Quebecine MX 2026: El cine de Québec aterriza en México con estrenos e invitados internacionales

El cine contemporáneo de Québec regresa a la Ciudad de México con una edición renovada de Quebecine MX, un festival que reúne historias sobre amor, identidad, crisis climática, migración y futuro. La edición número 11 se realiza del 26 de febrero al 8 de marzo de 2026 en la Cineteca Nacional, con una selección de 11 largometrajes recientes, varios de ellos inéditos en el país y acompañados por sus propios creadores.

El festival arrancó el pasado jueves 26 de febrero con una función gratuita de Amor apocalipsis, dirigida por Anne Émond, quien estará presente para dialogar con el público. La película presenta la historia de Adam, un hombre paralizado por el miedo al fin del mundo que encuentra una inesperada conexión emocional en medio de la ansiedad climática, mostrando el amor como un acto de resistencia en tiempos inciertos.

La muestra incluye la participación de cuatro cineastas invitados: Anne Émond, Xiaodan He, Julien Élie y Ariane Falardeau St-Amour, quienes participarán en sesiones de preguntas y respuestas. Estas actividades buscan generar un encuentro directo entre el público mexicano y los creadores que están redefiniendo el cine quebequense.

El director de programación, Jean-Sébastien Durocher, explicó el objetivo de esta nueva etapa del festival: “Después de celebrar 10 años, quisimos dar un nuevo impulso a la Muestra de Cine de Québec y ampliar nuestra audiencia. Este año, traemos al público mexicano visiones de directores comprometidos que interrogan con creatividad una época desconcertante”.

Entre los títulos destacados se encuentra Montréal, querida, de Xiaodan He, que retrata un romance intergeneracionalentre dos mujeres y aborda temas como identidad, cultura y emancipación femenina. También destaca Dos mujeres de oro, dirigida por Chloé Robichaud, que explora el deseo, la libertad y las normas sociales; y Mil secretos, mil peligros, de Philippe Falardeau, centrada en las tensiones familiares y la ansiedad.

El festival también presenta historias sobre crisis ambientales y cambios sociales. El documental Shifting Baselines, de Julien Élie, examina el impacto humano y ecológico de la carrera espacial en comunidades cercanas a instalaciones de lanzamiento. Por su parte, Fénix, de Jonathan Beaulieu-Cyr, aborda las consecuencias emocionales de la guerra en una familia canadiense, mientras Convivir, de Halima Elkhatabi, muestra la búsqueda de vivienda compartida entre jóvenes como reflejo de una generación en transformación.

Como parte de su enfoque en la diversidad y la solidaridad internacional, Quebecine MX incluye funciones especiales de El embalsamador, del cineasta iraní exiliado Abdolreza Kahani, una película filmada con un iPhone que explora el exilio, la supervivencia y la represión.

La programación también incluye propuestas para público joven y familiar, como Mi robot y yo, del director Kid Koala, que narra la historia de una astronauta y el robot que la crió, separados por una misión espacial. Esta cinta será la encargada de cerrar el festival.

Además de las funciones presenciales, el evento amplía su alcance con proyecciones en línea gratuitas del 9 al 16 de marzo a través de la plataforma Nuestro Cine MX. También habrá funciones especiales en la Filmoteca de la UNAM y la Universidad Nacional Autónoma de México durante marzo, incluyendo una proyección de Amor apocalipsis por el Día Internacional de la Francofonía.

Quebecine MX es una organización sin fines de lucro dedicada a difundir el cine de autor quebequense en América Latina, con el respaldo de instituciones culturales de Canadá y México. Con esta edición, el festival busca acercar nuevas narrativas al público joven, expandir el acceso al cine internacional y abrir conversaciones sobre los desafíos emocionales, sociales y ambientales que definen a la actualidad.

Helena toma la palabra: “Juicio a una zorra” vuelve en 2026 como cita semanal en La Teatrería

La cartelera teatral de la Ciudad de México suma nuevamente uno de sus títulos más reconocidos con el regreso de “Juicio a una zorra”, monólogo que retomará funciones en 2026 tras dos temporadas consecutivas durante 2025 marcadas por localidades agotadas y una respuesta sostenida del público. La obra volverá a presentarse todos los viernes a las 20:30 horas en La Teatrería, consolidándose como una de las propuestas escénicas contemporáneas más relevantes de los últimos años.

Protagonizada por Itatí Cantoral, con texto del dramaturgo español Miguel del Arco y dirección de Alonso Íñiguez, la puesta en escena propone una relectura del mito de Helena de Troya desde una perspectiva actual, femenina y profundamente humana. En este montaje, el personaje central toma la palabra para reconstruir su historia desde su propia voz, confrontando los relatos heredados y resignificando conceptos como el deseo, la culpa y la justicia.

El regreso de “Juicio a una zorra” responde al impacto generado durante su paso por la cartelera en 2025, cuando se posicionó como un referente escénico gracias al boca en boca, la fidelidad del público y el interés de la crítica especializada. Su permanencia en la memoria de los espectadores impulsó la reapertura de funciones para quienes no lograron verla y para quienes buscan revivir una experiencia teatral que ha sido descrita como intensa y provocadora.

La propuesta escénica se articula como un monólogo directo y frontal, en el que Helena interpela al espectador desde un espacio íntimo. La obra se desarrolla como un alegato donde la palabra se convierte en herramienta de defensa y afirmación. En palabras de Itatí Cantoral: “Helena no pide perdón, pide ser escuchada. Cada función de Juicio a una zorra es un acto de verdad, de valentía y de profunda conexión con el público.” Esta declaración sintetiza el eje central del montaje y su relación con la audiencia.

La dirección de Alonso Íñiguez apuesta por una puesta en escena contenida que potencia el texto y la interpretación, permitiendo que el discurso y la presencia actoral construyan la tensión dramática. La adaptación de Miguel del Arcodialoga con problemáticas contemporáneas sin alterar la esencia del mito clásico, trasladándolo a un contexto donde la revisión histórica y la mirada crítica cobran vigencia.

A partir de su regreso en 2026, “Juicio a una zorra” se instala como una cita semanal con el teatro en La Teatrería, reafirmando su lugar dentro de la oferta cultural de la capital. La obra se presenta como una experiencia escénica que no solo se observa, sino que se vive y se recuerda, manteniendo su carácter actual y su capacidad de generar una conexión emocional directa con el público función tras función.

Regresa el juego de secretos con la tercera temporada de Dime más mentiras con más tensiones

El universo emocional y caótico de Dime más mentiras vuelve a escena con el estreno de su tercera temporada, programada para el 13 de enero exclusivamente en Disney+ en Latinoamérica. La serie, basada en la novela de Carola Lovering, retoma su ritmo intenso con dos episodios iniciales y continuará con estrenos semanales cada martes. Las primeras dos temporadas ya están disponibles en la plataforma, lo que permite seguir la historia desde su origen antes de adentrarse en esta nueva etapa.

En la nueva temporada, la historia vuelve a centrarse en Lucy Albright y Stephen DeMarco, interpretados por Grace Van Patten y Jackson White. Ambos retoman su relación justo al inicio del semestre de primavera en la Universidad Baird. Ese regreso pretende ser distinto al pasado, aunque las decisiones que marcaron su historia continúan pesando sobre ellos. El campus, que funciona como un microcosmos emocionalcargado de rumores y tensiones, se convierte nuevamente en el escenario donde sus vidas se entrelazan con consecuencias inesperadas.

A medida que avanza el semestre, Lucy queda atrapada en una controversia que preferiría evitar. Lo ocurrido el año anterior sigue afectando a su grupo de amigos, quienes enfrentan el impacto de sus propios comportamientos destructivos. Los secretos que antes se ocultaban comienzan a expandirse entre los estudiantes, generando una cadena de consecuencias que amenaza con arrastrar a todos los involucrados. La serie mantiene así su sello de drama emocional, centrado en relaciones complejas donde la lealtad, el deseo y las decisiones impulsivas marcan el rumbo de cada personaje.

El elenco de esta temporada incluye a Cat Missal, Spencer House, Sonia Mena, Branden Cook, Alicia Crowder y Costa D’Angelo, quienes completan el entramado de historias que se desarrollan alrededor de Lucy y Stephen. Cada personaje aporta una pieza clave dentro del conflicto general de la serie, en un ambiente universitario donde el pasado nunca termina de cerrarse del todo.

La producción continúa bajo la guía de Meaghan Oppenheimer como showrunner y productora ejecutiva. Emma Roberts, Karah Preiss y Matt Matruski suman su visión desde Belletrist, mientras que Laura Lewis representa a Rebelle Media. El equipo se complementa con Shannon Gibson, Stephanie Noonan, Sam Schlaifer y Tyne Rafaeli, quien además dirige parte de la temporada.

La autora de la novela original, Carola Lovering, participa como productora consultora, reforzando la conexión entre la obra literaria y su adaptación televisiva. La serie se desarrolla bajo el sello de 20th Television, consolidando su estilo como un drama universitario cargado de tensión, deseo y revelaciones que transforman a sus personajes temporada tras temporada.

Fenrir, el dios lobo: Mitología vikinga y búsqueda de identidad en escena

Del 4 de octubre al 2 de noviembre de 2025, el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico será escenario de “Fenrir, el dios lobo”, una puesta en escena que combina mitología nórdica, combate escénico, títeres y máscaras para explorar los desafíos de la transición de la infancia a la adultez. La obra, escrita por Yafté Arias y dirigida por Andrea Cruz Meléndez, se presenta bajo la producción de la compañía Teatrapos, en colaboración con la Secretaría de Cultura del Gobierno de México.

El texto se centra en Fenrir, el gran lobo negro, destinado por la profecía a devorar a los dioses durante el Ragnarök, la batalla del fin del mundo. La historia transcurre en los últimos días antes de este evento, cuando Fenrir, prisionero de Odín, enfrenta la traición y el peso de su destino, mostrando cómo la rebeldía y los actos impulsivos pueden definir el rumbo de la vida y del mundo. La dramaturgia aborda la frase “todo bien exige un sacrificio”, explorando la fuerza, el deseo de posesión, la conquista y la osadía como elementos que marcan el final de la niñez y la construcción de una nueva identidad.

La obra constituye el primer texto de una trilogía de Arias, que desde 2018 ha capturado la atención de niños y adultos por su capacidad para equilibrar lo épico y lo poético. Su lenguaje visual y estética sensiblegenera una experiencia que invita al público a reflexionar sobre fortalezas, deseos e incertidumbres mientras se adentra en un universo mitológico cargado de simbolismos.

La narrativa se enfoca en la relación fraternal entre Fenrir y Tyr, quienes, más allá de los lazos familiares, comparten un destino que los obliga a enfrentar desafíos juntos. La puesta en escena utiliza recursos como el combate escénico, títeres y máscaras, creando un viaje visual y emocional que refleja la búsqueda de identidad y la insurrección frente a expectativas externas y la ausencia de figuras paternas, sin perder los lazos afectivos que los unen.

El elenco reúne a destacados actores nacionales e internacionales: Mariana Morado, Félix Terán, Hugo Rocha, Omar Esquinca y Omar Sorroza. La escenografía es de Tenzing Ortega (Q.E.P.D.) y Érika Gómez, iluminación de Sara Alcantar, maquillaje y vestuario de Érika Gómez, música original de Eduardo Arreola y producción general a cargo de Teatrapos.

Las funciones se realizarán sábados y domingos a las 13:00 horas, con boletos a $238 pesos. Las localidades se pueden adquirir en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o a través de la página helenico.gob.mx.

“Fenrir, el dios lobo” ofrece una experiencia única donde la mitología, el teatro físico y la reflexión sobre la identidad se unen para crear un espectáculo que conecta con adolescentes y jóvenes, transformando leyendas vikingas en una exploración contemporánea de la rebeldía y el crecimiento personal.

Tango, pasión y mujeres inolvidables: Una experiencia cargada de energía y emoción

Prepárense, porque este verano el Foro La Gruta va a latir al ritmo del tango, con una propuesta escénica que combina fuerza, sensibilidad y mucha, mucha intensidad. Se trata de Detrás de mí, de mujeres tangos, una obra de danza-teatro que va directo a lo más profundo de lo femenino, de esas emociones que no siempre se dicen, pero que se sienten en cada fibra del cuerpo. La temporada arranca el 25 de junio y estará hasta el 24 de julio de 2025, todos los miércoles y jueves a las 8 de la noche.

Esta pieza tiene el sello de Valeria Vega Solórzano, que además de ser la creadora, también se sube al escenario a interpretarla, acompañada por el bailarín Jacob Morales. La coreografía corre a cargo de Elisa Rodríguez y juntas proponen una fusión donde el tango no solo se baila, se respira y se transforma en una especie de confesión sin palabras. Es un espectáculo que mezcla danza, teatro físico y música, todo envuelto en una atmósfera que te atrapa desde el primer paso.

La obra está inspirada en mujeres icónicas de la literatura, personajes intensos como Yerma, Carmen, Julieta y Lady Macbeth, que aunque vienen de mundos diferentes, se conectan a través de emociones universales: el deseo, la ambición, el amor, la pérdida… y todo eso lo vemos reflejado en escena a través del movimiento. No es que se cuenten sus historias tal cual, sino que sus esencias habitan un personaje que podría ser cualquiera, o más bien, todas a la vez.

Cada compás de tango en esta puesta en escena no es solo música: es memoria, es grito contenido, es una emoción que se cuela en los huesos. La propuesta va más allá de lo individual; es un espejo de muchas experiencias compartidas. Desde esa idea de que dentro de cada mujer hay muchas otras, la obra construye una narrativa que no necesita palabras para decirlo todo.

El equipo creativo también se luce: César “Chacho” Guerra se encarga de la iluminación, Eduardo González compuso la música original con arreglos de Javier Noyola, el vestuario lo firma Ricardo García Luna, y el coaching de tango estuvo a cargo de Christian Sánchez.

Los boletos ya están a la venta y cuestan $250, se consiguen en las taquillas del Centro Cultural Helénico o en la página: www.helenico.gob.mx.

¡Cuidado con lo que cenas! Vuelve la obra que nadie salió viendo igual: Parejas Hambrientas

Tengo que contarte algo que me voló la cabeza. Hace poco volví al teatro, y no a cualquier función: me lancé a la segunda temporada de Parejas Hambrientas, esa comedia negra que dejó a todo mundo hablando (y sudando) después de su primera ronda. Y sí, está de regreso… más directa, más ácida y mucho más provocadora.

¿Dónde? En El Círculo Teatral, ese rinconcito íntimo de la Condesa donde las emociones se sienten más cerca, casi como si tú también estuvieras cenando con los personajes. Las funciones son todos los lunes a las 20:00 hrs hasta el 2 de junio.

La mente detrás de este festín de emociones es Alan Blasco, un director y dramaturgo que no tiene pelos en la lengua. Y eso se nota. Su obra no se anda con rodeos: habla de lo que nos cuesta reconocer en voz alta… poder, deseo, frustración, locura. Todo eso que normalmente escondemos, aquí se sirve en platos llenos y sin cubiertos.

Parejas Hambrientas juega con nuestros nervios y con nuestras risas. Lo que arranca como una cena tranquila entre una pareja —Teresa y Nelson, al borde de un colapso económico y emocional— termina siendo una noche de bombas emocionales. La llegada del hermano menor de Teresa desata una tormenta. Ahí es cuando empiezan a salir las verdades, las traiciones, y hasta el hambre más primitiva que traemos dentro.

Lo curioso es que no se trata de un drama serio y pesado. Aquí te ríes. Pero también te incomodas. Y justo ahí está su genialidad: ese humor negro que, aunque a veces te hace reír incómodo, te deja pensando en lo que escondemos bajo la alfombra de nuestras relaciones.

El elenco, formado por Ana Corti, Annesy Lozano, Carlos Hendrick, Christian Muñoz y Patricio de Rodas, está impecable. Cada uno representa un deseo oculto, una necesidad que grita. Y cuando todos se juntan en ese comedor, es imposible mirar a otro lado. Todo se intensifica con la iluminación de Edgar Mora y la propuesta visual de Salomón Mondragón, que convierten el escenario en una especie de jaula elegante y salvaje a la vez. Los boletos cuestan $500, y se pueden comprar en taquilla o por boletopolis.com.

Créanme: esta experiencia no es solo para quienes aman el teatro, sino también para quienes quieren sentir algo distinto.

Una cena, cinco personas y una noche en la que todo estalla. ¿Te atreves a sentarte en la mesa? Aparta la fecha.