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Durante un cuarto de siglo, el compositor mexicano Rodrigo Castillo Filomarino ha tejido una historia sonora que acompaña, impulsa y enriquece las artes escénicas en México. Su trayectoria, iniciada en 1999 con la Compañía Nacional de Teatro, llega a un punto culminante con la presentación de una producción fonográfica que reúne lo mejor de su trabajo entre 2002 y 2024.

Este proyecto, respaldado por el Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales de la Secretaría de Cultura, marca no solo una celebración personal, sino un reconocimiento a la importancia de la música como elemento esencial dentro del teatro y la danza.

La presentación oficial tendrá lugar el 24 de octubre a las 19:00 horas en el Pabellón Jardín Escénico, con acceso gratuito. El evento reunirá a figuras del ámbito escénico y musical, además de una mesa redonda moderada por especialistas del medio. La cita promete convertirse en un recorrido sonoro que encapsula 25 años de evolución artística y una mirada al desarrollo de la composición para las artes escénicas en México.

Para construir esta antología, Castillo Filomarino emprendió una revisión exhaustiva de su archivo personal, compuesto por más de 700 pistas y 100 obras destinadas al teatro, la danza y proyectos audiovisuales. De ese universo creativo seleccionó las piezas que mejor representan su crecimiento como compositor y la transformación de su lenguaje musical. Cada tema elegido revela etapas, búsquedas y aprendizajes acumulados a lo largo del tiempo, conformando una memoria viva de su proceso artístico.

La producción fue realizada con músicos profesionales en un estudio de alta calidad, superando las limitaciones económicas que históricamente enfrentan las producciones musicales en las artes escénicas. Este esfuerzo se traduce en una apuesta por dignificar la música escénica, un área frecuentemente relegada frente a otros rubros de la producción teatral, como la escenografía o el vestuario.

Más allá de ser un homenaje personal, el proyecto se convierte en un legado colectivo. Las partituras digitales de las obras estarán disponibles de forma gratuita para coreógrafos, directores, estudiantes e investigadores, mientras que las grabaciones podrán escucharse en Spotify, Apple Music y SoundCloud. Asimismo, serán transmitidas por emisoras culturales como Radio UNAM, Radio Educación y Opus 94, ampliando su alcance hacia nuevas audiencias y fortaleciendo la presencia de la música escénica en el panorama cultural nacional.

Inspirado en antologías históricas como la dedicada a Luis Rivero por Rodolfo Sánchez Alvarado, el trabajo de Castillo Filomarino extiende el registro sonoro al siglo XXI, integrando una nueva generación de obras que documentan la evolución del teatro y la danza contemporáneos. En conjunto, esta producción no solo sintetiza la voz de un compositor, sino que también preserva un fragmento vital del patrimonio cultural mexicano, reafirmando la música como un lenguaje indispensable dentro de las artes escénicas.

La noche del 24 de octubre se perfila así como un punto de encuentro entre pasado y presente, entre creación y memoria. Rodrigo Castillo Filomarino celebra 25 años de trayectoria con una antología que trasciende los escenarios para convertirse en un testimonio vivo de la identidad sonora del teatro y la danza en México.

Desde el corazón de Coyoacán llega una propuesta escénica que convierte el duelo en arte y la muerte en un motivo para celebrar. Mictlán, una producción de la compañía Cielo Azul Circo, se presentará en el Foro Coyoacanense Hugo Argüelles del 31 de octubre al 9 de noviembre, con funciones dobles a las 18:00 y 20:00 horas.

Este espectáculo de gran formato une el circo contemporáneo, la danza, el teatro y la música mexicanaen vivo para narrar un viaje simbólico al inframundo, inspirado en la cosmovisión náhuatl.

La historia se desarrolla a partir de Sara, una acróbata que pierde la vida durante una actuación y emprende, desde su propio funeral, una travesía hacia el Mictlán, el mítico mundo de los muertos. A través de su recorrido, el público acompaña a la protagonista en un proceso de descubrimiento y aceptación, donde la muerte se revela no como un final, sino como una transformación.

El espectáculo toma como base la investigación de fuentes históricas como el Códice Florentino y la Historia general de las cosas de la Nueva España, de Fray Bernardino de Sahagún, que describen la visión del pueblo náhuatl sobre la muerte como una transición natural y sagrada. Bajo esta inspiración, la obra propone una reflexión contemporánea sobre la pérdida, la memoria y la continuidad del espíritu.

El origen de Mictlán se remonta al duelo colectivo que marcó a la sociedad durante la pandemia de 2020. A partir de ese contexto, la compañía Cielo Azul Circo decidió crear una puesta en escena que funcionara como un espacio de sanación emocional, donde el arte circense se transforma en un lenguaje capaz de dignificar el dolor y reconectar al público con el sentido ritual de la vida y la muerte.

La pieza combina disciplinas como el malabarismo, la contorsión, la danza aérea y la acrobacia, utilizando el cuerpo como vehículo expresivo de emociones profundas. Cada número se integra con una banda sonora ejecutada en vivo, que mezcla instrumentos tradicionales mexicanos con arreglos contemporáneos, reforzando la conexión entre lo ancestral y lo actual. La escenografía, la iluminación y el movimiento generan un ambiente inmersivo que traslada al espectador al universo místico del inframundo prehispánico.

Más que un espectáculo, Mictlán se presenta como una ceremonia escénica que honra a los que ya partieron, recuperando el sentido espiritual que las culturas originarias daban a la muerte. Su mensaje central es claro: los recuerdos y el amor no desaparecen, sino que permanecen como huellas vivas que nos acompañan. En cada acrobacia, acorde y respiración, esta obra invita a reconciliarse con la idea del final como parte de un ciclo continuo, donde la memoria y la celebración conviven en equilibrio.

En pleno mes de Día de Muertos, Mictlán llega para ofrecer una experiencia artística que une tradición, movimiento y emoción, recordando que incluso en el adiós, la vida sigue danzando.

En la penumbra del teatro, una sombra blanca se mueve como si flotara. Es el Pulpo Fantasma, criatura misteriosa que no viene sola: trae consigo un mar entero, hecho de danza, proyecciones y música que laten como olas. Todo se mezcla en una experiencia que acaricia los sentidos y siembra una semilla de conciencia sobre el planeta azul.

Bajo la dirección de Patricia Marín, esta puesta en escena abre un portal hacia las profundidades marinas. Las familias entran a un espacio que vibra con colores líquidos, texturas ondulantes y sonidos que parecen salir de una concha gigante. No es solo un espectáculo, es una invitación a sumergirse y mirar de cerca un ecosistema que palpita y, al mismo tiempo, pide auxilio.

El viaje parte de una especie real: el pulpo fantasma, apenas reconocido como habitante de los mares mexicanos. Inspirada en su rareza y en la urgencia de cuidar el océano, la historia lo sigue junto al cuidador, un símbolo de esperanza que se enfrenta a enemigos invisibles como la contaminación y laexplotación. La narrativa fluye con el lenguaje del movimiento, el brillo de las imágenes y un guion que, sin ser palabra hablada, lo dice todo.

La propuesta visual, creada por Ghiju Díaz de León, envuelve al público en una ilusión marina: escenarios hiperrealistas ilustrados, proyectados en cuatro lienzos que rodean la escena y se sincronizan con la coreografía gracias al videomapping. El efecto es estar en el fondo del mar, viendo cómo cada criatura y corriente se mueve con vida propia.

En paralelo, la música de Rogelio Marín pinta el ambiente sonoro con texturas de las profundidades, ritmos bailables y sonidos ambientales que hacen eco de ballenas lejanas, burbujas y corrientes. Todo en un balance exacto para no robar protagonismo a la danza ni a las imágenes, sino para impulsarlas.

La obra nace de una colaboración entre AM Producciones, Danza Visual, Mar… es de México y Fundación Santa Lucía, A.C., con el respaldo de Culturalmente Responsable y el Estímulo Fiscal EFIARTES. Más que un montaje, es un gesto de arte como herramienta para cuidar el mar y para que las infancias vean, sientan y comprendan el valor de lo que hay bajo las olas.

El Teatro de las Artes del CENART abrirá sus puertas el 16 y 17 de agosto de 2025, con funciones a las 12:00 y 14:00 horas. Boletos a $150, disponibles en taquillas y en cenart.gob.mx.

En escena, cada movimiento, cada luz y cada nota son una gota que se suma a la marea de quienes quieren un océano vivo.

La noche del 5 de septiembre, el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris se convertirá en un pasadizo hacia otro plano. Entre acrobacias suspendidas, poesía que se desliza como susurro, música que envuelve y proyecciones que parecen respirarte encima, El tejido de los sueños volverá a desplegar su magia para una sola función.

La compañía Teatro Estelar, junto con Teatro Gravitacional, trae de regreso este viaje inmersivo que ya atrapó a más de 7,000 espectadores en la CDMX y Torreón durante 2024. Ahora, la cita promete una experiencia que vibra con la energía inquietante y mágica de Remedios Varo, la pintora surrealista que convirtió el exilio, la libertad y la imaginación en su propio universo visual.

En escena, La Novicia borda el manto terrestre… hasta que un gato de otra dimensión roba un hilo. Desde ese instante, arranca una travesía que mezcla lo terrenal y lo cósmico, con guiños al exilio de Varo desde España y su florecimiento artístico en México. Entre símbolos, paisajes imposibles y criaturas que podrían vivir en un sueño, se cuelan temas tan actuales como la intolerancia, la guerra y el racismo.

La dirección y dramaturgia de Ana Sofía Vázquez transforma el escenario en una galería viva: 16 escenasinspiradas en pinturas y atmósferas de Varo, interpretadas por un elenco de 10 artistas que no se limitan al teatro. Claudia Balam, Daniela Figueroa, José Ruíz, Laura Vargas, María Camargo, Miriam Molina, Inés Gómez, Vanessa Gil, Alejandro Soria e Yseye Appleton se mueven entre danza, teatro físico, poesía, música y disciplinas aéreas que convierten el aire en otro piso de la obra.

El espacio se expande con contorsiones imposibles, equilibrios que desafían la lógica, rueda Cyr y malabares, mientras aparatos aéreos diseñados especialmente recrean fragmentos del mundo de Varo. Incluso hay casas rodantes artesanales, firmadas por Humberto Galicia, que parecen escapadas de un lienzo onírico.

La música original de María Camargo pulsa en cada escena, marcando el ritmo emocional. Las proyecciones de Héctor Cruz y la iluminación de Heidi Lamadrid se combinan para esculpir atmósferas que respiran en cada cuadro, mientras los vestuarios diseñados por Sergio Mirón visten a los personajes con la esencia etérea de la artista.

Más que un montaje, es un homenaje a una mujer que transformó la injusticia de su época en mundos fantásticos y libres. En este viaje, todo ser tiene un lugar y toda imagen cuenta algo.

Durará 1 hora con 45 minutos, está recomendada para mayores de 9 años y las entradas ya están disponibles en Ticketmaster y en las taquillas del recinto.

Esa noche, el teatro dejará de ser teatro… y se volverá sueño.

Prepárense, porque este verano el Foro La Gruta va a latir al ritmo del tango, con una propuesta escénica que combina fuerza, sensibilidad y mucha, mucha intensidad. Se trata de Detrás de mí, de mujeres y tangos, una obra de danza-teatro que va directo a lo más profundo de lo femenino, de esas emociones que no siempre se dicen, pero que se sienten en cada fibra del cuerpo. La temporada arranca el 25 de junio y estará hasta el 24 de julio de 2025, todos los miércoles y jueves a las 8 de la noche.

Esta pieza tiene el sello de Valeria Vega Solórzano, que además de ser la creadora, también se sube al escenario a interpretarla, acompañada por el bailarín Jacob Morales. La coreografía corre a cargo de Elisa Rodríguez y juntas proponen una fusión donde el tango no solo se baila, se respira y se transforma en una especie de confesión sin palabras. Es un espectáculo que mezcla danza, teatro físico y música, todo envuelto en una atmósfera que te atrapa desde el primer paso.

La obra está inspirada en mujeres icónicas de la literatura, personajes intensos como Yerma, Carmen, Julieta y Lady Macbeth, que aunque vienen de mundos diferentes, se conectan a través de emociones universales: el deseo, la ambición, el amor, la pérdida… y todo eso lo vemos reflejado en escena a través del movimiento. No es que se cuenten sus historias tal cual, sino que sus esencias habitan un personaje que podría ser cualquiera, o más bien, todas a la vez.

Cada compás de tango en esta puesta en escena no es solo música: es memoria, es grito contenido, es una emoción que se cuela en los huesos. La propuesta va más allá de lo individual; es un espejo de muchas experiencias compartidas. Desde esa idea de que dentro de cada mujer hay muchas otras, la obra construye una narrativa que no necesita palabras para decirlo todo.

El equipo creativo también se luce: César “Chacho” Guerra se encarga de la iluminación, Eduardo González compuso la música original con arreglos de Javier Noyola, el vestuario lo firma Ricardo García Luna, y el coaching de tango estuvo a cargo de Christian Sánchez.

Los boletos ya están a la venta y cuestan $250, se consiguen en las taquillas del Centro Cultural Helénico o en la página: www.helenico.gob.mx.

Nunca imaginé que un espectáculo de ballet pudiera hacerme soñar despierta… hasta que descubrí AlebriSueños & Minkus Gala, una experiencia que va más allá de los escenarios y nos lleva a un mundo donde los sueños, la historia, el arte mexicano y la libertad de ser se entrelazan en una danza espectacular.

La función arranca con AlebriSueños, una propuesta que parece sacada directamente del corazón de México. Inspirada en los famosos alebrijes y en su creador, Pedro Linares, esta parte del espectáculo convierte las pesadillas en arte vivo. Es como si cada criatura multicolor bajara de una pintura para moverse entre luces, música original y vestuarios diseñados con el toque de Pineda Covalín, una firma que sabe cómo vestir la tradición con modernidad. Lo que ves en escena no es solo danza, es un homenaje visual y emocional a nuestra identidad.

Pero justo cuando crees que ya lo has visto todo, llega el segundo acto: Minkus Gala, una joya completamente distinta. Aquí, la danza clásica toma un giro audaz y refrescante. En lugar del típico ballet, nos encontramos con un elenco de bailarines hombres en zapatillas de punta, interpretando tanto papeles femeninos como masculinos con un estilo que mezcla técnica, comedia y muchísima actitud. No es solo talento; es una declaración de arte libre, sin moldes, donde la masculinidad se expresa con puntas, gracia y fuerza.

La magia detrás de este doble espectáculo viene de la mente y el corazón de Víctor Treviño y Tonatiuh Gómez, este último además es el primer bailarín del San Diego Ballet y fundador de Males on Pointe, la compañía que lidera este proyecto junto con el neoyorquino Ballet EloElle. Lo que están logrando juntos es histórico: por primera vez en América Latina, se presenta un espectáculo con un elenco masculino completo bailando en puntas, y lo hacen con una calidad artística que deja sin palabras.

El talento sobre el escenario no se queda corto. Entre los protagonistas destacan Tonatiuh Gómez, Iván Félix y Jonathan Méndez, quienes encarnan con maestría todos esos personajes fantásticos, desde doncellas hasta piratas, pasando por criaturas salidas del inconsciente. Junto a ellos, un equipo creativo de primera: desde Eloise Kazan en el vestuario hasta Dennise Gómez y Gemma Esquivel en la escenografía digital, logran un espectáculo que combina lo artesanal con lo futurista.

La gira inicia el 6 de junio en Cuernavaca, y sigue por Tijuana, Guadalajara y la Ciudad de México. Si tienen la oportunidad de ver AlebriSueños & Minkus Gala, no lo piensen dos veces. Es arte mexicano, es danza internacional, es un espectáculo que nos recuerda que los sueños, como los alebrijes, pueden tomar cualquier forma… incluso la de unos bailarines en puntas transformando el mundo un escenario a la vez.

Hace unos días me topé con una propuesta escénica que me dejó pensando, no solo por su estética sino por lo que logra transmitir sin necesidad de palabras duras ni discursos trillados. Se llama LILA, y es un espectáculo de circo contemporáneo que se presentará hasta el 22 de junio los sábados y domingos a la 13 hrs. en el Teatro Helénico, en la Ciudad de México.

A través de acrobacias, danza, clown y un juego visual que combina fuerza y poesía, cinco mujeres en escena nos invitan a mirar de frente lo que muchas veces preferimos ignorar: la violencia de género y la manera en que el sistema ha moldeado, limitado o agredido el concepto de lo que significa “ser mujer” en nuestro país.

LILA no necesita palabras para incomodar, para emocionar o para inspirar. Todo lo hace desde el cuerpo, desde lo físico, con movimientos suspendidos en el aire, con telas, trapecios, aros, mástiles… que más que elementos circenses, se convierten en símbolos de resistencia, de caída y de vuelo. Esta es una obra que pone el cuerpo al centro: como trinchera, como territorio de lucha, como espacio de belleza y también de contradicción.

Detrás de esta poderosa puesta en escena están Jessica González y Jorge Díaz, quienes dirigen la obra y, en el caso de Jorge, también es el autor del montaje. Lo que me parece aún más interesante es que la compañía Tránsito Cinco Artes Escénicas S.C., que produce esta pieza, no solo se dedica a crear espectáculos. También da cursos, forma artistas y se enfoca en acercar el arte escénico a públicos nuevos. Y eso, en estos tiempos, es casi un acto revolucionario.

El elenco está compuesto por artistas que no solo interpretan, también transforman el espacio con su presencia: Alejandra Palestina, Ali Salguero, Ixchel Salazar, Fernanda Palacios y Jessica González. Todo el equipo creativo se alinea para lograr un montaje limpio, poético, potente. Desde la iluminación a cargo de Edgar Mora, hasta el diseño de vestuario que también firma González. Todo está pensado con detalle, sin pretensiones, pero con una intención clara: sacudir desde el arte.

Además, antes de que inicie cada función, se realiza una dinámica con el público para conectar más profundamente con la temática. Este puente entre escena y espectador hace que la experiencia no sea solo de observación, sino de participación emocional.

En un país como el nuestro, donde tantas voces femeninas siguen silenciadas o desoídas, LILA no solo es una obra. Es una conversación urgente. Un salto sin red hacia una verdad que necesitamos mirar desde todos los ángulos, incluso desde las alturas.

Entre la pintura, la danza y la evocación, Pérdida de la Memoria se abre paso como una experiencia escénica que explora la fragilidad del recuerdo y la belleza del olvido. Concebida por Bárbara Alvarado, esta obra trasciende lo teatral para convertirse en un acto de presencia, donde el cuerpo, el color y la nostalgia se conjugan en un lenguaje propio. Del 8 al 11 de mayo de 2025, el Teatro Benito Juárez será el espacio donde esta historia íntima se vuelva a contar, cada vez como si fuera la primera.

La pieza nació como parte del proyecto Sueños para cruzar el puente que no explotó, respaldado por el Sistema Nacional de Creadores de Arte entre 2019 y 2022. Su primera aparición pública fue en el Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro, en plena pandemia, bajo un formato inmersivo y con la ciudad como espectadora involuntaria. Desde entonces, su fuerza reside en esa capacidad de hacer de cada función una exposición viva, que se desdobla entre lo escénico y lo museográfico.

En el corazón de la obra habita una mujer pintora con Alzheimer y su compañero de vida. Ella renace en una tina que es también un ritual de memoria. Él la llama desde sus pinturas, intentando retener en el lienzo lo que en la mente comienza a desvanecerse. Lo que sucede en escena no es una representación tradicional, sino un acto poético que ubica al espectador en un lugar privilegiado: el de testigo silencioso de un vínculo que se resiste a desaparecer.

La propuesta está atravesada por referencias a Fanny Rabel y Rosario Castellanos, y se alimenta de atmósferas sonoras que van desde boleros hasta Chopin, sin dejar de lado las composiciones originales que acompañan la narrativa sensorial. La voz de Jaime Sabines, junto a intervenciones sonoras de Ximena Cuevas, Gerardo Tovar y la propia Alvarado, sostienen un relato que, aunque mínimo en palabras, es enorme en significados.

Víctor García Lavariega comparte escena con Alvarado, en una coreografía emocional dirigida con precisión desde la iluminación de Alfred Pérez hasta la escenografía ideada por Aletheia Cuerpo Escénico.El vestuario de Valeria Montero y la obra plástica de Ticha González complementan una estética que remite a los objetos que se quedan cuando los recuerdos se van. 

Pérdida de la Memoria no se trata solo de una historia sobre el Alzheimer; es una meditación visual sobre la permanencia del afecto, incluso cuando el tiempo se vuelve difuso. Una obra que no se cuenta, se siente. Una vivencia artística para quien quiera mirar el olvido desde el amor y no desde la pérdida.