatro familiar en México.

Los boletos para las funciones están disponibles en la taquilla del Teatro Helénico. La temporada se perfila como una oportunidad única para acercarse a un montaje cargado de sensibilidad, creatividad y una poderosa propuesta estética que celebra el descubrimiento del poder interior de cada individuo.

Pelos de punta, garganta cerrada, corazón roto y ese sentimiento de belleza que solo se logra con la mezcla perfecta de música, historia y pasión. Así se vive La Bohème cuando la Filarmónica de las Artes decide ponerla en escena con todo y un equipo que lo da todo para que el público se sienta parte de ese París bohemio, intenso y frágil del siglo XIX.

Este agosto 2025, el Centro Universitario Cultural se convierte en el refugio de quienes creen que el arte todavía puede conmover hasta los huesos. La Bohème, esa joya de Puccini con libreto de Giacosa e Illica, llega con seis funciones que prometen más que una salida cultural: prometen una experiencia. Y sí, se siente todo. Porque cuando se trata de amor, enfermedad, sueños truncados y una pizca de esperanza, es imposible no conectar.

El elenco está conformado por voces que no se andan con rodeos: Jèssika Arévalo como Mimì y Rodrigo Petate como Rodolfo, con química suficiente para romperle el alma a cualquiera. Amed Liévanos, Angélica Alejandre, José M. Valenzuela, Alberto Albarrán y Gerson Millán completan el combo de talentos, mientras el Coro Metropolitano —dirigido por Ruth Escalona— aporta la energía y ternura de las voces infantiles.

Todo esto bajo la batuta del gran Enrique Patrón de Rueda en tres fechas (21, 23 y 24 de agosto), y de Enrique Abraham Vélez Godoy en las tres restantes (28, 30 y 31). Dos estilos de dirección, una sola emoción: la que te hace quedarte en silencio absoluto durante el último acorde. Boletos disponibles en filarmonicadelasartes.com

La dirección escénica corre por cuenta de Omar Olvera, con el respaldo del Coro de las Artes dirigido por Vladimir Rueda y la Compañía de Danza de las Artes, liderada por Morelia Villarino. Una sinergia de talentos que se siente viva en cada escena. Todo esto bajo la producción de DunkelArts y la propia Filarmónica de las Artes, con Diego Careaga y Abraham Vélez en la cabeza del proyecto.

La historia no envejece, porque el dolor y la belleza siguen doliendo igual. Esta versión de La Bohème se entrega como un espejo de todo lo que no se dice pero se siente. Como un abrazo frío, honesto, artístico. Como una canción que no olvidas. Como un momento que se queda contigo aunque no quieras.

El próximo 14 de agosto, las salas de cine se llenan de sombra, fuego y un romanticismo tan oscuro que corta el aliento. Drácula está por despertar, y no llega solo con colmillos y capas. Llega con un corazón roto, una historia de amor maldita y una vibra que mezcla tragedia, arte y furia como pocas veces se ha visto en pantalla.

Luc Besson, el mismo genio que dirigió El Quinto Elemento, León: El Profesional y DogMan, regresa con todo para entregar una nueva versión del vampiro más famoso de la historia. Esta vez, el monstruo no da miedo por lo que hace, sino por lo que siente. Un alma rota, un amor imposible y una decisión que lo convierte en inmortal. No hay héroes, solo heridas.

Inspirada en el clásico de Bram Stoker, la cinta no repite fórmulas. Lo que Besson hace es meterse bajo la piel del Príncipe Vlad, el hombre antes del monstruo. Lo lleva a un viaje visual y emocional que arranca en la desesperación y termina en la oscuridad eterna. “Un amor prohibido que trasciende siglos. Un alma rota que desafía la eternidad”. Así se presenta esta nueva versión que ya se perfila como una bomba emocional.

El elenco no se queda atrás: Caleb Landry Jones, ganador en Cannes y protagonista de DogMan, encarna a un Drácula desgarrador, mientras que Christoph Waltz —sí, el doble ganador del Óscar— le pone el peso justo a esta historia que no va de miedo… va de dolor, deseo y renuncia.

Filmada entre paisajes gélidos y brumosos de Finlandia, la película es visualmente hipnótica. A eso se suma una banda sonora de otro nivel, firmada por Danny Elfman, y una sensibilidad emocional inspirada directamente por la música de Billie Eilish, según ha confesado el propio Besson. Todo eso junto crea un torbellino sensorial que no se ve, se siente.

Esta no es una historia más de vampiros. No hay crucifijos ni estacas que la contengan. Es un retrato íntimo y poderoso del amor que arrasa, de la pérdida que descompone el alma, y de cómo se elige la oscuridad no por maldad, sino por desesperación.

Drácula, producción monumental de EuropaCorp y LBP Productions, con distribución de Zima Entertainment en México, está a un mes de volverse uno de los estrenos más comentados del año. Cuando caiga la noche del 14 de agosto, el cine no será solo entretenimiento: será un ritual.

Imagínate por un momento entrar a un teatro y toparte con un lugar donde las historias se cuentan con el corazón en la mano, donde el escenario se transforma en un rincón sagrado lleno de color, memoria y orgullo. Eso es justo lo que propone Benda’Muxe’ (Mi hermana muxe’), una obra que se presenta este 27 de junio a las 8 de la noche en el Teatro Helénico, como parte de la celebración del mes del Orgullo LGBTTTIQ+.

No es cualquier obra. Es una experiencia que mezcla cabaret, humor fino, mucho sentimiento y una mirada honesta a la vida de las muxes, ese tercer género zapoteca tan profundamente arraigado en la región del Istmo de Oaxaca. El montaje es dirigido y escrito por Cess Enríquez, quien junto a Luis Montalvo, se adentró en Santo Domingo Tehuantepec para escuchar de viva voz las historias reales de personas muxe. Con esas voces, tejieron esta obra única y entrañable.

Aquí no hay máscaras, ni estereotipos. Hay verdad. Hay dolor. Hay gozo. Y hay mucha risa, de esa que libera el pecho. El escenario se convierte en un tugurio mágico donde viven La Pascuala, Poca Luz, La tía Sonia y La Tortolita, personajes que, entre charla y anécdota, nos llevan por un viaje donde la muerte no es el final, sino un pretexto para reencontrarse con lo que uno fue y con lo que aún sueña ser.

La obra no busca complacer, sino mostrar. Mostrar lo que es vivir siendo muxe en un entorno donde la tradición y la identidad se mezclan con el rechazo y la ternura. Y al mismo tiempo, Benda’Muxe’ se vuelve un abrazo cálido para quienes siempre han vivido en la orilla, creando un espacio libre, amoroso, sin juicios, donde el teatro se vuelve trinchera, y la risa, escudo.

Y sí, solo hay una presentación. Así que si quieres ser parte de este homenaje a la diversidad, a la resistencia, y a la belleza de ser uno mismo sin pedir permiso, corre por tu boleto. Cuesta $205 y lo puedes conseguir en taquilla del Helénico o en su sitio web: helenico.gob.mx.

Una noche. Una historia. Un canto profundo a la identidad. No hace falta saber mucho de teatro o tradiciones, es solo ir con el corazón abierto.

¿Te imaginas que el amor de tu vida solo pudiera verte cuando alguien muere? Pues justo así arranca la historia de El Hilador, una obra de teatro que no es la típica historia de “fueron felices para siempre”, y que ahora está de regreso en el Teatro Helénico con toda la magia oscura, humor raro y ternura que la hizo ganarse el corazón de miles desde su estreno en 2018.

Esta puesta en escena, escrita y dirigida por Paula Zelaya Cervantes, tiene algo que atrapa desde el primer segundo: un mundo que parece salido de un cuento de hadas… pero con esteroides. No hay príncipes encantados, ni hadas madrinas que arreglan todo, sino una historia que mezcla la fantasía con referencias pop, chistes que sacan carcajadas de lo absurdas que son y una Muerte que no da miedo, pero sí da mucho de qué pensar.

La historia gira alrededor de Elena y Quirón. Ella, toda luz y brillo. Él, asistente personal de La Muerte. Su amor no es sencillo. Viven en un universo de fantasía donde sus encuentros solo pueden darse cuando alguien deja este mundo. Así que, cansados de vivir entre despedidas, deciden romper las reglas, huir del cuento en el que habitan y probar suerte en el mundo real. El problema: escaparse no es tan fácil cuando tu jefa es literalmente La Muerte.

Desde Canadá hasta México, la crítica se ha rendido ante esta obra que, con un lenguaje super cercano y guiños a autores como Shakespeare, Dante y los Hermanos Grimm, le da la vuelta a todo lo que creemos sobre el amor, el destino y los finales felices. Pero no esperes un drama triste ni una historia densa. Aquí todo está contado con humor negro, música, diálogos afilados y una escenografía que parece sacada de un libro ilustrado.

El Hilador regresa con funciones todos los lunes del 23 de junio al 29 de septiembre de 2025, a las 8 de la noche. El elenco lo integran Ana González Bello, Evan Regueira y Marcos Radosh, quienes ya han hecho llorar, reír y suspirar a más de 10 mil personas. Los boletos puedes conseguirlos directo en las taquillas del Centro Cultural Helénico o en línea en helenico.gob.mx.

El Hilador una obra que no solo se ve, se vive; y que deja claro que los cuentos, como la vida, también pueden estar llenos de caos, belleza y mucho amor torcido.

Hubo un momento en que el teatro dejó de ser solo un escenario y se convirtió en una trinchera. Me di cuenta de eso cuando conocí Gaspar y Violeta, una obra que se instala en el Centro Cultural Helénico para llevarnos de la mano por uno de los capítulos más oscuros de la historia latinoamericana: el golpe de Estado en Chile de 1973. Pero más allá del dolor, este montaje nos habla de algo todavía más poderoso: la resistencia a través del arte.

Desde el primer minuto, Gaspar y Violeta no se anda con rodeos. La historia está inspirada en la vida de Patricio Rivas, un joven líder del Movimiento de Izquierda Revolucionaria (MIR) que fue perseguido, torturado y exiliado tras la caída del gobierno de Salvador Allende. Pero aquí no solo se recrea su tragedia personal, sino que se hace eco de las muchas voces silenciadas en toda América Latina, las que aún siguen resonando en las calles, en los libros… y ahora también, sobre el escenario.

La obra, escrita y dirigida por Sergio López Vigueras, logra una conexión brutal entre el pasado y el presente. En la oscuridad de una celda de tortura, aparece Gaspar, atrapado entre los recuerdos y los delirios. Y junto a él, Violeta, una figura que se convierte en su faro, en símbolo del arte como tabla de salvación. Ella no solo representa una persona, sino toda una fuerza creadora que se niega a dejar que la violencia apague la luz de la memoria.

Pero no todo es solemnidad o lágrimas. Gaspar y Violeta sorprende con destellos de humor negro y momentos de farsa que alivian la tensión y despiertan una reflexión más aguda. Sin caer en lo obvio o moralizante, esta obra lanza una alerta: los autoritarismos siguen vivos, y recordar también es una forma de luchar.

El elenco, compuesto por Horacio Trujillo, Alberto Cerz, Nora Del Cueto, Daniela de los Ríos y Tony Corrales, se entrega con intensidad a esta travesía emocional. Todo esto bajo un diseño escénico y sonoro pensado al detalle: Carolina Jiménez en la escenografía, Jerildy Bosch en el vestuario, Isay Ramírez en el sonido y composición, Miriam Romero en el video, y Pepe Morales como asistente de dirección. Cada elemento suma para que la historia no solo se escuche, sino que se sienta.

Gaspar y Violeta estará en cartelera hasta el 10 de junio de 2025, todos los lunes y martes a las 20:00 hrs. en el Teatro Helénico.

Esta obra no se limita a contarte una historia: te empuja a mirar hacia atrás, a cuestionar el presente y a no olvidar que, incluso en las sombras más densas, el arte puede ser una chispa de vida.

Hace unos días me topé con una propuesta escénica que me dejó pensando, no solo por su estética sino por lo que logra transmitir sin necesidad de palabras duras ni discursos trillados. Se llama LILA, y es un espectáculo de circo contemporáneo que se presentará hasta el 22 de junio los sábados y domingos a la 13 hrs. en el Teatro Helénico, en la Ciudad de México.

A través de acrobacias, danza, clown y un juego visual que combina fuerza y poesía, cinco mujeres en escena nos invitan a mirar de frente lo que muchas veces preferimos ignorar: la violencia de género y la manera en que el sistema ha moldeado, limitado o agredido el concepto de lo que significa “ser mujer” en nuestro país.

LILA no necesita palabras para incomodar, para emocionar o para inspirar. Todo lo hace desde el cuerpo, desde lo físico, con movimientos suspendidos en el aire, con telas, trapecios, aros, mástiles… que más que elementos circenses, se convierten en símbolos de resistencia, de caída y de vuelo. Esta es una obra que pone el cuerpo al centro: como trinchera, como territorio de lucha, como espacio de belleza y también de contradicción.

Detrás de esta poderosa puesta en escena están Jessica González y Jorge Díaz, quienes dirigen la obra y, en el caso de Jorge, también es el autor del montaje. Lo que me parece aún más interesante es que la compañía Tránsito Cinco Artes Escénicas S.C., que produce esta pieza, no solo se dedica a crear espectáculos. También da cursos, forma artistas y se enfoca en acercar el arte escénico a públicos nuevos. Y eso, en estos tiempos, es casi un acto revolucionario.

El elenco está compuesto por artistas que no solo interpretan, también transforman el espacio con su presencia: Alejandra Palestina, Ali Salguero, Ixchel Salazar, Fernanda Palacios y Jessica González. Todo el equipo creativo se alinea para lograr un montaje limpio, poético, potente. Desde la iluminación a cargo de Edgar Mora, hasta el diseño de vestuario que también firma González. Todo está pensado con detalle, sin pretensiones, pero con una intención clara: sacudir desde el arte.

Además, antes de que inicie cada función, se realiza una dinámica con el público para conectar más profundamente con la temática. Este puente entre escena y espectador hace que la experiencia no sea solo de observación, sino de participación emocional.

En un país como el nuestro, donde tantas voces femeninas siguen silenciadas o desoídas, LILA no solo es una obra. Es una conversación urgente. Un salto sin red hacia una verdad que necesitamos mirar desde todos los ángulos, incluso desde las alturas.

Cuando escuché el título Anatomía de un suicidio, algo se detuvo dentro de mí. No era una frase cualquiera. Era una promesa de que lo que iba a ver, sentir y pensar no sería igual después. Y no me equivoqué. Esta obra escrita por Alice Birch, una de las voces más impactantes del teatro contemporáneo, llega por primera vez a México, y es un viaje profundo por la memoria, el dolor y los hilos invisibles que nos unen a quienes vinieron antes que nosotros.

Imagina tres mujeres: una madre, su hija y su nieta. Viven en épocas distintas, con conflictos diferentes,pero cargan el mismo peso: la historia que las atraviesa y las moldea. Cada una enfrenta su lucha con la vida, con la maternidad, con el deseo de ser libre… pero también con un legado emocional que no pidieron, pero que no pueden evitar.

Caroline, Ana e Ivonne no se conocen entre sí de forma directa en escena, pero están entrelazadas por algo más poderoso que el tiempo: la herencia emocional. ¿Alguna vez te has sentido atrapado por cosas que no entiendes del todo? ¿Reaccionado como tu madre, o tu abuela, sin darte cuenta? Esta obra no da respuestas fáciles, pero hace que te lo preguntes todo.

La puesta en escena dirigida por Cristian Magaloni no es una historia lineal. Todo ocurre al mismo tiempo. Las tres líneas de tiempo se cruzan en escena como si las vidas se tocaran en otra dimensión. Es un torbellino de palabras, emociones y silencios que se sobreponen como capas de recuerdos.

Lo más brutal —y bello— es cómo la obra repite una sola pregunta, como un eco eterno: ¿Eres feliz? Y cada vez que se escucha, duele distinto. Porque es una pregunta que parece sencilla… hasta que intentas responderla.

El elenco está conformado por artistas que no solo actúan, sino que te atraviesan: Fernanda Castillo, Paula Watson, Diana Sedano, Amanda Farrah, Montserrat Ángeles Peralta, y un poderoso grupo de actores que sostienen esta arquitectura emocional con fuerza y sensibilidad.

El diseño sonoro, la escenografía, la iluminación… todo está milimétricamente orquestado para no solo contar una historia, sino para que la sientas. Para que te duela. Para que te haga pensar en tus propias raíces.

Y sí, el tema central es la salud mental. No se esconde ni se disfraza. Es crudo, directo, pero con una sensibilidad que te hace abrazar a cada personaje, incluso cuando no sabes bien cómo ayudarle. Porque tal vez todos hemos sido alguna vez una de esas tres mujeres.

La obra se presenta del 16 de mayo al 22 de junio de 2025 en el Teatro Helénico, los viernes a las 19:00 hrs. y sábados y domingos a las 18:00 hrs.

Si alguna vez te has sentido parte de un ciclo que no comprendes, si te preguntas por qué a veces duele tanto existir… esta obra puede no darte una salida, pero sí una manera de mirar hacia adentro.

La diferencia como fuerza, la humanidad como belleza. “El hombre elefante”, la emblemática historia de Joseph Merrick, llega al Teatro Helénico con una visión renovada que conmueve y desafía. Esta versión, escrita y dirigida por Antoine Chalard, aterriza en la Ciudad de México tras cautivar a públicos de Francia, Líbano y otros escenarios nacionales. 

Del 31 de enero al 2 de marzo, los fines de semana se llenarán de emociones en una puesta en escena que transporta al Londres de 1884, donde el morbo por los “monstruos” era espectáculo cotidiano. En medio de este contexto, la historia de Merrick se eleva como un canto a la dignidad y a las riquezas ocultas tras lo que muchos temen o no entienden.

El montaje ofrece un enfoque revolucionario: tres niveles narrativos construyen una experiencia envolvente. En el proscenio, los actores conectan directamente con el público; al centro, la habitación de hospital de Merrick se convierte en el núcleo emocional de la trama; mientras que al fondo, un ciclorama traslúcido ofrece una proyección tridimensional que rompe las barreras entre escenario y asistentes.

La producción no deja ningún detalle al azar. Una banda sonora conmovedora guía las emociones de cada escena, mientras que la iluminación, el vestuario en blanco y negro y una escenografía minimalista crean un relato de aire filosófico y profundamente actual.

Chalard lo resume con contundencia: “Esta obra defiende el derecho a la diferencia y a la indiferencia. Habla de cómo una discapacidad puede encerrar riquezas inmensas y nos invita a reflexionar sobre qué significa realmente ser humano”.

El elenco está compuesto por talentos mexicanos y franceses: Gabriela Betancourt, Esperanza Penagos, Leopoldo Bernal, Florent Malburet y el propio Antoine Chalard. Detrás de escena, un equipo creativo internacional añade profundidad a esta poderosa experiencia teatral.

Las funciones serán los viernes a las 20:00, los sábados a las 19:00 y los domingos a las 18:00. Los boletos tienen un costo de $310, con una preventa del 30% de descuento válida hasta el 30 de enero. Adquiérelos en las taquillas del Helénico o en helenico.gob.mx.

No es solo teatro, es un homenaje a la diferencia. Una obra que promete resonar en el corazón de todos.