Autor: Pryz Hill

La crisis ambiental que enfrenta Xochimilco llega al escenario a través de una propuesta escénica que combina investigación científica, teatro documental y el universo de los títeres. Astillero Teatro presentará “Ayólotl: corazón de agua”, una producción escrita y dirigida por Oswaldo Valdovinos que pone el foco en la amenaza de extinción del ajolote y el deterioro del ecosistema lacustre del sur de la Ciudad de México.

Con una trayectoria de más de dos décadas dedicada al teatro de títeres para las infancias, la compañía apuesta en esta ocasión por una puesta en escena que trasciende el entretenimiento y acerca al público joven a una problemática ambiental mediante recursos escénicos sustentados en hechos reales.

La historia forma parte del proyecto interinstitucional “Vocaciones Científicas”, iniciativa impulsada por la Unidad Profesional Interdisciplinaria de Ingeniería y Ciencias Sociales y Administrativas (UPIICSA) del Instituto Politécnico Nacional (IPN), la Cooperativa Cultural Chinampayolo y el área de Innovación Cultural de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México. El objetivo consiste en trasladar al lenguaje teatral los datos obtenidos por investigaciones científicas del IPN, integrándolos a una experiencia artística accesible para las nuevas generaciones.

La dramaturgia fue construida a partir de testimonios recopilados mediante entrevistas realizadas a integrantes de la Cooperativa Chinampayolo. Esas voces documentan situaciones que afectan a Xochimilco, entre ellas la expansión urbana, el turismo nocivo, la contaminación provocada por aguas negras y el abandono de las actividades agrícolas por parte de las nuevas generaciones. Todos estos elementos son transformados en imágenes escénicas que representan el impacto humano sobre el ecosistema.

Para desarrollar esta narrativa, la producción emplea títeres de mesa con manipulación directa y títeres-objeto. En escena aparecen figuras como las “máquinas-monstruo”, el “monstruo-fumigador” y las “trajineras alcohólicas”, recursos visuales que simbolizan las distintas amenazas que enfrenta el hábitat del ajolote.

La obra también incorpora elementos de la cosmovisión prehispánica de la región, retomando la idea de que “cuando los ajolotes desaparezcan, el ser humano también lo hará”. A partir de esa premisa, el montaje desarrolla un desenlace que dirige la atención hacia la participación colectiva mediante el personaje de Xóchitl, una niña decidida a enfrentar las consecuencias del impacto ambiental en los canales de Xochimilco.

El elenco está integrado por María Teresa Adalid Martí, quien interpreta a Xóchitl, Ajolote bebé y Pez tilapia; Oswaldo Valdovinos, en los papeles de Tío Felipe, Ajolote 1, Casas y Fumigador; Itzel Casas, como Ajolote 2, Excavadora, Casas y Pez carpa; y Yarazai Simbrón, quien da vida a Ajolote, Bulldozer y Casas.

El equipo creativo está conformado por Astillero Teatro en el diseño de escenografía, títeres y objetos; Itzel Casas en el diseño de iluminación; Daniel de Jesús Pérez en la música original y el diseño sonoro junto con Oswaldo Valdovinos; María Teresa Adalid como productora ejecutiva; Gustavo Linares en el traspunte; mientras que la dramaturgia y dirección corresponden a Oswaldo Valdovinos.

“Ayólotl: corazón de agua” ofrecerá una temporada de seis funciones los sábados y domingos a las 13:00 horas, del 11 al 26 de julio, en el Centro Cultural y Académico Teatro Casa de la Paz. El proyecto fue realizado con el apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC).

La historia de uno de los fenómenos televisivos más reconocidos de los últimos años entra en su capítulo definitivo. Ahora se encuentran disponibles, exclusivamente en Disney+, todos los episodios de la quinta y última temporada de El Oso, la producción original de FX que, desde su estreno en 2022, acumuló 21 premios Emmy y conquistó a millones de espectadores con el intenso retrato del restaurante encabezado por Carmen “Carmy” Berzatto, interpretado por Jeremy Allen White.

El recorrido de la serie comenzó con un punto de quiebre para su protagonista. Tras la muerte inesperada de su hermano Mikey, Carmy regresó a Chicago para hacerse cargo de la modesta sandwichería familiar. Mientras enfrentaba las consecuencias del duelo y una compleja historia marcada por conflictos familiares, el chef decidió transformar el negocio en un restaurante de alta cocina llamado El Oso, un proyecto donde buscó llevar al límite su formación y experiencia gastronómica.

Durante cuatro temporadas, la evolución del restaurante estuvo acompañada por constantes desafíos económicos, tensiones laborales y conflictos personales. En ese proceso, Carmy reunió a un equipo integrado por Sydney, Richie, Marcus, Tina y Natalie, quienes también desarrollaron trayectorias determinantes dentro de la historia mientras el restaurante intentaba consolidarse como una propuesta gastronómica de alto nivel.

La producción también construyó una identidad visual muy definida. Las cocinas se convirtieron en escenarios de ritmo acelerado gracias al uso de cámaras en permanente movimiento, planos cerrados y una fotografía que reforzó la intensidad de cada servicio y la presión que enfrentaban sus personajes.

La cuarta temporada mostró al restaurante funcionando como una experiencia culinaria consolidada, aunque el gran objetivo de Carmy seguía pendiente: obtener una estrella Michelin. Paralelamente, cada integrante del equipo enfrentó retos personales y profesionales que ampliaron el desarrollo de la historia.

Sydney consolidó su crecimiento hasta convertirse en socia creativa de Carmy. Su evolución estuvo marcada por el reconocimiento profesional, la preparación para asumir mayores responsabilidades y una decisión que reafirmó su compromiso con el restaurante.

Richie dejó atrás la actitud impulsiva que lo caracterizó al inicio para encontrar un propósito dentro del proyecto gastronómico, al mismo tiempo que reconstruía la relación con su hija tras la separación de su esposa.

Marcus continuó perfeccionando su talento como chef pastelero mientras afrontaba la muerte de su madre, una de las pérdidas más significativas de su vida. Al cierre de la cuarta temporada fue reconocido por la revista Food & Wine como uno de los “Mejores Chefs”, reflejo del trabajo que desarrolló dentro del restaurante.

Por su parte, Tina siguió fortaleciendo sus habilidades culinarias mediante una preparación constante fuera del trabajo. Sin embargo, las nuevas exigencias técnicas dentro de la cocina pusieron a prueba su confianza y la llevaron a compartir aspectos personales mientras buscaba consolidarse profesionalmente.

La historia de Carmy también profundizó en sus problemas de ansiedad, su obsesión por la perfección y la compleja relación con su madre, Donna, interpretada por Jamie Lee Curtis. Durante todo ese proceso, Natalie desempeñó un papel clave como apoyo administrativo y emocional para mantener en marcha el restaurante.

El cierre de la cuarta temporada modificó por completo el rumbo de la historia. Abrumado por la presión y convencido de que necesitaba atender sus propios conflictos emocionales, Carmy anunció su salida del restaurante. “Creo que hice esto para no tener que hacer otras cosas”.

Con esa decisión, Sydney, Richie y Natalie quedaron al frente de un negocio que continúa enfrentando importantes deudas, escenario que define el punto de partida de la quinta y última temporada.

Además de sus reconocimientos y actuaciones, El Oso logró consolidarse como una de las producciones televisivas con mayor impacto cultural de la década. A lo largo de sus temporadas abordó temas como el duelo, la salud mental, los traumas familiares, las relaciones humanas, la presión laboral y la búsqueda de propósito, elementos que acompañaron el desarrollo de cada uno de sus personajes.

Con el estreno de sus episodios finales, la historia de Carmy, Sydney, Richie y el resto del equipo llega a su desenlace, cerrando un recorrido que convirtió a El Oso en una de las series más influyentes de los últimos años. Desde hoy, la temporada final ya puede verse completa y en exclusiva a través de Disney+.

La campaña de expectativa que durante días apareció en diversas ciudades del mundo finalmente reveló su propósito: Taylor Swift formará parte de TOY STORY 5 con una canción original creada exclusivamente para la nueva película de Disney y Pixar.

El anuncio confirma que la cantante, ganadora de 14 premios GRAMMY®, estará presente en uno de los estrenos cinematográficos más importantes del próximo verano con el tema “I Knew It, I Knew You”, una composición que acompañará la nueva aventura de Woody, Buzz Lightyear, Jessie y el resto de los juguetes cuando la cinta llegue a los cines el 17 de junio de 2026.

La noticia llega después de una estrategia promocional que despertó especulaciones entre seguidores de la artista y de la franquicia animada. Durante el fin de semana aparecieron carteles con las letras “TS” en ciudades como Los Ángeles, Chicago, Dallas, San Francisco, Toronto, Ciudad de México y Londres. La coincidencia entre las iniciales de Taylor Swift y Toy Story alimentó las teorías que finalmente quedaron confirmadas con el anuncio oficial.

La colaboración va más allá de una participación musical. Swift escribió y produjo la canción junto a Jack Antonoff, uno de sus colaboradores más frecuentes, para integrarla directamente a la historia de TOY STORY 5. El tema está inspirado en el recorrido de Jessie, personaje que debutó en TOY STORY 2 y que volverá a tener un papel relevante en esta nueva entrega.

“I Knew It, I Knew You” llegará a las plataformas digitales el próximo 5 de junio y posteriormente formará parte del álbum oficial de la película, cuyo lanzamiento está previsto para el 19 de junio. Paralelamente, comenzaron las preventas de tres ediciones especiales en formato CD a través del sitio oficial de la cantante. Cada una incluirá la versión utilizada en la película, además de interpretaciones exclusivas en formato acústico y piano.

La participación de Swift fue destacada por Andrew Stanton, director y guionista de TOY STORY 5, quien aseguró que la artista conectó de inmediato con la historia de Jessie y con el papel que desempeña dentro de la narrativa de la película.

La producción también marca un acercamiento de la cantante a los sonidos country que definieron el inicio de su carrera artística, integrándolos a una composición creada específicamente para el universo de Pixar.

En TOY STORY 5, los juguetes enfrentarán un escenario diferente al de entregas anteriores. La llegada de Lilypad, una nueva tableta con ideas propias sobre la forma de entretener a Bonnie, pondrá a prueba el lugar que ocupan Woody, Buzz Lightyear, Jessie y sus compañeros en un mundo cada vez más dominado por la tecnología.

La película cuenta con las voces en inglés de Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack y Greta Lee. Stanton dirige el proyecto junto con Kenna Harris, mientras que Lindsey Collins participa como productora. La música original vuelve a estar a cargo de Randy Newman, responsable de la banda sonora de las anteriores películas de la saga.

Con el anuncio de esta colaboración, Disney y Pixar incorporan una de las figuras más influyentes de la industria musical actual a una franquicia que prepara su regreso a la pantalla grande después de años de expectativa. 

La nueva película STAR WARS: THE MANDALORIAN AND GROGU, ya disponible en cines, coloca nuevamente a Grogu en el centro de la conversación global. Lo que comenzó hace algunos años como un personaje presentado en una serie de streaming se ha convertido en una de las figuras más reconocibles de la franquicia, respaldada por un complejo trabajo de creación, desarrollo técnico y construcción narrativa.

Detrás de cada aparición del pequeño compañero de Din Djarin existe una maquinaria integrada por especialistas de distintas disciplinas que trabajaron para trasladar al personaje a la pantalla grande sin perder los rasgos que lo convirtieron en uno de los favoritos del público.

La historia de Grogu comenzó mucho antes de su debut en Star Wars: The Mandalorian en 2019. Jon Favreau y Dave Filoni dieron forma al personaje durante una serie de viajes de trabajo. Según recordó Favreau, las primeras ideas nacieron mientras ambos volaban de un lugar a otro y Filoni realizaba bocetos sobre servilletas. Aquellos dibujos se transformaron posteriormente en la base del diseño definitivo.

El proceso continuó en Lucasfilm bajo la supervisión de Doug Chiang y más tarde pasó a Legacy Effects, donde se desarrollaron las marionetas, los sistemas animatrónicos y todos los elementos visuales que terminaron definiendo la apariencia del personaje.

Para la producción de STAR WARS: THE MANDALORIAN AND GROGU, alrededor de cien artistas y técnicos participaron directamente en la construcción y perfeccionamiento de Grogu. Diseñadores, escultores, especialistas en moldes, pintores, técnicos en animatrónica y expertos en efectos visuales trabajaron de manera conjunta para lograr que cada detalle de la piel, los ojos, el movimiento y las expresiones resultara convincente en pantalla.

El reto se trasladó después al set de filmación. Cada escena protagonizada por Grogu exigió una coordinación precisa entre los operadores encargados de darle vida. J. Alan Scott, cofundador de Legacy Effects, explicó que el personaje podía incorporar hasta 30 servomotores y requería la participación simultánea de al menos cuatro personas durante las grabaciones. La comunicación constante entre todos ellos permitía sincronizar movimientos, gestos y reacciones en tiempo real.

Pedro Pascal destacó el nivel de dedicación involucrado en cada interpretación del personaje. “El equipo de titiriteros de Grogu pone el corazón al 120 por ciento en cada mínimo detalle y en cada momento emotivo de ese niño. Lo comprenden totalmente. Prestan atención a absolutamente todo lo que está sucediendo en una escena, y cómo reaccionaría Grogu ante eso”.

La influencia del personaje también alcanzó a los nuevos integrantes del elenco. Sigourney Weaver, quien debuta en la saga como la coronel Ward, desarrolló una conexión especial con Grogu durante la producción. La actriz relató que gran parte de su atención se centraba en el personaje, mientras que Favreau reveló que solía interactuar con él entre tomas, cargarlo y buscar fotografías junto a él. Esa dinámica terminó reflejándose dentro de la propia historia.

Mientras el trabajo técnico avanzaba, los realizadores también impulsaron una nueva etapa para el personaje dentro de la narrativa. Favreau y Filoni aprovecharon la película para ampliar su desarrollo tras los acontecimientos vistos en The Mandalorian. La historia retoma el entrenamiento que recibió junto a Luke Skywalker y su formación como aprendiz mandaloriano.

Con ese punto de partida, la película lleva a Grogu hacia nuevos escenarios y desafíos, mientras Din Djarin asume la tarea de prepararlo para lo que vendrá. “Es hora de que Grogu salga a la arena y de que su padre le enseñe los trucos del oficio”, añadió el realizador.

El universo mutante vuelve a ponerse en marcha con una situación que altera por completo el equilibrio conocido. Lejos de aparecer reunidos y preparados para una nueva misión, los integrantes de los X-Men enfrentan un escenario marcado por la separación y la incertidumbre en la segunda temporada de X-Men ’97, producción de Marvel Animation que llegará a Disney+ el próximo 1 de julio.

El adelanto difundido por la plataforma muestra a los héroes dispersos en distintas etapas del tiempo. Cada uno deberá enfrentar las consecuencias de encontrarse lejos de su época mientras intenta encontrar la forma de regresar. La historia retoma los acontecimientos que dejaron a los mutantes divididos y convierte esa fractura en el eje principal de la nueva entrega.

Mientras el equipo permanece alejado de la década de los noventa, el mundo que dejaron atrás comienza a transformarse. La falta de los X-Men abre espacio para la aparición de enemigos sospechosos y para el surgimiento de nuevas expresiones de intolerancia dirigidas contra los mutantes. Ese contexto se convierte en uno de los principales desafíos que deberán afrontar cuando intenten recuperar su lugar.

La nueva temporada estará integrada por nueve episodios y reunirá nuevamente a varias de las voces que han dado identidad a los personajes de la serie. Ross Marquand interpreta al Profesor X, Matthew Waterson da voz a Magneto, Ray Chase regresa como Cíclope, Jennifer Hale interpreta a Jean Grey, Alison Sealy-Smith vuelve como Tormenta, Cal Dodd participa como Lobezno, Lenore Zann interpreta a Rogue y George Buza presta su voz a Bestia.

El regreso de la producción ocurre después de que su primera temporada alcanzara una importante respuesta entre la audiencia de Disney+, ubicándose entre las series animadas originales más vistas de la plataforma de acuerdo con las horas de reproducción acumuladas a nivel mundial. 

La recepción también se reflejó en el reconocimiento de la crítica, que le otorgó la certificación Certified Fresh y una puntuación del 99 por ciento en Rotten Tomatoes. Además, la serie obtuvo una nominación a los premios Emmy.

Detrás de esta nueva entrega continúan Brad Winderbaum, Kevin Feige, Louis D’Esposito, Dana Vasquez-Eberhardt, Julia Lewald, Eric Lewald, Larry Houston y Beau DeMayo como productores ejecutivos. Jake Castorena participa como productor supervisor, mientras que los guiones fueron desarrollados por JB Ballard, Beau DeMayo, Bailey Moore, Antony Sellitti, Brian Ford Sullivan y Mariah Wilson. La dirección de los episodios estuvo a cargo de Emmett Yonemura y Chase Conley. Con el lanzamiento del tráiler ya disponible, la cuenta regresiva para el regreso de los mutantes ha comenzado. La nueva temporada retomará la historia con un equipo fragmentado, un mundo que cambió durante su ausencia y una lucha que se extiende a través de distintas épocas.

El universo animal se convierte en el eje de la nueva producción de Disney y Pixar que llega a Disney+ el próximo 3 de junio. La plataforma incorporará a su catálogo Hoppers: Operación Castor, una comedia animada que utiliza la tecnología como punto de partida para llevar a los espectadores al interior de una comunidad de animales que permanece fuera de la vista humana.

La historia presenta a Mabel, una apasionada de la fauna que tiene acceso a una herramienta tecnológica capaz de trasladar su conciencia a un castor robótico de apariencia realista. A partir de ese momento, la protagonista deja de ser una simple observadora y pasa a formar parte de un entorno gobernado por reglas propias, donde descubre la compleja dinámica que existe entre distintas especies.

La llegada de la cinta a Disney+ pone en primer plano una propuesta narrativa que combina aventura, humor y naturaleza. Desde la perspectiva de un animal, Mabel explora un territorio desconocido y establece vínculos con los habitantes de ese ecosistema, entre ellos George, un castor que ocupa una posición central dentro de la comunidad.

Lo que comienza como una oportunidad para comprender mejor la vida salvaje se transforma en una misión de mayores dimensiones. Conforme avanza la historia, una amenaza humana se aproxima al territorio animal, obligando a los distintos integrantes de la fauna a organizarse. En ese escenario, Mabel participa en los esfuerzos para reunir al reino animal frente al peligro inminente.

La producción mantiene elementos característicos de Pixar al combinar momentos de comedia con secuencias de acción y descubrimiento. La trama se desarrolla alrededor de un mundo oculto que cobra protagonismo a través de una tecnología que permite la comunicación directa entre humanos y animales.

Previo a su estreno en la plataforma, Hoppers: Operación Castor obtuvo las certificaciones Fresh™ y Verified Hot de Rotten Tomatoes®, reconocimientos que acompañan el lanzamiento de esta nueva apuesta animada. La película cuenta con la dirección de Daniel Chong, la producción de Nicole Paradis Grindle, guion de Jesse Andrews y música original compuesta por Mark Mothersbaugh.

Con su incorporación a Disney+, la producción abre las puertas a una aventura centrada en la convivencia entre especies, la exploración de la naturaleza y una experiencia que sitúa a los espectadores dentro de un mundo animal que habitualmente permanece oculta.

La historia de Liliana Rivera Garza llegará por primera vez a los escenarios de México con la adaptación teatral de El invencible verano de Liliana, la obra escrita por Cristina Rivera Garza que se convirtió en uno de los títulos más relevantes de la literatura contemporánea en español y que obtuvo el Premio Pulitzer de Memorias y Autobiografía 2024.

La actriz Cecilia Suárez encabeza esta producción como protagonista y también como productora asociada. El proyecto reúne a Late Producciones, dirigida por Oscar Carnicero, y Magnífico Entertainment, encabezada por Claudio Sodi. Ambas compañías mantienen además una colaboración con la productora teatral Tresillo en España, alianza desde la que se impulsó esta puesta en escena internacional que conecta a México y Europa alrededor de una historia atravesada por la memoria y la reconstrucción personal.

Antes de su llegada a México, la obra tuvo una temporada en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid, donde inició su recorrido escénico. Ahora, la producción prepara una gira nacional y posteriormente una ruta internacional por distintos países de Latinoamérica.

La dramaturga Amaranta Osorio fue la encargada de realizar la adaptación teatral del libro, mientras que la dirección quedó en manos de Juan Carlos Fisher, reconocido por montajes como Prima Facie, La madre y Las gratitudes. La propuesta escénica construye una narrativa íntima apoyada en los materiales documentales y emocionales que forman parte de la obra original.

La historia reconstruye la vida de Liliana Rivera Garza, asesinada en 1990 por su expareja. Décadas después, Cristina Rivera Garza transformó diarios, cartas, apuntes y recuerdos familiares en un ejercicio de memoria, dignidad y resistencia que alcanzó repercusión internacional entre lectores de distintos países.

La puesta en escena incorpora esa dimensión documental para trasladar al escenario la voz de Liliana a partir de sus propias palabras, dentro de una propuesta que apuesta por una mirada profundamente humana sobre los hechos narrados en el libro.

La gira nacional comenzará el 20 de agosto en el Teatro de la Ciudad de Monterrey. Posteriormente llegará al Conjunto Santander de Artes Escénicas de Guadalajara los días 28 y 29 de noviembre; al Teatro Armando Manzanero de Mérida el 3 de diciembre; al Teatro Estudio del Teatro del Bicentenario Roberto Plasencia Saldaña de León el 5 de diciembre; y al Teatro Juárez de Guanajuato el 6 de diciembre.

Después de ese recorrido, El invencible verano de Liliana tendrá una temporada especial de ocho funciones en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque, en Ciudad de México, los días 10, 11, 13, 14, 17, 18, 19 y 20 de diciembre.

La producción continuará su trayecto internacional en enero de 2027 con funciones programadas en Chile, Colombia, Perú y Argentina, ampliando el alcance de una obra que desde su publicación también recibió reconocimientos como los premios Xavier Villaurrutia, José Donoso, Rodolfo Walsh y Mazatlán de Literatura.

Con esta adaptación, la historia escrita por Cristina Rivera Garza llega al teatro como un espacio de memoria colectiva y reflexión sobre la violencia de género, la justicia y la permanencia del recuerdo.

El director mexicano Carlos Santos prepara el estreno de su nueva película, Loco México Mágico, una comedia que llegará a las salas del país el próximo 13 de agosto bajo la distribución de Cinépolis Distribución. El proyecto representa la cuarta cinta dirigida por Santos, después de títulos como Chilangolandia, Señora Influencer y ¡Qué huevos, Sofía!.

La producción también marca un momento importante en la carrera de Daniel Sosa, quien asume por primera vez un papel principal en cine. El comediante se convirtió además en el primer mexicano en realizar una gira con Comedy Central, consolidando una trayectoria que ahora se expande a la pantalla grande.

La historia se desarrolla en Alvarado, donde un alcalde toma la decisión de filmar una película con estilo hollywoodense para convertir a su pueblo en un destino turístico internacional. El plan comienza a complicarse desde el inicio porque nadie dentro de la producción tiene experiencia haciendo cine. En medio de ese escenario aparece un camarógrafo de fiestas de XV años convertido en director y una estrella pop que termina involucrada en el proyecto bajo engaños.

Con ese contexto, todo el pueblo termina participando en una filmación marcada por situaciones desordenadas, accidentes y momentos absurdos. La cinta apuesta por el humor característico de Carlos Santos para retratar distintos aspectos de la vida cotidiana en México, combinando comedia con referencias sociales y una mirada al ingenio con el que las personas enfrentan problemas inesperados.

Además de desarrollar una historia sobre el caos detrás de una producción cinematográfica improvisada, la película también aborda la relación entre México y Estados Unidos, destacando la presencia y relevancia de la comunidad latina desde una narrativa enfocada completamente en la comedia y en la cultura mexicana.

El elenco está encabezado por Silverio Palacios, actor con más de tres décadas de trayectoria y recordado por trabajos en Matando Cabos, Y tu mamá también, El Tigre de Santa Julia y La delgada línea amarilla. También ha participado en producciones televisivas como Run Coyote Run y Hernán.

Junto a él aparece Daniel Sosa, cuya carrera incluye proyectos como Una Mujer Sin Filtro, Renta Congelada, Y llegaron de noche y ¿Quién es la máscara?. Su trayectoria también contempla trabajos de doblaje, el programa Cosa Seria y presentaciones en escenarios como el Auditorio Nacional y el Vive Latino.

El reparto se completa con Fernando Cuautle, conocido por películas como Nuevo orden, Sin señas particulares y Heroico, quien en esta ocasión participará en un registro completamente orientado a la comedia. También forman parte del elenco Sofía Carrera y Rocío Guzmán. La película cuenta con producción de Fernanda Meza y con guion escrito por el propio Carlos Santos, quien además dirige el proyecto.

La vida de Travis Barker llegará a la pantalla con un nuevo documental original que mostrará el recorrido personal y profesional del músico después del accidente aéreo que marcó un antes y un después en su historia. Travis Barker: más fuerte que el miedo estrenará el próximo 13 de agosto en Disney+ para Latinoamérica y otros mercados internacionales, mientras que en Estados Unidos estará disponible a través de Hulu.

Antes de su llegada a streaming, la producción tendrá una primera presentación mundial en el Festival de Tribeca el sábado 13 de junio. La proyección incluirá además una conversación especial con el propio Barker, figura clave del pop punk y uno de los bateristas más reconocidos de su generación.

El documental tardó diez años en completarse y plantea un retrato íntimo del músico, desde sus inicios lejos de los escenarios hasta los momentos más complejos de su carrera. La historia recupera la etapa en la que Barker trabajaba como recolector de basura en Laguna Beach antes de integrarse como reemplazo del baterista de Blink-182, decisión que detonó el crecimiento de la agrupación y lo convirtió en uno de los nombres más influyentes dentro de la escena musical.

La película también profundiza en las consecuencias emocionales y físicas derivadas del accidente aéreo que casi le cuesta la vida. A través de testimonios de colaboradores, figuras culturales y personas cercanas a Barker, el proyecto expone el impacto de la fama, el duelo y la lucha constante entre seguir adelante o rendirse frente al dolor.

El filme está dirigido por Justin Krook y Michael Dwyer, con producción de Matthew Weaver y Nick Stern. Entre los productores ejecutivos aparecen Lawrence Vavra y John Janick. La producción corre a cargo de Media Weaver Entertainment.