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La experiencia inmersiva Mystika Inmersivo presentó “Amor Propio”, una de las últimas creaciones del artista mexicano Pepe Soho, quien falleció el pasado 9 de octubre. La inauguración de esta pieza marcó un momento significativo dentro del legado creativo del autor, al tratarse de una obra concebida como un espacio de introspección yconexión interior, que ahora se integra al recorrido artístico del recinto ubicado en la capital mexicana.

El acto inaugural se llevó a cabo en las instalaciones del espacio inmersivo y fue encabezado por la conductora Mónica Noguera y el diseñador Ricardo Covalín, cofundador de Pineda Covalin, ambos cercanos al artista. La apertura se desarrolló como un homenaje simbólico que reunió a invitados y colaboradores, quienes participaron en una ceremonia diseñada para honrar la visión creativa de Soho.

Uno de los momentos centrales del evento fue la meditación guiada por Zohar, colaboradora cercana del creador y vozpresente en algunas de sus obras. Durante la actividad, los asistentes participaron en un ejercicio de introspección alineado con el concepto de la instalación, que propone un recorrido emocional enfocado en la conexión con uno mismo.

De acuerdo con Magdalia Martínez, productora de Mystika Inmersivo, la obra representa una de las expresiones más personales del artista. “Amor Propio se reveló como una de las obras más personales de Pepe Soho: una instalación inmersiva que invita a un encuentro profundo con uno mismo, confrontando la forma en que nos hablamos internamente y recordando la importancia de la compasión hacia nuestro propio ser”, señaló.

El espacio que alberga la obra se encuentra dentro de Torre Cuarzo, sobre Paseo de la Reforma, y forma parte de un recorrido que incluye nueve salas inmersivas, fotografía en gran formato, muro interactivo, música, animación, espejos infinitos y una cúpula de 360 grados, elementos que construyen una experiencia multisensorial inspirada en la naturaleza de México.

Como parte de la programación, Mystika Inmersivo también anunció una experiencia especial con motivo del equinoccio de primavera el 21 de marzo. La actividad incluirá un ritual guiado, meditación, movimiento somático, música en vivo y recorrido inmersivo, con el objetivo de generar un espacio de introspección y bienestar.

Con la apertura de “Amor Propio”, la obra se integra al conjunto final de creaciones de Pepe Soho, consolidando una propuesta que combina arte, tecnología y espiritualidad dentro del recorrido inmersivo.

La bailarina y coreógrafa española María Juncal regresará a México para presentar Flamenco Tour 2026 – Una mirada, un espectáculo que conjuga baile, música y voz desde una perspectiva íntima del flamenco contemporáneo. La función se llevará a cabo el sábado 21 de marzo a las 19:00 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con el respaldo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México. La presentación contará con la participación especial de la cantante y actriz Susana Zabaleta como artista invitada.

El espectáculo llega a la capital tras una gira por Centro y Sudamérica y se inscribe en una etapa de madurez artísticade Juncal, quien ha mantenido un vínculo constante con México a lo largo de su trayectoria. Una mirada se construye desde la introspección, la memoria y la emoción, y propone al flamenco como un lenguaje vivo que dialoga con el presente. “Hacia adentro miro y veo, hacia adelante miro y sueño; al pasado miro y recuerdo, al cielo miro y rezo…”,expresa la bailarina al referirse al concepto que articula la puesta en escena.

La propuesta escénica se apoya en la relación entre tradición y vanguardia, y plantea al flamenco como reflejo del ser humano y de su búsqueda permanente. “Así sucede en el escenario, como en la vida misma: una vida que es guitarra flamenca, que es la voz del cante y la expresión del baile”, comparte Juncal, heredera de la tradición de la familia Borrull, una de las más influyentes en la historia de este arte.

La producción está a cargo de Orly Beigel, Oscar Carnicero y Silvia Baro. La coreografía y el baile nacen de la inspiración de la propia Juncal, acompañada en escena por Kin Sánchez en la guitarra, Mali Clavera y Mario Díaz en el cante, y Héctor Aguilar en la percusión. El vestuario fue diseñado por Alejandro Ponce y María Juncal; la fotografía es de Nico Kremenchusky y el diseño gráfico de Mel Ortega. Sobre el escenario, la presencia de Susana Zabaleta suma una dimensión particular a la experiencia. “Cuatro músicos en directo y la invaluable participación de Susana Zabaleta… Su voz y su mirada abren la posibilidad de imaginar y habitar otros mundos”, subraya la bailarina.

El encuentro entre el baile flamenco y la voz de Zabaleta se concreta como un cruce de sensibilidades que se expresa a través del movimiento, la música y la palabra. Flamenco Tour 2026 – Una mirada se presentará en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, ubicado en Donceles 36, Centro Histórico. Los boletos están disponibles en la taquilla del teatro y en Ticketmaster, con precios que van de 500 a 1,200 pesos, según la localidad. La función está concebida como una experiencia escénica que reúne dos trayectorias consolidadas en un mismo escenario.

La plataforma Disney+ suma a su catálogo una nueva propuesta cinematográfica con el estreno de Ella McCay: Imperfectamente perfecta, la más reciente película escrita y dirigida por el reconocido cineasta James L. Brooks, ganador de los premios Oscar® y Emmy®. El filme, producido por 20th Century Studios, estará disponible a partir del 5 de febrero y marca el regreso de Brooks a la escritura de una historia original tras una extensa trayectoria como productor y creador de contenidos emblemáticos.

La cinta presenta un retrato íntimo de la vida familiar de Ella McCay, explorando sus momentos más desafiantes y también los más cómicos. La narrativa se construye a partir de situaciones cotidianas atravesadas por vínculos complejos, heridas del pasado y la necesidad de encontrar un sentido de pertenencia. El relato se mueve entre el drama humano y giros de humor inesperados, delineando una historia que avanza hacia un desenlace emocionalmente significativo.

James L. Brooks desarrolló el proyecto con la intención de reconectar con una tradición cinematográfica clásica. “Mi objetivo con esta película era rendir homenaje, en la medida de lo posible, a la edad de oro de la comedia cinematográfica, los años 40 y 50… El reto fue mantener el mismo espíritu alocado de aquella época, sin dejar de tomar en serio los inevitables sobresaltos, dolores y dificultades de ser humano”, explica el director. Desde esa premisa, el guion aborda los traumas de la infancia y su impacto a largo plazo, integrándolos en una historia que pone el foco en el afecto y la construcción de la familia.

Ella McCay: Imperfectamente perfecta propone un recorrido emocional donde el humor convive con la introspección. La película subraya la importancia de reconocer el amor en sus distintas formas y de crear lazos significativos incluso en contextos complejos. En palabras que resumen el espíritu del filme, la historia conduce a una revelación central: “no hay una palabra opuesta a trauma, pero la esperanza se le acerca”. Con este estreno exclusivo, Disney+ ofrece una producción que conecta el legado creativo de Brooks con una mirada contemporánea sobre la familia, la memoria y la resiliencia.

La figura de Bruce Springsteen y uno de los momentos más decisivos de su carrera musical llegan a la pantalla con Springsteen: Música de ninguna parte, película nominada a los Golden Globes® que se estrena el 23 de enero de forma exclusiva en Disney+. La producción pone el foco en el proceso creativo detrás del álbum Nebraska (1982), una obra clave en la trayectoria del músico estadounidense y un punto de quiebre en su identidad artística.

La cinta, producida por 20th Century Studios, se sitúa en una etapa temprana de la carrera de Springsteen, cuando el éxito comenzaba a ejercer una presión constante sobre sus decisiones creativas. El relato aborda temas como la ambición, la introspección y la necesidad de reencontrarse consigo mismo. La historia se construye alrededor de un joven artista que enfrenta el peso del silencio y la soledad, en un contexto donde “el silencio se vuelve un poco ruidoso”, una frase que sintetiza el tono emocional del filme.

El actor Jeremy Allen White da vida a Bruce Springsteen en una interpretación que ha sido reconocida por la crítica como “cautivadora”. White no solo encarna al músico desde lo interpretativo, sino que también canta y toca la guitarra de manera auténtica, aportando una dimensión realista al retrato del artista. Su trabajo le valió una nominación a los Golden Globes® como mejor actor en una película dramática.

La narrativa se adentra en la creación de Nebraska, un álbum grabado en una sencilla grabadora de cuatro pistas en la habitación de Springsteen, en Nueva Jersey. Este disco, de sonido acústico y atmósfera sombría, marcó un antes y un después en su carrera y se consolidó como una de sus obras más influyentes. Las canciones retratan personajes solitarios y cargados de conflictos internos, reflejo de un momento personal y artístico de profunda introspección.

Además del estreno de Springsteen: Música de ninguna parte, Disney+ ofrece otros contenidos relacionados con el músico, como Bruce Springsteen: Nebraska Live y el documental Road Diary: Bruce Springsteen And The Street Band. Con esta propuesta, la plataforma amplía el acceso a materiales que permiten comprender la evolución creativa y emocional de una de las figuras más influyentes de la música contemporánea.

El calendario cinematográfico de 2026 abre con una historia ambientada en Japón que combina introspección, actuacióny un retrato social poco explorado en el cine occidental. Familia en renta, producción de Searchlight Pictures, estrena exclusivamente en salas de cine este jueves 8 de enero y está protagonizada por Brendan Fraser, actor ganador del premio Oscar®, quien encabeza el elenco en un proyecto filmado íntegramente en territorio japonés.

La película se desarrolla en Tokio, donde Fraser interpreta a Phillip, un actor estadounidense que reside en la capital japonesa. En la trama, el personaje es contratado por una agencia de “familias de alquiler”, un negocio ampliamente difundido en Japón que ofrece actores para ocupar roles sustitutos en la vida cotidiana de personas que, por diversas razones, requieren la presencia temporal de un padre, un hijo, un amigo o un acompañante. Desde ese punto de partida, la historia construye un relato centrado en los vínculos humanos, la identidad y el sentido de pertenencia.

El proyecto fue dirigido por HIKARI, cuya visión artística motivó a Fraser a aceptar el papel, aun sabiendo que implicaría adentrarse en una cultura que no le era familiar. Para alcanzar una interpretación auténtica, el actor emprendió un proceso de inmersión cultural profundo, previo y durante el rodaje, con el objetivo de comprender las prácticas, los valores y la vida cotidiana del entorno que retrata la película.

Uno de los ejes centrales de esa preparación fue el idioma japonés. Aunque el personaje no es completamente fluido, Phillip lleva años viviendo en Tokio, lo que exigía una comunicación natural. Meses antes del inicio de filmación, Fraser comenzó a estudiar japonés con un tutor y traductor, y durante el rodaje continuó su entrenamiento con la coach de diálogo Eriko Yamaguchi. “Brendan quería saber el significado de cada cosa que decía. Una vez que asimiló todo eso, sabía exactamente lo que estaba diciendo, y eso le ayudó a interpretar sus líneas”, explicó Yamaguchi. Por su parte, HIKARI señaló que el actor inició el proyecto sabiendo decir únicamente “arigato” y que al final hablaba el idioma con una fluidez sorprendente.

Semanas antes de filmar, Fraser se instaló en Tokio para integrarse a la vida local. Caminó por la ciudad, comió en restaurantes, conversó en japonés con desconocidos y observó con atención la dinámica urbana. Entre los aspectos que más lo impactaron estuvo la autonomía de los niños japoneses y el fuerte sentido comunitario. “Hay una comprensión inherente de que educar a los niños es responsabilidad de todos”, declaró el actor.

La experiencia también se reflejó en el set, conformado mayoritariamente por un equipo japonés, lo que permitió un intercambio creativo fluido. Además, Fraser compartió escena con Akira Emoto, figura emblemática del cine japonés, quien interpreta a un actor veterano que comienza a perder la memoria. Sobre su colega, Fraser afirmó: “Creo que es un testimonio de profesionalismo y humildad… representa la esencia de Japón”.

Familia en renta llega a los cines el 8 de enero, presentando una mirada íntima y culturalmente arraigada sobre la actuación, la comunidad y las formas contemporáneas de familia en Japón.