Los perros que salvaron mi vida: Teatro, amor y redención en El Círculo Teatral

La historia llega con la fuerza de quien se atreve a sanar desde el arte. Los perros que salvaron mi vida es una obra escrita e interpretada por Alan Blasco que fusiona teatro, poesía y música para hablar del amor incondicional, la pérdida y la capacidad de renacer.

Este monólogo íntimo se presentará en El Círculo Teatral, del 22 de noviembre al 13 de diciembre, con funciones los sábados y una fecha especial el jueves 4 de diciembre.

El montaje, producido por AB Producciones, se adentra en los rincones más vulnerables del alma humana. A través de la historia de RUFO, un perro mestizo inspirado en la mascota real de Blasco, el público acompaña a Aarón, su alter ego, en un recorrido emocional donde el dolor y la ternura conviven como parte del mismo proceso de sanación.

La puesta en escena se apoya en una escenografía minimalista diseñada por Edgar Mora, que usa sombras y luces para evocar la memoria y la intimidad. Cada elemento tiene un propósito simbólico: un armario convertido en refugio, un haz de luz que representa la esperanza. Esta estética sencilla pero profunda invita a los espectadores no solo a mirar, sino a sentir la historia.

Bajo la dirección de Norato y Pulido, la obra evita el drama fácil y apuesta por la empatía. La mirada de RUFO, cargada de inocencia, se convierte en un vehículo para entender el sufrimiento humano desde la compasión pura, sin juicios. Este enfoque da equilibrio a la narrativa y transforma la experiencia en una reflexión sobre la conexión emocional entre humanos y animales.

La música original de Ana Tiaré actúa como un personaje más, envolviendo al público en atmósferas que alternan entre la melancolía y la esperanza. Con una duración de 85 minutos sin intermedio, la obra mantiene una intensidad constante que permite al espectador sumergirse en un viaje introspectivo donde cada nota, cada silencio y cada gesto tienen peso.

Los perros que salvaron mi vida no solo busca emocionar: propone una reconciliación con la pérdida, un recordatorio de que el amorhumano o animal— puede ser la forma más pura de redención. esta puesta en escena promete convertirse en una experiencia sanadora para todo aquel que haya amado y tenido que dejar ir. Boletos disponibles en boletópolis.com.

Michael Halloween Experience: El show que revive el poder del Rey del Pop en CDMX

El espíritu de Michael Jackson vuelve a brillar sobre el escenario en Michael Halloween Experience, una producción que fusiona música, teatro y fantasía para rendir homenaje al inigualable Rey del Pop. El espectáculo se presenta en el Teatro Royal del Pedregal, en Boulevard Adolfo Ruiz Cortines 4363, Tlalpan, con funciones vespertinas y boletos disponibles a través del sistema Go Liiive, hasta el 16 de noviembre.

Diseñado como una experiencia inmersiva, este montaje invita a los asistentes a sumergirse en un universo donde el arte vence a la oscuridad. A lo largo de ochenta minutos, la historia sigue a Lucy, una niña cuyo espíritu es amenazado por criaturas del inframundo: hombres lobo, momias, vampiros, calaveras y brujas que intentan arrebatarle el alma. En medio del caos, surge el espíritu de Michael Jackson, convertido en una figura luminosa que devuelve el equilibrio a través de su música y baile, evocando el poder transformador del arte.

El espectáculo combina una narrativa visual intensa con coreografías precisas, efectos escénicos sorprendentes e iluminación que recrea atmósferas de misterio y energía. Cada número rinde tributo a los temas más emblemáticos del artista, desde el clásico “Thriller” hasta el mensaje esperanzador de “Heal the World”, recordando por qué su legado continúa inspirando a generaciones enteras.

Michael Halloween Experience no es un simple tributo, sino una celebración sensorial donde el teatro, la música y la tecnología escénica se encuentran para generar una conexión emocional con el público. El montaje aprovecha la acústica del Teatro Royal del Pedregal para crear una experiencia envolvente, en la que cada movimiento y cada compás resuenan con la energía icónica del intérprete que revolucionó la cultura pop.

Con una propuesta pensada para toda la familia, la obra combina momentos de suspenso y diversión, convirtiéndose en una opción ideal para disfrutar la temporada de Halloween desde una perspectiva diferente. En lugar del terror clásico, propone una historia que celebra la creatividad, el ritmo y la fuerza emocional que habitan en la música.

Más allá de la ambientación tenebrosa y los efectos visuales, Michael Halloween Experience es un homenaje vivo a la capacidad del arte para trascender el tiempo. En cada función, el público revive la emoción de los videoclips que marcaron una era, el estilo inconfundible de Jackson y su poder para unir a las personas bajo una misma melodía. Así, entre sombras y destellos, el Rey del Pop vuelve a conquistar el escenario, recordando que incluso en la noche más oscura, siempre habrá una canción capaz de devolver la luz.

Obra negra de las controversias: Un teatro vivo que se construye entre el público y el escenario

El teatro se transforma en laboratorio de ideas con “Obra negra de las controversias”, una puesta en escena dirigida por José Caballero que rompe con los formatos tradicionales y apuesta por la participación directa del público. Esta obra experimental, producida por la Secretaría de Cultura a través del Centro Cultural Helénico y la compañía Shakespeare & Cía, tendrá funciones del 8 al 30 de noviembre de 2025, los sábados y domingos a las 20:00 horas, en el Foro Alternativo.

Más que un espectáculo, la propuesta es un juego teatral y moral que gira en torno a siete módulos temáticos inspirados en debates contemporáneos. Cada función es distinta, porque el público no solo observa, sino que interviene, opina y transforma el rumbo de la historia. En escena, los temas fluyen como una improvisación de jazz: la eutanasia, el racismo, el clasismo, las teorías conspirativas, el lenguaje inclusivo, las relaciones afectivas diversas, los derechos de los animales y los “perrhijos” son algunos de los puntos que se discuten y reformulan con cada presentación.

La obra nació a inicios de 2024 como un ejercicio de exploración artística impulsado por Caballero e Itari Marta, con la intención de recuperar el sentido lúdico y reflexivo del teatro. A partir de lecturas y debates, el equipo tomó como punto de partida La controversia de Valladolid —uno de los primeros debates sobre los derechos humanos en la historia moderna— y lo trasladó al presente, generando un diálogo entre los dilemas del pasado y los del siglo XXI.

El resultado es un formato que no busca cerrar temas, sino abrirlos. Cada función se convierte en una experiencia colectiva en la que el público participa activamente en la construcción de sentido. Por eso, el montaje se presenta como una “obra negra”: un trabajo en constante proceso, que se reconstruye en tiempo real con las ideas y emociones de quienes asisten.

El elenco está conformado por Ricardo Reynaud, Alberto Juárez, Itari Marta, Gerardo Hernández yValeria Lemus, con dramaturgia de Diego Cristian Saldaña, asistencia de dirección de Itari Marta y diseño de vestuario de Libertad Mardel. La producción ejecutiva corre a cargo de Itari Marta y Valeria Lemus, con apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales.

Obra negra de las controversias” es, en esencia, un espacio para pensar desde la escena, donde el teatro se convierte en herramienta de diálogo y reflexión colectiva. Los boletos tienen un costo de $260, con preventa al 50% hasta el 7 de noviembre, disponibles en las taquillas del Helénico y en helenico.gob.mx.

El espíritu del Rey del Pop revive en el escenario con Michael Halloween Experience

Entre luces estroboscópicas, sombras danzantes y el eco inconfundible del moonwalk, la Ciudad de México abre las puertas a Michael Halloween Experience, un espectáculo que fusiona teatro, fantasía y homenaje musical en una cita donde el arte vence a la oscuridad. El Teatro Royal del Pedregal, ubicado en Boulevard Adolfo Ruiz Cortines 4363, en la Colonia Jardines en la Montaña, Tlalpan, se convierte este otoño en el epicentro de una celebración única al legado del Rey del Pop. Las funciones se realizarán los días 19 y 26 de octubre, así como el 2, 9 y 16 de noviembre, con boletos disponibles a través del sistema Go Liiive.

Durante ochenta minutos, el escenario se transforma en un universo entre el bien y el mal, donde criaturas sobrenaturalesvampiros, momias, calaveras y hombres lobo— emergen del inframundo para acechar a Lucy, una niña cuya inocencia es el centro de una batalla simbólica. En medio de esta lucha, el espíritude Michael Jackson aparece para devolver la armonía, guiado por el poder redentor de la música y el baile. Cada coreografía es una invocación a su energía inagotable, recordando que su arte sigue vivo más allá del tiempo y la muerte.

Lejos de ser un simple tributo, Michael Halloween Experience se construye como una historia escénicaque combina efectos especiales, iluminación precisa y un diseño visual capaz de envolver al espectador en una atmósfera de misterio y emoción. Las piezas más emblemáticas del ícono estadounidense, desde la mítica “Thriller” hasta la emotiva “Heal the World”, tejen el hilo conductor de una experiencia donde el miedo se transforma en ritmo.

El montaje, pensado para toda la familia, ofrece una alternativa diferente a las tradicionales celebraciones de Halloween. Su mezcla de suspenso, ternura y energía convierte cada función en un espectáculo apto para niños y adultos que buscan vivir la temporada con una dosis de magia escénica. La acústica y el ambiente íntimo del Teatro Royal potencian cada detalle: los pasos de baile, los efectos sonoros y lasluces que marcan el pulso de una historia de redención a través del arte.

Más que un show temático, Michael Halloween Experience es un homenaje vivo al poder transformador de la música. En cada nota resuena el espíritu de Michael Jackson, ese que unió generaciones con su ritmo inconfundible y su mensaje universal. En cada función, la leyenda resucita bajo el brillo de las luces y el latido del beat, recordando que incluso en la noche más oscura, siempre hay una canción capaz de devolvernos la luz.

Un cuarto de siglo de sonido escénico: El legado vivo de Rodrigo Castillo Filomarino

Durante un cuarto de siglo, el compositor mexicano Rodrigo Castillo Filomarino ha tejido una historia sonora que acompaña, impulsa y enriquece las artes escénicas en México. Su trayectoria, iniciada en 1999 con la Compañía Nacional de Teatro, llega a un punto culminante con la presentación de una producción fonográfica que reúne lo mejor de su trabajo entre 2002 y 2024.

Este proyecto, respaldado por el Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales de la Secretaría de Cultura, marca no solo una celebración personal, sino un reconocimiento a la importancia de la música como elemento esencial dentro del teatro y la danza.

La presentación oficial tendrá lugar el 24 de octubre a las 19:00 horas en el Pabellón Jardín Escénico, con acceso gratuito. El evento reunirá a figuras del ámbito escénico y musical, además de una mesa redonda moderada por especialistas del medio. La cita promete convertirse en un recorrido sonoro que encapsula 25 años de evolución artística y una mirada al desarrollo de la composición para las artes escénicas en México.

Para construir esta antología, Castillo Filomarino emprendió una revisión exhaustiva de su archivo personal, compuesto por más de 700 pistas y 100 obras destinadas al teatro, la danza y proyectos audiovisuales. De ese universo creativo seleccionó las piezas que mejor representan su crecimiento como compositor y la transformación de su lenguaje musical. Cada tema elegido revela etapas, búsquedas y aprendizajes acumulados a lo largo del tiempo, conformando una memoria viva de su proceso artístico.

La producción fue realizada con músicos profesionales en un estudio de alta calidad, superando las limitaciones económicas que históricamente enfrentan las producciones musicales en las artes escénicas. Este esfuerzo se traduce en una apuesta por dignificar la música escénica, un área frecuentemente relegada frente a otros rubros de la producción teatral, como la escenografía o el vestuario.

Más allá de ser un homenaje personal, el proyecto se convierte en un legado colectivo. Las partituras digitales de las obras estarán disponibles de forma gratuita para coreógrafos, directores, estudiantes e investigadores, mientras que las grabaciones podrán escucharse en Spotify, Apple Music y SoundCloud. Asimismo, serán transmitidas por emisoras culturales como Radio UNAM, Radio Educación y Opus 94, ampliando su alcance hacia nuevas audiencias y fortaleciendo la presencia de la música escénica en el panorama cultural nacional.

Inspirado en antologías históricas como la dedicada a Luis Rivero por Rodolfo Sánchez Alvarado, el trabajo de Castillo Filomarino extiende el registro sonoro al siglo XXI, integrando una nueva generación de obras que documentan la evolución del teatro y la danza contemporáneos. En conjunto, esta producción no solo sintetiza la voz de un compositor, sino que también preserva un fragmento vital del patrimonio cultural mexicano, reafirmando la música como un lenguaje indispensable dentro de las artes escénicas.

La noche del 24 de octubre se perfila así como un punto de encuentro entre pasado y presente, entre creación y memoria. Rodrigo Castillo Filomarino celebra 25 años de trayectoria con una antología que trasciende los escenarios para convertirse en un testimonio vivo de la identidad sonora del teatro y la danza en México.

Mictlán: El espectáculo circense que transforma la muerte en un viaje de vida

Desde el corazón de Coyoacán llega una propuesta escénica que convierte el duelo en arte y la muerte en un motivo para celebrar. Mictlán, una producción de la compañía Cielo Azul Circo, se presentará en el Foro Coyoacanense Hugo Argüelles del 31 de octubre al 9 de noviembre, con funciones dobles a las 18:00 y 20:00 horas.

Este espectáculo de gran formato une el circo contemporáneo, la danza, el teatro y la música mexicanaen vivo para narrar un viaje simbólico al inframundo, inspirado en la cosmovisión náhuatl.

La historia se desarrolla a partir de Sara, una acróbata que pierde la vida durante una actuación y emprende, desde su propio funeral, una travesía hacia el Mictlán, el mítico mundo de los muertos. A través de su recorrido, el público acompaña a la protagonista en un proceso de descubrimiento y aceptación, donde la muerte se revela no como un final, sino como una transformación.

El espectáculo toma como base la investigación de fuentes históricas como el Códice Florentino y la Historia general de las cosas de la Nueva España, de Fray Bernardino de Sahagún, que describen la visión del pueblo náhuatl sobre la muerte como una transición natural y sagrada. Bajo esta inspiración, la obra propone una reflexión contemporánea sobre la pérdida, la memoria y la continuidad del espíritu.

El origen de Mictlán se remonta al duelo colectivo que marcó a la sociedad durante la pandemia de 2020. A partir de ese contexto, la compañía Cielo Azul Circo decidió crear una puesta en escena que funcionara como un espacio de sanación emocional, donde el arte circense se transforma en un lenguaje capaz de dignificar el dolor y reconectar al público con el sentido ritual de la vida y la muerte.

La pieza combina disciplinas como el malabarismo, la contorsión, la danza aérea y la acrobacia, utilizando el cuerpo como vehículo expresivo de emociones profundas. Cada número se integra con una banda sonora ejecutada en vivo, que mezcla instrumentos tradicionales mexicanos con arreglos contemporáneos, reforzando la conexión entre lo ancestral y lo actualLa escenografía, la iluminación y el movimiento generan un ambiente inmersivo que traslada al espectador al universo místico del inframundo prehispánico.

Más que un espectáculo, Mictlán se presenta como una ceremonia escénica que honra a los que ya partieron, recuperando el sentido espiritual que las culturas originarias daban a la muerte. Su mensaje central es claro: los recuerdos y el amor no desaparecen, sino que permanecen como huellas vivas que nos acompañan. En cada acrobacia, acorde y respiración, esta obra invita a reconciliarse con la idea del final como parte de un ciclo continuo, donde la memoria y la celebración conviven en equilibrio.

En pleno mes de Día de Muertos, Mictlán llega para ofrecer una experiencia artística que une tradición, movimiento y emoción, recordando que incluso en el adiós, la vida sigue danzando.

Trágame Sueño: Danza, teatro y magia en un viaje onírico que celebra la imaginación familiar

Un escenario que mezcla danza contemporánea, teatro, marionetas, proyecciones y ritmos urbanos llega al Foro Shakespeare de la Ciudad de México. Se trata de “Trágame Sueño”, una obra infantil producida por Lagú Danza que explora el universo de los sueños y las pesadillas con un enfoque lúdico y poético, pensada para cautivar a niños, jóvenes y adultos por igual.

La temporada se llevará a cabo todos los domingos, del 24 de agosto al 28 de septiembre de 2025 a las 13:00 horas. La puesta en escena, de 60 minutos de duración, busca transportar al público a Dormilandia, un reino fantástico donde dormir es lo más importante, pero donde no todos los personajes logran entregarse con tranquilidad al descanso.

La historia gira en torno a Domitila, una niña que rehúye el sueño debido a las pesadillas que la atormentan, y su hermana menor, Pequeña, quien se convierte en guía y fuerza para enfrentar esos miedos. A su lado aparece un padre incapaz de soñar, que intenta sostener a sus hijas en un hogar marcado por la ausencia materna. En este trayecto, las protagonistas se ven acompañadas por una tribu de soñadores lúcidos y por un ser enigmático que cobra vida en escena mediante una marioneta manipulada con la técnica japonesa Bunraku. Juntos, se enfrentarán a la temida “Entidad de las Pesadillas”, en un viaje que revela la resiliencia familiar como clave para transformar la realidad.

Concebida y dirigida por Érika Méndez, “Trágame Sueño” se inspira en la obra “Traga Sueños” de Michael Ende, y convierte el escenario en un espacio mutable: un bosque encantado puede transformarse en un barrio capitalino lleno de ritmo; pijamas y objetos cotidianos cobran vida; y una fiesta sonidera se mezcla con la danza contemporánea, el teatro de sombras y las proyecciones animadas. Todo para crear una experiencia que conecta a las infancias con el valor de la imaginación y el poder de los lazos familiares.

Lagú Danza, fundada en 2004 por la misma Méndez, ha consolidado un estilo propio al que llama “Mecánica del vuelo”, que ha llevado a diferentes ciudades de México. La compañía se caracteriza por propuestas que mezclan surrealismo y cercanía, permitiendo que público e intérpretes compartan un mismo terreno creativo. Su directora acumula más de dos décadas de trayectoria, con colaboraciones junto a artistas de la talla de Demián y Bruno Bichir, Héctor Bonilla, además de proyectos con compañías como Utopía Danza y elTeatro Penitenciario del Foro Shakespeare.

El elenco está conformado por intérpretes como Ángel Lara Martínez, Diego Martínez Villa, Frida Ríos Méndez, Regina Fabián Méndez, Héctor Fernando Venegas Mendoza, Oscar Michel Pérez Maldonado, Myrna Lorena Sánchez Contreras, Carla Eugenia Rodríguez Torres, Camila Esli Valdés Alemán, Citlali Rojas Pedroza y Sergio Ulises Vázquez Contreras, entre otros, respaldados por un equipo de producción encabezado por LCN Escena y un staff técnico especializado.

Los boletos ya están disponibles en la taquilla del Foro Shakespeare y en sus plataformas digitales oficiales. Con esta temporada, “Trágame Sueño” promete convertirse en una de las experiencias escénicas más atractivas del año para las familias capitalinas.

El Pulpo Fantasma: Danza, luces y océano en un viaje que respira bajo el agua

En la penumbra del teatro, una sombra blanca se mueve como si flotara. Es el Pulpo Fantasma, criatura misteriosa que no viene sola: trae consigo un mar entero, hecho de danza, proyecciones y música que laten como olas. Todo se mezcla en una experiencia que acaricia los sentidos y siembra una semilla de conciencia sobre el planeta azul.

Bajo la dirección de Patricia Marín, esta puesta en escena abre un portal hacia las profundidades marinas. Las familias entran a un espacio que vibra con colores líquidos, texturas ondulantes y sonidos que parecen salir de una concha gigante. No es solo un espectáculo, es una invitación a sumergirse y mirar de cerca un ecosistema que palpita y, al mismo tiempo, pide auxilio.

El viaje parte de una especie real: el pulpo fantasma, apenas reconocido como habitante de los mares mexicanos. Inspirada en su rareza y en la urgencia de cuidar el océano, la historia lo sigue junto al cuidador, un símbolo de esperanza que se enfrenta a enemigos invisibles como la contaminación y laexplotación. La narrativa fluye con el lenguaje del movimiento, el brillo de las imágenes y un guion que, sin ser palabra hablada, lo dice todo.

La propuesta visual, creada por Ghiju Díaz de León, envuelve al público en una ilusión marina: escenarios hiperrealistas ilustrados, proyectados en cuatro lienzos que rodean la escena y se sincronizan con la coreografía gracias al videomapping. El efecto es estar en el fondo del mar, viendo cómo cada criatura y corriente se mueve con vida propia.

En paralelo, la música de Rogelio Marín pinta el ambiente sonoro con texturas de las profundidades, ritmos bailables y sonidos ambientales que hacen eco de ballenas lejanas, burbujas y corrientes. Todo en un balance exacto para no robar protagonismo a la danza ni a las imágenes, sino para impulsarlas.

La obra nace de una colaboración entre AM Producciones, Danza Visual, Mar… es de México y Fundación Santa Lucía, A.C., con el respaldo de Culturalmente Responsable y el Estímulo Fiscal EFIARTES. Más que un montaje, es un gesto de arte como herramienta para cuidar el mar y para que las infancias vean, sientan y comprendan el valor de lo que hay bajo las olas.

El Teatro de las Artes del CENART abrirá sus puertas el 16 y 17 de agosto de 2025, con funciones a las 12:00 y 14:00 horas. Boletos a $150, disponibles en taquillas y en cenart.gob.mx.

En escena, cada movimiento, cada luz y cada nota son una gota que se suma a la marea de quienes quieren un océano vivo.

Gaspar y Violeta: Cuando la memoria resiste entre torturas, arte y esperanza

Hubo un momento en que el teatro dejó de ser solo un escenario y se convirtió en una trinchera. Me di cuenta de eso cuando conocí Gaspar y Violeta, una obra que se instala en el Centro Cultural Helénico para llevarnos de la mano por uno de los capítulos más oscuros de la historia latinoamericana: el golpe de Estado en Chile de 1973. Pero más allá del dolor, este montaje nos habla de algo todavía más poderoso: la resistencia a través del arte.

Desde el primer minuto, Gaspar y Violeta no se anda con rodeos. La historia está inspirada en la vida de Patricio Rivas, un joven líder del Movimiento de Izquierda Revolucionaria (MIR) que fue perseguido, torturado y exiliado tras la caída del gobierno de Salvador Allende. Pero aquí no solo se recrea su tragedia personal, sino que se hace eco de las muchas voces silenciadas en toda América Latina, las que aún siguen resonando en las calles, en los libros… y ahora también, sobre el escenario.

La obra, escrita y dirigida por Sergio López Vigueras, logra una conexión brutal entre el pasado y el presente. En la oscuridad de una celda de tortura, aparece Gaspar, atrapado entre los recuerdos y los delirios. Y junto a él, Violeta, una figura que se convierte en su faro, en símbolo del arte como tabla de salvación. Ella no solo representa una persona, sino toda una fuerza creadora que se niega a dejar que la violencia apague la luz de la memoria.

Pero no todo es solemnidad o lágrimas. Gaspar y Violeta sorprende con destellos de humor negro y momentos de farsa que alivian la tensión y despiertan una reflexión más aguda. Sin caer en lo obvio o moralizante, esta obra lanza una alerta: los autoritarismos siguen vivos, y recordar también es una forma de luchar.

El elenco, compuesto por Horacio Trujillo, Alberto Cerz, Nora Del Cueto, Daniela de los Ríos y Tony Corrales, se entrega con intensidad a esta travesía emocional. Todo esto bajo un diseño escénico y sonoro pensado al detalle: Carolina Jiménez en la escenografía, Jerildy Bosch en el vestuario, Isay Ramírez en el sonido y composición, Miriam Romero en el video, y Pepe Morales como asistente de dirección. Cada elemento suma para que la historia no solo se escuche, sino que se sienta.

Gaspar y Violeta estará en cartelera hasta el 10 de junio de 2025, todos los lunes y martes a las 20:00 hrs. en el Teatro Helénico.

Esta obra no se limita a contarte una historia: te empuja a mirar hacia atrás, a cuestionar el presente y a no olvidar que, incluso en las sombras más densas, el arte puede ser una chispa de vida.

El Camino del Colibrí: un homenaje mágico a las leyendas mexicas

Este 24 de abril, el Teatro de la Danza se convertirá en el escenario de un espectáculo único que celebra las tradiciones mexicanas con El Camino del Colibrí, una propuesta de la compañía Danza Visual, ideal para disfrutar en familia. La obra se presentará del 24 al 27 de abril en el Centro Cultural del Bosque, con funciones programadas a las 19:00 horas el jueves y viernes, y a las 13:00 y 17:00 horas el sábado y domingo.

Dirigida por Patricia Marín, Leonardo Beltrán y Rogelio Marín, El Camino del Colibrí es una pieza multidisciplinar que integra danza folklórica, contemporánea, teatro, música en vivo, ópera y artes circenses. Inspirada en las leyendas mexicas del Colibrí y la Flor de Cempazuchilth, la obra narra la historia de dos niños, Piltontli y Huitzilin, cuya amistad se ve puesta a prueba cuando uno de ellos enfrenta las nueve pruebas del Mictlán, el reino de los muertos, para reunirse con su amiga. Este relato de amor y lealtad trasciende el tiempo y el espacio, culminando en la transformación de los protagonistas en dos seres de la naturaleza: la flor de cempazuchilth y el colibrí, símbolos de la unión eterna.

Con una música original compuesta por Rogelio Marín, la obra se enriquece con la inclusión de lenguas indígenas, especialmente el náhuatl, lo que le da un toque auténtico y conecta al público con las raíces prehispánicas de México. La escenografía, iluminación y vestuario, diseñados por Mauricio Ascencio, crean un ambiente visualmente impactante, que transporta al espectador a los paisajes míticos de las montañas y el Mictlán. Además, la supervisión histórica y musical del Dr. Samuel Máynez Champion aporta un nivel de rigor académico que asegura la autenticidad de la narrativa.

El Camino del Colibrí es mucho más que un espectáculo para el Día del Niño; es una invitación a redescubrir nuestras raíces y a conectar con la riqueza cultural de México. La obra rinde homenaje a las tradiciones nacionales, especialmente a la festividad del Día de Muertos, y destaca la poética de las leyendas mexicas. Según Rogelio Marín, compositor de la obra, “las leyendas mexicas tienen una poética única que queremos compartir con el público. Esta obra es una invitación a dialogar con nuestras raíces desde una perspectiva contemporánea”.

La obra se presenta en una duración de una hora, sin intermedios, y está diseñada para toda la familia, con una narrativa cargada de simbolismo y poesía que busca enseñar a los niños valores como el amor, la amistad y la conexión con el entorno. Esta producción no solo promete ser una experiencia visualmente impresionante, sino también una oportunidad para que el público reflexione sobre las lecciones que las leyendas del pasado siguen teniendo en la actualidad.

Sin duda, El Camino del Colibrí es una excelente opción para disfrutar en familia y acercarse a la riqueza cultural de México mientras se vive una experiencia artística única y emocionante.