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Una habitación de hotel en México, un secuestro inesperado y un enfrentamiento cargado de tensión ideológica son el punto de partida de Borges no estaba ciego, una propuesta escénica que apuesta por una experiencia completamente sensorial para replantear la figura del escritor argentino Jorge Luis Borges desde un territorio poco convencional. La obra llegará al Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico con funciones de fin de semana del 30 de mayo al 7 de junio de 2026.

La historia coloca al célebre autor en una situación límite: dos jóvenes guerrilleros lo retienen con la intención de obligarlo a grabar un mensaje revolucionario. Aunque ambos admiran profundamente su obra literaria, el encuentro deriva en un intenso intercambio verbal donde se cruzan el humor, la ironía, las contradicciones políticas y distintas posturas ideológicas.

La puesta en escena, escrita por Enrique Olmos de Ita y dirigida por Claudia Rivera Carrera, es presentada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el Centro Cultural Helénico y la compañía Neurodrama A.C.. La producción propone una inmersión neuroestética desarrollada completamente a oscuras, donde el público deja de depender de la vista para sumergirse en un universo construido a partir del sonido, los aromas, el tacto y la imaginación.

La experiencia desplaza el centro de atención hacia otros sentidos para construir una narrativa en la que cada asistente reconstruye la realidad desde una percepción personal. El montaje utiliza la ausencia de luz como recurso dramático y convierte la ceguera en un lenguaje escénico que redefine la relación entre espectadores y personajes.

Además del componente inmersivo, la obra explora la distancia entre la figura pública y la dimensión humana del artista. A través del humor y la ironía, el texto confronta la manera en que se construyen los mitos alrededor de personajes admirados y aquello que suele ignorarse detrás de sus imágenes idealizadas.

El elenco está integrado por Lourdes Pérez Cesari, Daniel Serrano y Darío Pantaleón. La producción general corre a cargo de Gabriela González Trujano, con asistencia de producción de Febe López García y asistencia de dirección de Leilani Ocaña. El equipo creativo también incluye a Sthepany Gámez Rojas, Scarlet Andrea Garduño, María de Lourdes Miramontes, Emmanuel Vega y Fany Olguín.

Las funciones se realizarán los sábados y domingos a las 20:00 horas en el Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico. Los boletos tienen un costo de 214 pesos y pueden adquirirse en las taquillas del recinto, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en Centro Cultural Helénico.

La poesía de Jaime Sabines se transforma en una experiencia escénica que combina palabra, movimiento y músicacon el estreno de Adán/Eva, Sabines a flor de piel, un montaje interdisciplinario que conmemora el centenario del nacimiento del poeta chiapaneco (1926–2026). La propuesta se presentará del 16 al 30 de marzo de 2026 en el Teatro Helénico de la Ciudad de México, con funciones los lunes a las 20:00 horas.

El espectáculo surge de la pregunta que impulsa su concepto artístico: ¿es posible vivir la poesía en carne propia? A partir de esta idea, la obra convierte los versos de Sabines en una experiencia escénica donde danza, teatro y música se entrelazan para resignificar la fuerza emocional de su obra. La actriz, soprano y compositora Ana Bitrán es la encargada de dar voz al poeta, mientras que el creador escénico Marco Antonio Silva, autor y director del proyecto, desarrolla el concepto junto con la coreógrafa Isabel Beteta para traducir la palabra en movimiento.

El montaje es una colaboración entre la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el Centro Cultural Helénico, UTOPÍA Danza–Teatro, Nemian Danza Escénica y Los Corpógrafos. La propuesta plantea un recorrido cronológico por el universo literario de Sabines, uno de los autores más influyentes de la poesía mexicana del siglo XX.

En escena, la obra se construye a partir de textos emblemáticos como Los amorosos, Lento animal amargo animal y Yo no lo sé de cierto, piezas que abordan temas como el amor, la pérdida, la soledad y el asombro ante la vida. A través de la interpretación vocal, el movimiento coreográfico y un diseño sonoro envolvente, la puesta busca acercar estos poemas a nuevas generaciones de espectadores.

“Esta obra no solo rinde homenaje al legado de Sabines, también fomenta la lectura y crea nuevos públicos para el arte contemporáneo en el país”, explicó Marco Antonio Silva.

El montaje también contará con participaciones especiales a lo largo de la temporada, con figuras como Regina Blandón, Fernanda Castillo, Emma Dib, Arón Bitrán, Jaime López, José María de Tavira, Alejandro Calva, Alberto Estrella y Humberto Vélez Tercero.

En el escenario, los intérpretes Isabel Beteta, Carolina Ureta, Saúl Gurrola e Iván Flores, provenientes de las compañías Nemian Danza Escénica y Los Corpógrafos, construyen la dimensión física del espectáculo al traducir la poesía en coreografía. El diseño sonoro de Joaquín López Chas completa la atmósfera del montaje, donde música, silencio y voz dialogan para envolver al público.

Los boletos tienen un costo de 344 pesos y se encuentran disponibles en las taquillas del Centro Cultural Helénico y en su sitio web. Además, hasta el 15 de marzo hay una preventa con 50 por ciento de descuento. Con esta propuesta, Adán/Eva, Sabines a flor de piel busca acercar la poesía al escenario y convertirla en una experiencia sensorial que conecta el lenguaje del verso con el cuerpo y la emoción.

AlMa Arte Escénico y En Su Tinta Producciones presentan El tren matraca, un espectáculo multimedia interdisciplinario creado por María Sánchez y Alberto Lomnitz, concebido especialmente para las primeras infancias. La obra propone una experiencia sensorial que combina teatro, títeres, música, danza y video para acercar al público infantil a la riqueza natural y cultural del país, con un enfoque claro en la diversidad, los lazos afectivos y el respeto por la naturaleza.

La historia se articula a través de María, una niña de cuatro años que realiza su primer viaje en tren acompañada de su madre. El trayecto ocurre a bordo del emblemático tren Chepe, que cruza la Sierra Tarahumara rumbo al mar, con destino a La Paz, donde vive su abuela. A lo largo del recorrido, el paisaje se transforma en un espacio vivo de descubrimiento, donde la geografía se entrelaza con las historias, los afectos y los encuentros humanos.

Durante este viaje, María enfrenta sus miedos, fortalece el vínculo con su mamá y establece una amistad con Martina, una niña rarámuri que le muestra otra forma de habitar el mundo. A partir de esta relación, la protagonista aprende a valorar la naturaleza, la diversidad cultural y la convivencia, en un proceso que amplía su mirada y refuerza su identidad emocional. La experiencia del trayecto no solo revela la belleza del entorno, sino también la importancia de las conexiones humanas que surgen en el camino.

Para sus creadores, “esta puesta en escena se transforma en un lienzo vivo que rinde tributo a la biodiversidad del noroeste mexicano y a la presencia de sus comunidades. A través de la mirada de María, buscamos proyectar el legado cultural de México y despertar la sensibilidad estética desde los primeros años de vida”. En ese sentido, El tren matracaintegra valores esenciales para el desarrollo infantil, como los lazos afectivos, las habilidades sociales y la fortaleza emocional, promoviendo la empatía, la valentía y la convivencia pacífica.

La obra se presentará del 1 de febrero al 19 de abril en el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque, ubicado en Paseo de la Reforma y Campo Marte, en la Ciudad de México. El elenco está integrado por María Sánchez, Paulina Soto Oliver, Anai Zuñiga Perez, Susi Estrada y Diego Santana. El equipo creativo reúne a especialistas en dramaturgia, multimedia, música, movimiento, títeres y diseño escénico, consolidando una propuesta que invita a las infancias a mirar el país como un territorio de encuentro, diversidad y cuidado compartido.

El Teatro Helénico iniciará su programación de 2026 con Mr. Gwyn, una puesta en escena basada en la obra homónimadel escritor italiano Alessandro Baricco, que propone una reflexión íntima sobre la necesidad de reconectar con el otro en un mundo marcado por la velocidad y la sobreexposición. La obra se presentará del 15 de enero al 15 de febrero de 2026, con funciones de jueves a domingo, como parte de la cartelera impulsada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con Humareda, 25 Producción y Bauter and Partners.

La dramaturgia, escrita por Juan Cabello y dirigida por Alonso Íñiguez, se adentra en la historia de Jasper Gwyn, un escritor que, en el punto más alto de su carrera, decide renunciar al prestigio y al reconocimiento para emprender una búsqueda personal. En ese proceso, crea un oficio inusual: retratar personas con palabras, no desde su apariencia exterior, sino desde aquello invisible que emerge cuando alguien es observado con atención absoluta. La escritura se transforma así en un acto de intimidad, capaz de tocar el cuerpo, habitar la belleza y nombrar lo esencial.

La puesta en escena se construye como una experiencia sensorial que articula cuerpo, luz y palabra. En un contexto donde la producción constante y la exposición permanente parecen ineludibles, la decisión del protagonista de optar por el silencio y la pausa se presenta como un gesto radical. La obra plantea un espacio donde la palabra deja de ser mercancía para convertirse en encuentro, y donde la literatura funciona como una vía de acceso a la memoria, la sensibilidad y la experiencia profunda del otro.

Reconocida como una pieza clave de la literatura contemporánea y traducida a más de treinta idiomas, la obra de Baricco encuentra en este montaje una propuesta escénica sobria y precisa. La relación directa con el espectador, así como el uso concentrado de la imagen y el espacio, construyen una experiencia de alta intensidad emocional que amplía los límites del relato teatral.

El elenco está integrado por Mauricio García Lozano, Angélica Bauter, Arturo Reyes, Alejandro Morales, Lucero Trejo, Assira Abbate, Ana Sofía Gatica, Jacobo Lieberman, Abraham Jurado y Luis Ra Acosta, junto a los cuerpos artísticos conformados por Silvia Herida, Alejandro Arreola, La Nars, Marina Ortíz y Enrique Cervantes. El equipo creativo incluye a Mauricio Ascencio en el diseño de escenografía, iluminación y vestuario, Jacobo Lieberman en el diseño sonoro y David Castillo en la producción ejecutiva, entre otros colaboradores.

Mr. Gwyn se presentará en el Teatro Helénico con funciones los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas. El costo del boleto es de 410 pesos. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, en avenida Revolución 1500, o a través de helenico.gob.mx.

Entre luces cálidas y sombras profundas, Mario Iván Martínez vuelve a los escenarios con una pieza que trasciende la actuación para convertirse en una experiencia sensorial: Van Gogh, un girasol contra el mundo. Escrita y protagonizada por él mismo, y bajo la dirección de Luly Rede, la obra invita a sumergirse en la mente de uno de los artistas más enigmáticos y apasionados del arte moderno.

El Teatro Royal del Pedregal será el lienzo donde cobrará vida esta travesía escénica durante cuatro jueves consecutivos: 6, 13, 20 y 27 de noviembre de 2025, siempre a las 20:00 horas. Ubicado en Anillo Periférico Sur 4363, al sur de la Ciudad de México, el recinto se transforma esta temporada en el taller y refugio mental del pintor neerlandés. Los boletos ya se encuentran disponibles en taquilla y en las redes oficiales del teatro.

La obra es un retrato íntimo de los últimos años de Vincent van Gogh, un viaje entre el genio y la locura donde Mario Iván Martínez se sumerge en las obsesiones, heridas y visiones del artista. Desde su tormentosa relación con Paul Gauguin hasta los días de encierro en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy, la puesta en escena recorre las luces y sombras de un espíritu que buscó en el color un refugio frente al dolor.

Dirigida por Luly Rede —quien colaboró con Martínez en Diario de un loco, obra galardonada en 2024 con el Premio Metropolitano de Teatro—, esta producción refina la intensidad emocional del texto y la transforma en un ejercicio de introspección donde el gesto mínimo adquiere el peso de una revelación.

El texto de Martínez combina precisión histórica y lirismo. Su proceso creativo lo llevó a recorrer Francia y los Países Bajos, siguiendo los pasos de Van Gogh: desde los campos de Provenza hasta la pensión de Auvers-sur-Oise, donde el pintor vivió sus últimos días. También visitó el MoMA en Nueva York, donde se reencontró con La noche estrellada, la obra que el propio Vincent consideró un fracaso y que hoy simboliza su inmortalidad artística.

En escena, el actor da voz no sólo a Van Gogh, sino también a las figuras que marcaron su historia: su hermano Theo, su cuñada Johanna Bonger, el pintor Paul Gauguin y el doctor Peyron. Todos se entrelazan como reflejos de una mente que nunca dejó de buscar la luz.

La puesta se acompaña con música de Ponce, Debussy, Revueltas y Villa-Lobos, envolviendo al público en una atmósfera que oscila entre la melancolía y la esperanza. Cada nota, cada palabra y cada silencio son parte de un cuadro vivo que respira, vibra y duele.

Con Van Gogh, un girasol contra el mundo, Mario Iván Martínez no sólo interpreta a un artista atormentado: revive su esencia, su locura y su inmenso deseo de transformar el sufrimiento en belleza. En el escenario, el alma del pintor vuelve a pintar con fuego sobre la oscuridad, recordando que el arte siempre florece, incluso cuando el mundo se marchita.

El saxofón más emblemático del jazz moderno volverá a sonar en México en 2026. Kenny G, el músico que ha convertido cada nota en un suspiro universal, regresa al país con una gira que promete ser mucho más que una serie de conciertos: una experiencia sensorial donde la técnica y la emoción se entrelazan para rendir tributo a la música en su forma más pura.

La gira, producida por MusicVibe, contempla tres presentaciones en ciudades clave. El recorrido inicia el 2 de febrero en el Teatro Diana de Guadalajara, continúa el 3 de febrero en el Auditorio BB de la Ciudad de México, y culmina el 4 de febrero en el Auditorio Metropolitano de Puebla. Los boletos estarán disponibles a partir del 4 de noviembre, a través de Ticketmaster y Superboletos, según la sede.

El regreso de Kenny G a territorio mexicano marca un reencuentro con un público que lo ha acompañado durante décadas. Su relación con México ha sido constante y cálida, una conexión que trasciende el tiempo y los géneros. Cada visita se convierte en un ritual de elegancia y sensibilidad, donde el público se deja envolver por ese sonido que parece flotar en el aire antes de tocar el alma.

Con más de 75 millones de discos vendidos y una carrera que supera las cuatro décadas, Kenneth Bruce Gorelick —nombre real del artista— se ha consolidado como una leyenda viva del jazz contemporáneo. Ganador de premios Grammy y creador de éxitos que han cruzado fronteras como “Songbird”, “Silhouette”y “Forever in Love”, Kenny G ha logrado lo que pocos: que su música se convierta en parte de la vida cotidiana de millones de personas.

Su estilo, una fusión entre el jazz clásico y la sutileza del pop instrumental, ha acompañado momentos inolvidables de generaciones enteras. Desde bodas y películas hasta conciertos íntimos, su saxofón soprano se ha transformado en una voz universal capaz de narrar emociones sin palabras.

En esta nueva gira, Kenny G no solo ofrecerá un repertorio de grandes éxitos, sino también una experiencia inmersiva donde cada tema se siente como un viaje interior. Tres noches, tres ciudades y un solo propósito: reconectar con la belleza de la música en su estado más puro.

México se prepara para recibir de nuevo a una leyenda que no necesita presentación, porque su sonido ya vive en la memoria colectiva. El arte vuelve a respirar entre sus notas, y Kenny G promete hacerlo eternouna vez más.