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Una nueva propuesta escénica llega al Teatro El Granero Xavier Rojas, dentro del Centro Cultural del Bosque, con una mirada centrada en uno de los episodios más revisados de la literatura anglófona del siglo XX. Se trata de Las agujas dementes, obra escrita por Jorge Volpi, que será presentada en una temporada organizada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y la Coordinación Nacional de Teatro, en colaboración con Cacumen Producciones.

Bajo la dirección de Benjamín Cann, el montaje reúne en escena a Paulina Treviño, Tizoc Arroyo, Ximena Romo Mercado y Misha Arias de la Cantolla. La obra construye su narrativa a partir de las relaciones personales y creativas entre dos parejas de escritores: Sylvia Plath y Ted Hughes, junto con David y Assia Wevill. La llegada de este último matrimonio a la vida de los Hughes marca un punto de quiebre en la estabilidad del hogar, detonando una serie de tensiones que se desarrollan en el ámbito íntimo.

La historia se sitúa en la década de los sesenta y articula su desarrollo desde las voces de dos mujeres, Sylvia y Assia, quienes reconstruyen los hechos desde una dimensión que trasciende lo lineal. En ese proceso, se entrelazan experiencias atravesadas por condiciones sociales y de género propias de su tiempo, así como por una carga emocional que define el destino de ambas.

El director Benjamín Cann explica: “Las agujas dementes dramatiza la compleja relación entre Sylvia Plath, Ted Hughes, Assia y David Wevill. Ambientada en los años sesenta, la obra se articula en torno a una pregunta central: ¿qué ocurre cuando el amor y la poesía no bastan para salvar la vida? De este modo, revela la fuerza y la vulnerabilidad de dos mujeres geniales unidas por un mismo destino”.

La estructura del texto plantea un juego fragmentado del tiempo, donde los recuerdos y las voces femeninas adquieren un papel central en la reconstrucción de los acontecimientos. Este enfoque permite exponer la fragilidad de las relaciones humanas y los conflictos que emergen en contextos marcados por el deseo, el poder y las dinámicas afectivas.

El equipo creativo suma a Matías Gorlero en escenografía e iluminación, Estela Fagoaga en vestuario y Federico Schmucler en música original y diseño sonoro. La producción general está a cargo de Cacumen Producciones, encabezada por Tizoc Arroyo, con producción ejecutiva de Anabel Caballero y la dirección residente de Miguel Santa Rita.

La temporada se desarrollará del 28 de marzo al 24 de mayo, con funciones jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas. El calendario contempla suspensión de funciones los días 2 y 3 de abril, así como el 1 de mayo.

A más de dos décadas de la muerte del dramaturgo Carlos Olmos, su obra El eclipse regresa a los escenarios con una nueva temporada que se instalará en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico. Esta puesta en escena, dirigida por Gina Botello y adaptada por Jimena Eme Vázquez, retoma el universo dramático del autor para situarlo en un entorno marcado por el paisaje y la identidad cultural de Chiapas.

La historia se desarrolla en una playa de ese estado del sur del país, donde una familia se reúne en un restaurante. La convivencia entre sus integrantes, pertenecientes a distintas generaciones, se ve atravesada por tensiones que escalan conforme se aproxima y ocurre un fenómeno astronómico. Este evento natural funciona como detonante de conflictos que revelan fracturas internas y dinámicas complejas entre los personajes.

El montaje es presentado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con Caracola Producciones y Teatro UNAM. La propuesta escénica mantiene la esencia del texto original, escrito a inicios de los años noventa, y expone problemáticas que continúan presentes en la sociedad mexicana. Entre ellas destacan los cuestionamientos en torno a los roles de género, las construcciones de la masculinidad y la falta de reconocimiento de identidades homosexuales. A estos temas se suman elementos como la desigualdad social, la corrupción, el centralismo y los efectos de la gentrificación turística.

La dirección apuesta por un lenguaje visual que complementa el realismo del texto. Gina Botello explica que la obra integra recursos como títeres de sombras, teatro de papel, objetos, marionetas de manipulación directa y herramientas multimedia. Estos elementos permiten proyectar los estados emocionales de los personajes, desde recuerdos hasta deseos y temores, mediante imágenes simbólicas que construyen una atmósfera contrastante entre lo fantástico y lo cotidiano.

El elenco está conformado por Gabriela Núñez, Carolina Contreras Valadez, Sol Sánchez y Renée Sabina, junto a Alejandro Romero y Luis Javier Morales. El equipo creativo incluye a Isabel Yáñez en la producción ejecutiva, Juliana Faesler en iluminación, Karla Bleu en escenografía, María Fernanda Galván y Daniela Villaseñor en diseño de objetos escénicos, Joel Cárcamo en multimedia y fotografía, y Anabel Ortega en vestuario.

Esta adaptación surgió en el marco de la Residencia Expuesta 2023 de Teatro UNAM y ha acumulado tres temporadas, además de diversas nominaciones. En 2024 fue considerada para el Premio Talía como Mejor espectáculo latinoamericano y también para los Premios ACPT en categorías como Obra del año, Dirección de escena y Diseño de escenografía.

Las funciones se llevarán a cabo del 24 de marzo al 9 de abril de 2026, de martes a jueves a las 20:00 horas. Los boletos tienen un costo de 323 pesos, con una preventa de 30 por ciento de descuento disponible hasta el 23 de marzo. Las entradas pueden adquirirse en taquilla o en el sitio oficial del Centro Cultural Helénico.

La propuesta escénica Eurídice según Eurídice continúa su recorrido por la Ciudad de México y se presentará del 14 de marzo al 5 de abril en la Casa de Cultura Jesús Reyes Heroles, en Coyoacán. Después de agotar funciones en su estreno en el Jardín Escénico Chapultepec, la obra inicia una temporada itinerante que posteriormente llegará a espacios como Laguna México y el Museo de Arte Popular.

Escrita por Alexander Wright, la puesta ofrece una reinterpretación contemporánea del mito de Orfeo y Eurídice, pero desde la mirada del personaje femenino. La historia propone un viaje escénico sobre crecimiento, identidad y autodeterminación, alejándose de la narrativa tradicional que suele centrarse en el descenso de Orfeo al inframundopara rescatar a Eurídice.

El montaje fusiona distintos lenguajes escénicos como actuación, baile, canto, música en vivo y spoken-word. Cada función está diseñada para una experiencia cercana con el público, ya que el aforo se limita a 48 espectadores, lo que permite un ambiente íntimo y directo entre intérpretes y audiencia.

La obra es producida por la compañía Por Piedad Teatro, conocida por desarrollar proyectos escénicos con discursos contemporáneos y propuestas estructurales innovadoras. La dirección corre a cargo de Ana Graham, quien explica que el montaje se mueve entre varios géneros escénicos. “No es exactamente un musical, pero tampoco podríamos decir que no lo es”.

El elenco está integrado por María Kemp y Aldo Guerra, actores que además de interpretar múltiples personajes en escena, combinan música, movimiento y narración. Sobre el reto del montaje, Kemp señala: “Es un trabajo que exige encontrar el poder de la palabra y jugar con ella”.

Por su parte, Guerra destaca el proceso multidisciplinario del proyecto. “Lo que más me gusta es que me he tenido que expandir hacia el mundo de la guitarra y desarrollar una habilidad nueva”.

La obra cuenta con música de Phil Grainger, traducción de Antonio Vega y Ana Graham, dirección y adaptación musical de Cristóbal MarYán, escenografía e iluminación de Anna Adrià y producción ejecutiva de Mónica García. Los boletos están disponibles a través de la plataforma Boletia.

La primera adaptación teatral de Autobiografía del algodón aterriza en la Ciudad de México los días 24 y 25 de febrero de 2026 a las 20:00 horas en el Teatro Helénico. Se trata de una propuesta escénica basada en la novela homónima de Cristina Rivera Garza, ganadora del Premio Pulitzer 2024 y miembro de El Colegio Nacional.

La puesta en escena, con adaptación de Felipe Villarreal y dirección de Alberto Ontiveros, se realiza con autorización expresa de la autora. El montaje es presentado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con el Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León y la compañía Gorguz Teatro, agrupación regiomontana con dos décadas de trayectoria y más de 30 proyectos escénicos.

La obra traslada al escenario el recorrido generacional que Rivera Garza traza en su novela, marcado por la violencia en múltiples formas, la prosperidad y decadencia del cultivo del algodón en el norte del país, así como por el desarraigo y la fractura. Desde ese punto de partida, el montaje excava en la memoria, el territorio extinto y los silencios heredados mediante un lenguaje híbrido que combina documental, narración y poética visual.

Ontiveros explica: “Exploramos aquello que quedó fuera de los relatos oficiales: lo que se pierde, lo que se nombra con cautela y lo que sobrevive en la memoria corporal”. La propuesta se inscribe en la Aridoestética desarrollada por Gorguz Teatro, una poética escénica que articula mito, archivo, crónica y objetos resignificados desde la experiencia fronteriza, con una reflexión sobre identidad, despojo y pertenencia.

El elenco está conformado por Rosalva Eguía, Bruno Sangar, José Olivares, Caridad Gómez, Gustavo Holguín, Cassandra Colis, Marcela Humphrey y Mao Alonso Zapien, quien alterna funciones con Emmanuel Pichardo Caballero. El equipo creativo incluye a Adriana Moreno en vestuario y atrezzo; Esaú Corona en escenografía e iluminación; Baudi Larsen en multimedia; Bruno Sangar en dirección musical; José Olivares en dirección corporal; Karla Treviño en diseño y creación de robótica, y Daniel Román Salazar como biólogo invitado.

Las funciones serán únicas. El costo del boleto es de 250 pesos, con preventa del 30 por ciento de descuento hasta el 23 de febrero. Las entradas pueden adquirirse en taquilla o a través del sitio oficial del recinto. Con esta breve temporada, el Helénico recibe una propuesta que convierte archivo y memoria en experiencia escénica viva.

El amor no siempre sigue reglas claras y en Love/Sick tampoco. Nación Producciones presenta esta obra de John Cariani con dirección de Héctor López y David Farji, en una adaptación completamente nueva, con traducción original y una propuesta escénica diseñada para conectar con el público actual. La puesta en escena apuesta por una mirada renovada que dialoga con las experiencias afectivas contemporáneas desde un enfoque cercano y fresco.

La historia se desarrolla en una realidad alterna donde el amor parece tener sus propias normas. Todas las tramas parten de un mismo punto: una visita al Supercenter. A partir de ahí, cada escena funciona como una ventana distinta hacia las múltiples formas de amar. Los personajes atraviesan situaciones que van desde la obsesión y la idealización, hasta la rutina, la duda o la necesidad de soltar. Sus historias se cruzan, se reflejan y se contradicen, mostrando el amplio espectro emocional que acompaña a cualquier relación.

Con humor ágil y un lenguaje directo, Love/Sick expone y se burla de las expectativas románticas aprendidas, al tiempo que las aborda con ternura. La obra no idealiza el amor; lo presenta vulnerable e imperfecto, y precisamente por eso auténtico. La propuesta escénica busca que el espectador se reconozca en esa fragilidad y comprenda que, aunque el amor puede doler, también es un motor vital.

Para sus directores, Héctor López y David Farji, “esta puesta en escena busca dialogar con las experiencias afectivas contemporáneas desde una sensibilidad cercana y fresca. A través de estas historias que se cruzan, buscamos que el público se ría de sí mismo y reconozca que el amor, en todas sus formas, es lo que nos define”.

Love/Sick se presentará todos los jueves, del 5 de febrero al 23 de abril, a las 20:00 horas, en el Foro Shakespeare, ubicado en Zamora 7, Colonia Condesa. El boleto tiene un costo de 400 pesos.

El elenco está integrado por Mariana Bardan, Fernanda Monroy, Juan Andrés Belgrave, Ginette Zavala, Gonzalo de Esesarte y Andrés Jurado. El equipo creativo lo completan Miguel Moreno Mati en la escenografía; el Estudio Merak —Francisco Gamo, André Schwebel y Alejandro Oros— en la música; Romeo y Julián (Víctor Fernando) en el vestuario; Héctor López en la iluminación y Aline Esperón en el diseño visual.

La Ruleta Impro llega a la cartelera capitalina como una propuesta escénica que fusiona improvisación teatral y la dinámica vertiginosa de un juego de televisión en vivo. El espectáculo, dirigido por Angélica Rogel, plantea una competencia directa entre dos equipos de improvisadores que suben al escenario sin guion, sin acuerdos previos y con un solo objetivo: crear historias originales en tiempo real bajo la presión del juego y la respuesta inmediata del público.

El corazón del montaje es una gran ruleta que marca el rumbo de cada escena. En cada giro se definen estilos, géneros, emociones, retos y giros inesperados que obligan a los intérpretes a reaccionar con rapidez, creatividad y destreza actoral. Cada decisión transforma la escena y abre nuevas posibilidades narrativas, convirtiendo cada función en una experiencia irrepetible donde nada está asegurado.

El público tiene un papel activo durante toda la función. Sus propuestas, reacciones y aplausos influyen directamente en el desarrollo del espectáculo y en la asignación de puntos. Más que espectadores, los asistentes se convierten en jueces y cómplices del juego, ya que su energía determina qué equipo gana cada ronda y quién se lleva el triunfo de la noche. La interacción constante es parte esencial del ritmo y la intensidad del show.

La Ruleta Impro se sostiene en el humor inteligente, la imaginación y un alto nivel de entrenamiento en técnicas de improvisación. Cada función propone historias nuevas, finales inesperados y situaciones que se construyen y se resuelven frente a los ojos del público.

La directora Angélica Rogel señala que “siempre es un reto construir un universo nuevo, y más si es improvisado. En este caso se trata de un espectáculo que invita a equilibrar el juego, la destreza mental y la capacidad de contar historias en un solo espectáculo, y eso es complejo y retador”.

El proyecto es una producción de Michel Chauvet, Kupfer Producciones y Tercio, y cuenta con un elenco amplio que alterna funciones, integrado por intérpretes con amplia experiencia en improvisación: Rafa Gaytan, Mariana Murguia, Fernanda Vati, Saúl Soni, Pris García, Estefania Loaiza, Benjamín Celis, Majo Gutiérrez, Israel Ramos, Roberto Pichardo, Aline Neiss, Emmanuel Sotelo, Antonio Pina, Daniel Pinte, Delia Ventura, Diego Cosío, Joana Camacho, Martín Saldarriaga, Ramiro Piñón, Viata Sosa, Michel Chauvet y Jonathan Ruben.

La Ruleta Impro se presentará todos los viernes a las 20:30 horas, del 20 de febrero al 1 de mayo, en El Círculo Teatral, ubicado en Avenida Veracruz 107, colonia Condesa. Los boletos tienen un costo de 300 pesos y están disponibles en la taquilla del recinto y a través de la plataforma Boletópolis.com.

Elisabetha Gruener retoma su presencia en la escena teatral mexicana con su participación en Los Fridos, la obra escrita y dirigida por Clemente Vega que regresa a cartelera a partir del 19 de enero en el Foro Lucerna. La temporada especial se extenderá hasta el 9 de marzo y marca una nueva oportunidad para el público de reencontrarse con una propuesta escénica que ha destacado por su intensidad visual, emocional y discursiva.

En Los Fridos, Elisabetha Gruener interpreta a María, una estudiante de pintura que forma parte de un grupo de jóvenes artistas inmersos en un proceso creativo atravesado por la pasión, el conflicto y la confrontación emocional. Su personaje se posiciona como el eje femenino de la historia y genera un desequilibrio dentro del aula ficticia donde se desarrolla la acción. La obra plantea una reinterpretación del mito de Frida Kahlo al situarla como maestra de una escuela de arte, desde donde guía a cinco estudiantes en un entorno cargado de tensión creativa y búsqueda personal.

La puesta en escena tuvo una primera etapa en el Centro Nacional de las Artes y ahora se presenta en el Foro Lucernacon un elenco conformado por Mónica Bejarano, Mario González-Solís, Andrés Jurado, Gonzalo De Esesarte, Fabiola Villalpando, Bobby Mendoza y Jorge Viña. Juntos construyen una experiencia que se adentra en el arte como detonante de emociones profundas y cuestionamientos vitales. Los Fridos ha sido reconocida por su impacto escénico y se encuentra nominada a los Premios del Público de Cartelera de Teatro.

De forma paralela, Elisabetha Gruener continúa ampliando su universo creativo como actriz y creadora escénica. Su proyecto Prisma, obra que dirige y cuyo texto adaptó, regresará a la cartelera en mayo, mientras se ultiman los detalles de su próxima temporada. Este montaje refuerza su interés por desarrollar nuevas narrativas y consolidar una voz propia dentro del teatro contemporáneo.

Formada en la East 15 Acting School de Londres, donde se graduó en 2022, Gruener ha desarrollado una trayectoria internacional que incluye la fundación de su compañía Insecta y la dirección de Mouthful of Fingers, presentada en teatros independientes del Reino Unido. Como actriz, participó en montajes como La tempestad de William Shakespeare, Flowers in a Dark Room y Prisms. En México ha formado parte de producciones como Ana Frank, Triple Concierto y el cortometraje Entre Muros. Con su regreso a Los Fridos y la próxima temporada de Prisma, Elisabetha Gruener reafirma su presencia en la escena teatral actual y su constante exploración creativa.

SHKSPR & Cía da inicio a su programación 2026 con Reincidencia Teatral, ciclo penitenciario para un público sospechoso, una propuesta escénica que reúne tres obras de teatro documental enfocadas en el encierro, la violencia, la memoria y los procesos de reinvención personal. Este ciclo constituye el primero de los tres actos que conformarán las actividades anuales de la compañía y se presenta como un espacio de escucha, confrontación y encuentro a través de historias reales.

Las funciones se llevarán a cabo en el Foro Shakespeare / Espacio Urgente 2, ubicado en la calle Zamora número 7, colonia Condesa, en la Ciudad de México. El ciclo integra los montajes Proyectiles: Dispositivo de Reinvención Social, Expediente Durango: bitácora de viaje y Fueradentro, tres piezas que, desde distintos dispositivos escénicos, colocan al espectador frente a testimonios atravesados por la prisión, la ausencia y la reconstrucción de la vida.

El ciclo inicia con Proyectiles: Dispositivo de Reinvención Social, un unipersonal de teatro documental ybiodramático creado e interpretado por Kevin Ley. La obra surge de su trabajo con jóvenes en internamiento en el ITAMA (Instituto de Tratamiento y de Aplicación de Medidas para Adolescentes) y entrelaza, mediante una dramaturgia fragmentada, las historias de adolescentes privados de su libertad con la experiencia personal del intérprete, marcada por la violencia del crimen organizado en Ciudad Obregón, Sonora. Las funciones se realizarán el domingo 18 de enero a las 18:00 horas y el lunes 19 de enero a las 20:30 horas.

El segundo montaje es Expediente Durango: bitácora de viaje, resultado de una investigación escénica basada en viajes y conversaciones con familiares de personas privadas de la libertad. La obra construye un archivo testimonial que expone la vulnerabilidad, la desinformación y los abusos que enfrentan quienes acompañan a personas en reclusión. Este montaje se presentará el domingo 25 de enero a las 18:00 horas y el lunes 26 de enero a las 20:30 horas, bajo la dirección de Roberto Zayas, Santiago Obregón y Paola Romero.

El cierre del ciclo estará a cargo de Fueradentro, una obra de teatro documental que narra la historia real de una pareja de mujeres que se conocen en prisión, se enamoran y enfrentan juntas la salida a la libertad. La pieza aborda la vida después del encierro, la reconstrucción de los vínculos y la supervivencia emocional. Las funciones se llevarán a cabo los lunes 2, 9, 16 y 23 de febrero a las 20:30 horas.

Las tres propuestas se presentan como un ejercicio de memoria y testimonio que insiste en el teatro como espacio de resistencia. El costo del boleto es de 200 pesos, con un 30 por ciento de descuento para estudiantes, maestros e INAPAM. También se ofrece un combo para las tres obras por 360 pesos. Los boletos están disponibles en la taquilla del Foro Shakespeare y en el sitio foroshakespeare.com.

Alex Ubago prepara un regreso significativo a México en 2026 con una gira que conmemora el 25º aniversario de ¿Qué pides tú?, el álbum que lo posicionó como una de las voces más reconocidas del pop melódico en español. La celebración se llevará a cabo en una serie de conciertos que recorrerán ciudades clave del país y que están diseñados para reconstruir, desde el escenario, el vínculo que el público mexicano ha mantenido con sus canciones desde 2001.

El motivo central de esta visita es el homenaje a su primera producción discográfica, un trabajo que alcanzó un millón y medio de copias vendidas y lo impulsó hacia mercados internacionales. La gira mundial anunciada por el artista abarca Europa, Estados Unidos, Latinoamérica y España, y reserva para México un repertorio construido a partir de los temas que marcaron el inicio de su carrera junto con otros éxitos que han acompañado su trayectoria durante dos décadas y media. La propuesta escénica busca resaltar la vigencia de composiciones que permanecen en la memoria colectiva de quienes crecieron con ellas.

Las fechas programadas para mayo de 2026 forman una ruta amplia a lo largo del país. El recorrido comienza el 1 de mayo en Pachuca y continúa al día siguiente en Puebla. El 3 de mayo llega a Oaxaca, seguido por su presentación del 6 de mayo en el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México, uno de los escenarios más emblemáticos de su relación con el público local. La gira avanza hacia Tijuana el 7 de mayo, para luego trasladarse a Mérida el día 8 y a Cancún el 10. Posteriormente se dirige a Monterrey el 14 de mayo y culmina con conciertos en Querétaro el 15 y Guadalajara el 16. Cada parada está pensada como un reencuentro entre el artista y quienes han acompañado su música desde distintas etapas de su vida.

La historia de Ubago comenzó a consolidarse desde su adolescencia en San Sebastián, cuando descubrió la composición como una forma de exploración personal. Una maqueta casera llamó la atención de Íñigo Argomaniz, quien lo encaminó hacia su primer contrato discográfico y lo llevó a abandonar los estudios universitarios para dedicarse por completo a la música. El lanzamiento de ¿Qué pides tú? en 2001 marcó el inicio de una carrera que consiguió múltiples premios y el reconocimiento de audiencias de México, Chile, Argentina y España. A lo largo de los años, el cantautor continuó expandiendo su propuesta con discos como Fantasía o realidad, Aviones de cristal y Calle ilusión, además de proyectos colaborativos que reforzaron su presencia internacional.

El regreso en 2026 se presenta como un momento de conexión entre pasado y presente, una oportunidad para revivir un repertorio que acompañó a una generación y que aún conserva la fuerza emocional con la que fue creado. La gira promete mostrar la evolución de un artista que ha mantenido una relación constante con su público y que ahora celebra un cuarto de siglo de historias convertidas en canciones.

La compañía Danza Visual, en alianza con AM Producciones, presenta El Pulpo Fantasma, una propuesta escénica que fusiona danza expresiva, multimedia y materiales audiovisuales reales para construir una odisea ecológica destinada a sensibilizar al público familiar. La obra vuelve al Teatro de la Danza Guillermina Bravo con cuatro funciones exclusivas, programadas para los días 6, 7, 13 y 14 de diciembre a las 13 horas, con boletos disponibles en taquilla y en la página oficial del recinto.

El objetivo de esta puesta en escena es acercar a niñas y niños a la importancia de la protección de los océanos mediante una narrativa que combina arte, tecnología y un lenguaje simbólico accesible. La propuesta busca despertar curiosidad, fortalecer la imaginación y fomentar una conciencia ambiental temprana a través de un relato que utiliza el movimiento como guía y la imagen como vehículo emocional.

Con más de 15 años de trayectoria, Danza Visual se ha posicionado como una compañía pionera en la integración de danza, artes visuales y experiencias inmersivas, llevando al escenario piezas que sitúan a las infancias en el centro del mensaje. Bajo la dirección de Patricia Marín, la obra desarrolla la historia del pulpo fantasma, una criatura nacida en las profundidades marinas, y del cuidador, figura que representa la protección del entorno natural frente a los efectos de la contaminación y la explotación. La narrativaplantea un recorrido que expone la riqueza del océano y su fragilidad, mientras guía al público hacia una reflexión sobre el impacto humano en la vida marina.

La producción de AM Producciones aporta una estructura escénica que combina sonido, iluminación y proyecciones diseñadas para crear una atmósfera inmersiva. La colaboración con Mar… es de México | Fundación Santa Lucía, A.C., en conjunto con Fernando Cordero y Delphine Kachadourian, permite integrar contenido visual auténtico que recrea ecosistemas del océano con un enfoque realista. Estas imágenes, desarrolladas por Ghiju Díaz de León, se proyectan en cuatro lienzos que generan variaciones de profundidad y transiciones dinámicas sincronizadas con la coreografía, elevando la puesta a un nivel hiperrealista que capta la atención de los espectadores más jóvenes.

El elenco conformado por Patricia Marín, Jonathan Alavés, Tlathui Maza y Heleni Castro sostiene la narrativa física con una interpretación que acompaña el ritmo visual del espectáculo. La composición musical y el diseño sonoro de Rogelio Marín complementan la atmósfera oceánica mediante capas acústicas que acompañan los desplazamientos escénicos y la transición entre ambientes.

El Pulpo Fantasma se presenta como una experiencia multisensorial que integra danza, animación ynarrativa ecológica para transmitir un mensaje claro: reconocer la belleza de los océanos y comprender la necesidad de protegerlos. La obra consolida el compromiso de Danza Visual y AM Producciones de acercar contenidos artísticos accesibles a las familias y promover un diálogo activo sobre el entorno natural desde la creatividad y la sensibilidad.