Fueradentro: una historia de amor nacida en prisión que cierra el ciclo Reincidencia Teatral

La obra Fueradentro marca el cierre de Reincidencia Teatral, ciclo penitenciario para un público sospechoso, un proyecto escénico impulsado por SHKSPR & Cía que abre su programación 2026 con una propuesta centrada en el teatro documental y el testimonio. El ciclo, concebido como el primero de tres actos anuales, reúne montajes que exploran el encierro, la violencia, la memoria y la reinvención a partir de experiencias reales, utilizando la escena como espacio de escucha, resistencia y confrontación.

Reincidencia Teatral está integrado por tres obras: Proyectiles: Dispositivo de Reinvención Social, Expediente Durango: bitácora de viaje y Fueradentro. Cada pieza propone un acercamiento distinto a historias atravesadas por la prisión, la ausencia y los procesos de reconstrucción de la vida, colocando al espectador frente a materiales documentales que dialogan directamente con la realidad social.

En este contexto, Fueradentro se presenta como la obra encargada de cerrar el ciclo. Se trata de una pieza de teatro documental escrita, dirigida y protagonizada por Maye Moreno, quien comparte escena con Natacha Lopvet. El montaje narra la historia real de una pareja de mujeres que se conocen en prisión, desarrollan una relación amorosa y enfrentan juntas el tránsito hacia la libertad. La obra se centra en la vida después del encierro, la reconstrucción de los vínculos afectivos y los mecanismos de supervivencia emocional una vez fuera del sistema penitenciario.

La puesta en escena construye un relato íntimo que combina memoria, testimonio y presencia actoral directa, manteniendo el eje documental que caracteriza al ciclo. Fueradentro se inscribe así en la línea de trabajos que entienden el teatro como un espacio para visibilizar experiencias silenciadas y generar un encuentro entre quienes narran y quienes observan.

Las funciones de Fueradentro se llevarán a cabo los lunes 2, 9, 16 y 23 de febrero, a las 20:30 horas, en el Foro Shakespeare / Espacio Urgente 2. El recinto se encuentra ubicado en la calle de Zamora número 7, en la colonia Condesa. El costo del boleto es de 200 pesos, con un descuento del 30 por ciento para estudiantes, maestros e integrantes del INAPAM.

Los boletos pueden adquirirse directamente en la taquilla del Foro Shakespeare, así como a través del sitio oficial foroshakespeare.com. Con este montaje, SHKSPR & Cía concluye el primer acto de su programación anual, reafirmando el interés por un teatro que documenta, registra y pone en escena historias reales como parte de un ejercicio de memoria y encuentro colectivo.

Will Smith desafía los límites del planeta en De Polo a Polo en 100 días en una ambiciosa expedición global

National Geographic estrena el 14 de enero De Polo a Polo con Will Smith, una nueva serie documental original que estará disponible de forma exclusiva en Disney+. La docuserie, compuesta por siete episodios, presenta un recorrido global que lleva al actor y productor a atravesar los ambientes más extremos del planeta, desde el Polo Sur hasta el Polo Norte, con todos los capítulos disponibles desde el día de su lanzamiento.

Tras cinco años de producción, la serie sigue a Will Smith a lo largo de los siete continentes durante una expedición de 100 días. El proyecto, producido por Westbrook Studios, Nutopia y Protozoa, muestra al protagonista enfrentando desafíos físicos y mentales de alto riesgo mientras se adentra en territorios remotos como la Antártida, el Amazonas, el Himalaya, el desierto del Kalahari, las islas del Pacífico y el Ártico. En cada destino, Smith viaja acompañado por científicos, exploradores y expertos locales con el objetivo de descubrir los secretos de los ecosistemas más hostiles de la Tierra.

La narrativa combina exploración, ciencia de vanguardia y relato ambiental con el sello cinematográfico característico de National Geographic. A lo largo de la serie, Smith participa en investigaciones científicas inéditas y establece vínculos con comunidades que conservan conocimientos ancestrales, como los Waorani en el Amazonas y los San en el Kalahari. Estos encuentros aportan una mirada profunda sobre la relación entre el ser humano y la naturaleza, así como sobre los desafíos que enfrenta el planeta.

El propio Will Smith describe la experiencia de la siguiente manera: “Este viaje fue algo completamente distinto a todo lo que hice —hubo momentos en los que pensé que no iba a volver a casa. No solo es una exploración de los límites del planeta, sino de las personas extraordinarias que viven allí”. También agrega: “Desde los hielos más fríos hasta las junglas más profundas, la belleza del mundo me inspiró paso a paso con asombro y esperanza”.

Cada episodio se centra en un entorno específico. El recorrido comienza en El Polo Sur, donde Smith esquía en temperaturas extremas y acompaña a científicos en estaciones de investigación aisladas. Continúa en el Amazonas con dos episodios dedicados a criaturas letales y aguas oscuras, donde enfrenta sus miedos y colabora en estudios sobre tarántulas y anacondas. En El Himalaya, viaja a Bután para explorar el concepto de felicidad en comunidades de gran altitud. Las Islas Pacíficas lo llevan a una isla amenazada por el aumento del nivel del mar, mientras que El Desierto de Kalahari documenta su convivencia con los San. El cierre llega con El Polo Norte, una expedición bajo el hielo junto a científicos polares en condiciones extremas.

Tom McDonald, EVP de Contenido de National Geographic, señala: “Con De Polo a Polo con Will Smith invitamos al público a ver nuestro planeta a través de los ojos de Will —con toda la maravilla, el humor y la humanidad que aporta a cada experiencia”.

De Polo a Polo con Will Smith se presenta como una exploración global que une resistencia, conocimiento científico y relatos humanos, reforzando el compromiso de National Geographic con historias que profundizan en cómo funciona el mundo y por qué importa.

Antígona González: Marina de Tavira da voz al duelo colectivo sobre el escenario

El Teatro El Milagro abrirá sus puertas este 15 de noviembre a una puesta en escena que promete mover fibras profundas: Antígona González, de la escritora mexicana Sara Uribe. Bajo la dirección de Sandra Félix y con la actuación de Marina de Tavira, la obra transforma el escenario en un espacio donde el dolor se convierte en memoria y el arte en una forma de resistencia.

Inspirada en el mito griego de Antígona, esta versión contemporánea traslada la tragedia clásica a la realidad mexicana, donde miles de mujeres buscan a sus familiares desaparecidos. A través de una prosa poética que se vive más que se escucha, Antígona González convierte el teatro en un acto de memoria colectiva y de denuncia ante una herida que aún sangra: la desaparición forzada en el país.

Del 15 de noviembre al 7 de diciembre, el público podrá ser testigo de esta experiencia escénica que combina poesía, minimalismo y fuerza emocional. Las funciones serán de jueves a domingo, con dos presentaciones especiales los miércoles 26 de noviembre y 3 de diciembre. Con solo 16 funciones y un aforo limitado a 100 personas por presentación, la obra invita a vivir una experiencia íntima, donde cada espectador se convierte en testigo de un acto de resistencia artística.

El montaje destaca por su sobriedad y potencia visual. Víctor Zapatero diseña una iluminación que convierte cada sombra en un eco del desierto y cada paso en símbolo de búsqueda. El vestuario, a cargo de Jerildy Bosch, transforma la cotidianidad en metáfora, mientras la música original de Alejandro Castañosconstruye atmósferas que transitan entre lo íntimo y lo desgarrador. La fotografía de Antonia Fritche y el diseño gráfico de Héctor Ortega completan la propuesta visual, bajo la producción ejecutiva de Daniela Parra e Incidente Teatro.

Dirigida a adolescentes y adultos, la puesta en escena busca dialogar con un público amplio, especialmente con colectivos, asociaciones civiles y familias de personas desaparecidas. Antígona González no pretende dar respuestas, sino abrir un espacio para mirar de frente una realidad dolorosa, nombrarla y, sobre todo, no permitir que el silencio la cubra. En cada función, la obra se convierte en un acto poético que rinde homenaje a quienes siguen buscando, y en una invitación a que la memoria se mantenga viva, más allá del escenario.

Vértebra regresa con una intensa catarsis sobre la infancia y la memoria

La compañía Proyecto Granguiñol Psicotrónico reestrena Vértebra en el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque, una puesta en escena que mezcla autoficción, terror y humor ácido para explorar la violencia entre madre e hijo y su impacto en la memoria, el cuerpo y la identidad. La temporada se lleva a cabo del 24 de septiembre al 29 de octubre, con funciones todos los miércoles a las 20 horas.

La obra, escrita y protagonizada por Felipe Alfaza, combina biodrama y performance en un relato íntimoque se adentra en la conexión entre el dolor físico y el emocional. El protagonista, convencido de que su dolor crónico de espalda tiene un origen emocional, se enfrenta a Vértebra, un títere grotesco y maternalcreado por él mismo, símbolo de la violencia recibida durante su infancia y de los recuerdos distorsionados que lo acompañan.

A lo largo de la función, el actor conduce al espectador por escenas pesadillescas en las que lo real y lo simbólico se funden. La atmósfera recuerda al cine de terror y al mismo tiempo incorpora un humor cercano al cabaret, que abre espacio a la reflexión sobre las heridas heredadas y los ciclos de violencia que atraviesan a muchas familias. El resultado es un ritual escénico en el que la confesión personal se convierte en un acto de resistencia y catarsis.

La pieza también cuestiona la figura materna como símbolo intocable dentro de la cultura mexicana. Desde esta perspectiva, propone una mirada crítica y necesaria sobre la maternidad, mostrando tanto sus sombras como sus luces. Con ello, se invita al público a reconocer cómo ciertos modelos de autoridad se repiten de manera inconsciente y cómo es posible romper con ellos para abrir paso a nuevas formas de vivir y relacionarse.

Vértebra tuvo su estreno en marzo de 2025 en el Centro Cultural El 77 y ha transitado por temporadas en el Centro Cultural El Hormiguero y en el Teatro El Milagro. Para este reestreno, el equipo creativo está integrado por Luis Alcocer Guerrero en la dirección e iluminación, Alejandra Vega en la escenografía, Sergio Miron en el vestuario y Fsunami Gil en el diseño sonoro. La dramaturgia contó con la asesoría de Emmanuel Lapin, Abigail Pulido y Estefanía Norato.

La obra ofrece al público un viaje escénico que transita entre el sueño y la memoria, entre lo siniestro y lo poético. Los boletos tienen un costo general de 150 pesos, con descuentos del 50% para estudiantes, maestros y miembros del INAPAM, disponibles en las taquillas del Centro Cultural del Bosque y en el sistema de venta en línea.

Este reestreno confirma a Vértebra como una de las propuestas más provocadoras de la escena contemporánea mexicana, un montaje que abre espacio para hablar del dolor, la identidad y la posibilidad de transformación a través del teatro.

Aún es de noche en Caracas estrena en México tras conquistar festivales internacionales

El cine latinoamericano vuelve a poner el nombre de la región en alto con Aún es de noche en Caracas, una producción que llegó a salas mexicanas el 23 de septiembre, tras un recorrido por algunos de los festivales de cine más prestigiosos del mundo. La cinta, dirigida por Mariana Rondón (Venezuela) y Marité Ugás (Perú), combina un trasfondo político con un thriller de supervivencia que aborda identidad, exilio y resistencia.

El filme tuvo su estreno mundial en la 82ª Mostra de Venecia, donde compitió en la sección Spotlight por el Premio del Público, y desde entonces ha formado parte de la programación del 50º Festival Internacional de Toronto, la Selección Oficial de Biarritz 2025 y próximamente de la Mostra de Cinema de São Paulo, el 51º Festival de Huelva, AFI Washington D.C. y el Festival Internacional de Cine de Morelia. Su llegada a México lo consolida como uno de los títulos latinoamericanos más esperados del año.

La historia está inspirada en la novela La hija de la española de la escritora Karina Sainz Borgo. Ambientada en Caracas durante las protestas de 2017, la trama sigue a Adelaida, interpretada por la actriz colombiana Natalia Reyes. Tras la muerte de su madre, la protagonista se queda sola en una ciudad atravesada por la represión y la violencia. Su departamento es ocupado por mujeres afines al régimen, obligándola a refugiarse en el piso vecino, donde un joven ambiguo y desconfiable se convierte en su única compañía.

Para sobrevivir, Adelaida se ve obligada a desprenderse incluso de su propia identidad. Más allá del suspenso, la película funciona como un retrato de la crisis venezolana y como una metáfora de los desplazamientos y pérdidas que atraviesan muchas sociedades en América Latina. La narrativa reflexiona sobre la ausencia de hogar, la ruptura de los lazos familiares y el exilio como única salida para preservar la vida.

El proyecto destaca también por la colaboración internacional que lo hizo posible. El reconocido actor y productor venezolano Édgar Ramírez, conocido por su trabajo en Carlos, La noche más oscura y El asesinato de Gianni Versace: American Crime Story, se sumó como productor, reforzando la visibilidad global de la película. En México, Stacy Perskie, fundador de la productora Redrum, fue clave para concretar la coproducción. La compañía ha estado detrás de proyectos de gran alcance como Bardo de Alejandro González Iñárritu y Pedro Páramo de Rodrigo Prieto, ambas reconocidas en los premios Ariel.

El diseño de producción estuvo a cargo de Ezra Buenrostro y la dirección de fotografía de Juan Pablo Ramírez, quienes lograron plasmar tanto la crudeza como la belleza de un país marcado por la crisis. La propuesta visual acompaña una narrativa intensa que busca conmover y cuestionar al espectador.

Aún es de noche en Caracas no solo es una película sobre Venezuela, sino una historia que resuena en cualquier territorio donde la represión, la pérdida y el exilio definen la vida cotidiana. Su estreno en Méxicoabre la puerta a una experiencia cinematográfica que mezcla tensión, emoción y reflexión política, consolidándose como una de las apuestas más relevantes del cine latinoamericano contemporáneo.

ZooCabaret: Transforma los insultos en arte y resistencia

Del 23 de agosto al 7 de septiembre de 2025, el Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico abrirá sus puertas para recibir ZooCabaret, un montaje que convierte la gordofobia en un tema de reflexión y resistencia artística. Bajo la dirección de Arantza Durand, la obra combina cabaret y burlesque en una temporada que se inscribe dentro de la programación de la Secretaría de Cultura del Gobierno de Méxicoy la colectiva Gordas Expansivas Burlesqueras.

La propuesta escénica toma como punto de partida los insultos que históricamente se han dirigido a las personas gordas, transformándolos en personajes animales que se apropian de esa carga social para resignificarla en escena. Una cerda, una vaca, una perra y una ballena son las protagonistas que, entre humor, sensualidad y sátira, transitan hacia la sanación personal y colectiva al descubrir su fuerza interior y reconocerse en comunidad.

La estructura de ZooCabaret se inspira en el lenguaje del documental fílmico. A través de monólogos que exponen vivencias desde una mirada política, cada personaje-animal se convierte en portavoz de experiencias reales

El cabaret y el burlesque funcionan como vehículos para hablar de autoaceptación, identidad, resistencia y libertad frente a las normas que históricamente han marcado los cuerpos gordos. La obra se presenta como un acto de goce, desobediencia y afirmación, un espacio donde la gordura se reivindica como parte de la diversidad.

El equipo creativo está conformado por mujeres gordas dentro y fuera del escenario, fortaleciendo la coherencia entre el mensaje y la ejecución. La dirección y producción están a cargo de Arantza Durand, mientras que el diseño escénico, vestuario y coproducción corresponden a Valeria Paulino

El elenco lo integran Fernanda Hernández Gasca, Sandra Soul y Araceli Torres López, con la asistencia de producción de Dayane Romo. Juntas, dan vida a un proyecto que coloca la gordura en el centro de la conversación artística y política.

Las funciones de ZooCabaret se llevarán a cabo los sábados y domingos a las 20:00 horas en el Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico, ubicado en Avenida Revolución 1500. Los boletos tienen un costo general de 250 pesos y están disponibles en taquillas y a través del portal oficial helenico.gob.mx.

Más allá de la puesta en escena, la obra representa una declaración estética y social. Cada número expone las tensiones y luchas de cuerpos históricamente marginados, pero también celebra la inmensidad ymajestuosidad de asumirse desde la diferencia. Con ZooCabaret, el escenario se convierte en un lugar de reivindicación, donde los insultos dejan de herir para transformarse en fuerza y arte.

Soy Frankelda rompe fronteras desde el Stop-motion con magia oscura y talento mexicano

Soy Frankelda lo volvió a hacer. Y lo hizo a lo grande. En plena edición 2025 del Festival Internacional deCine Fantasía en Montreal, esta joya del stop-motion dirigida por los Hermanos Ambriz se llevó una Mención Especial del Jurado en el Premio Satoshi Kon a la Excelencia en Animación. Así, sin rodeos. Un reconocimiento que no se reparte a la ligera.

El galardón, que lleva el nombre del maestro del anime japonés, le pone un sello de respeto mundial a esta historia hecha a mano y con corazón mexicano. La ovación fue real. La emoción, también. “Gracias al jurado de Fantasia, al público que nos acompañó en Montreal, y a todo el equipo que hizo posible esta película tan íntima, oscura y mágica”, soltaron Roy y Arturo Ambriz desde las redes de Cinema Fantasma. Y es que Frankelda no solo hechiza con su voz… ahora también brilla con premios.

El camino ha sido brutal. Desde junio, Soy Frankelda ha levantado polvo por donde pasa. Arrancó como película inaugural del FICG, primera vez que una cinta animada mexicana abre el festival. Luego cruzó el Atlántico directo a Annecy, el evento más importante del mundo en animación. Y ahora, Montreal cae rendido.

Lo que tiene esta película no es casualidad. Es arte. Es textura. Es oscuridad preciosa. Es una historia que no tiene miedo a meterse en la cabeza y en el corazón. Una mezcla perfecta entre técnica artesanal, narrativa poderosa y un sello visual que grita “hecho en México. Soy Frankelda no quiere parecerse a nada más. Y eso se nota.

El reconocimiento en Fantasia le da más que una palmadita: le abre la puerta al cine animado latinoamericano en la liga de los grandes. Y con eso, los Hermanos Ambriz se consolidan como una dupla creativa imparable, con una visión tan íntima como ambiciosa.

Lo que viene es fuego. Octubre marca el estreno comercial en cines mexicanos. Y sí, Frankelda se prepara para hablarle al público de frente. Porque esta historia —que explora la imaginación, la identidad y la resistencia— no quiere quedarse en festivales: quiere llegar a todos.

La película es oscura, mágica y dolorosamente bella. Es la primera animación mexicana en stop-motioncon esta fuerza, con esta voz, con esta alma. Y aunque su recorrido apenas arranca, ya dejó claro que nació para quedarse.

Porque cuando una historia se cuenta desde las tripas, no necesita gritar. Solo brilla.

¡Cabaret al desnudo! Un imperio de apariencias llega con humor filoso al Foro Lucerna

En pleno corazón de la CDMX, el Foro Lucerna se llena de ironía, música en vivo, y una crítica brutal (pero divertidísima) al poder y sus engaños. Se trata de ¡MUAK! El país de los besos en abonos chiquitos, una obra de cabaret político que se mete con todo, sin miedo, y que llega a escena este 30 de junio con una propuesta tan audaz como necesaria.

Esta puesta en escena, dirigida por Ana Laura Ramírez Ramos y escrita por Carlos Alexis, toma como base el clásico cuento El nuevo traje del emperador y lo convierte en una sátira contemporánea que se siente peligrosamente cercana. Con nominación a los premios ACPT 2024 como Espectáculo Cabaret, ¡MUAK!retrata un reino gobernado por Richie John, un rey que domina con sonrisas falsas, discursos dulces y televisores en oferta. Todo parece risas… hasta que te das cuenta de que las deudas, la manipulación y las apariencias lo controlan todo.

Este monarca todo lo puede: tiene bancos, foros de conciertos, hasta un canal que comparte con su hija Elektra. Pero, como buen obsesivo del lujo, se mete en una historia que desata una cadena absurda de mentiras, ambiciones desbordadas y una fachada que se va desmoronando a plazos. Porque aquí, hasta el trono está a crédito.

La obra se burla —con muchísimo estilo— de un sistema donde las decisiones vienen de arriba, las opiniones se controlan por pantalla y el ego está por encima de todo. Con canciones, sarcasmo y mucho humor ácido, los personajes se enfrentan a la ridiculez de vivir atrapados en un mundo donde todo, hasta la dignidad, se paga en cómodas mensualidades.

En escena están talentosísimos: Sofía Montaño (quien regresa a México tras Corteo de Cirque du Soleil), Carlos Alexis, Mónica Magdiel, Daniel Berthier y Conny Cambambia. La música en vivo corre por cuenta de Fernando Romero y la escenografía e iluminación las firma Alberto Reyna. La producción está en manos de Ximena Carrasco y Carlos Alexis, con adaptación especial para el Lucerna hecha por Daniel Berthier y el propio autor.

La temporada inició el 30 de junio y termina el 21 de julio de 2025, solo los lunes a las 20:30 h. La entrada cuesta $500 y puedes conseguir tus boletos en taquilla o en Ticketmaster.

¡MUAK! no es solo teatro: es una carcajada incómoda que te deja pensando. Ideal para mayores de 10 años. Imperdible para quienes creen que el humor también puede ser un acto de resistencia.

La Marcha LGBT+ 2025 toma Reforma con justicia y el lema: Diversidad sin fronteras y con memoria

La Ciudad de México fue escenario de una nueva jornada histórica este sábado 28 de junio con la realización de la 47ª edición de la Marcha del Orgullo LGBT+. Bajo el lema “Diversidad sin fronteras. Justicia, resistencia y unidad”, miles de personas salieron a las calles en una movilización que mezcló celebración, memoria y protesta.

Desde el Ángel de la Independencia hasta el Zócalo capitalino, Paseo de la Reforma se convirtió en una pasarela vibrante con lentejuelas, glitter, música, banderas multicolor y atuendos llamativos. Carros alegóricos, performances y ritmos latinos, pop y electrónicos acompañaron a contingentes de colectivos, familias, activistas e integrantes de la comunidad LGBTTTIQ+.

Al inicio de la marcha, un bloque visibilizó una problemática que sigue presente en distintos puntos del país: la desaparición forzada de personas de la diversidad sexual. En la Glorieta de los Desaparecidos, también conocida como del Ahuehuete, colectivos y familiares alzaron la voz para exigir justicia y atención estatal ante estos casos.

“Nos movilizamos para exigir el reconocimiento pleno de nuestros derechos. Todas las personas, sin importar su orientación sexual, identidad o expresión de género, tenemos derecho a ser buscadas, identificadas y acceder a la verdad, justicia, memoria y reparación”, expuso uno de los colectivos en su posicionamiento.

Entre los asistentes estuvo Joanna, madre de Lilith, una mujer transgénero desaparecida en enero de 2023 en Puerto Escondido, Oaxaca. Desde entonces, ha participado en distintas manifestaciones, señalando la indolencia de las autoridades. “Me encontré con una Fiscalía indolente, con un agente investigador que revictimizó a Lilith en tres ocasiones”, narró.

En su testimonio, compartió que Lilith comenzó su transición en la preparatoria, y que pese a ello, las primeras fichas de búsqueda oficiales usaron su nombre legal, sin reconocer su identidad de género. “Lamentablemente, no aceptaron o apoyaron la identidad de Lilith”, sostuvo su madre.

En el mismo espacio, la hermana de Margarita Cuevas —una joven lesbiana de 19 años asesinada en 2022— también exigió justicia. Detalló que su cuerpo fue localizado en el estado de Morelos 13 días después de su desaparición, y que la investigación se encuentra estancada.

A la protesta se sumó la Iglesia Anglicana de México, que ofreció oraciones en honor a las personas desaparecidas de la comunidad. “Sabemos que sigue siendo un problema importante en nuestro país los crímenes de odio hacia la comunidad”, expresó un sacerdote presente en la movilización.

La marcha continuó su trayecto por avenida Juárez, Eje Central y la calle 5 de Mayo, hasta llegar al Zócalo, donde la fiesta siguió con música y encuentros espontáneos entre grupos que, además de celebrar el orgullo, mantuvieron viva la exigencia de justicia para quienes hoy no están.

Benda’Muxe: Llega al Helénico una obra que toca el alma entre risas, identidad y teatro

Imagínate por un momento entrar a un teatro y toparte con un lugar donde las historias se cuentan con el corazón en la mano, donde el escenario se transforma en un rincón sagrado lleno de color, memoria y orgullo. Eso es justo lo que propone Benda’Muxe(Mi hermana muxe’), una obra que se presenta este 27 de junio a las 8 de la noche en el Teatro Helénico, como parte de la celebración del mes del Orgullo LGBTTTIQ+.

No es cualquier obra. Es una experiencia que mezcla cabaret, humor fino, mucho sentimiento y una mirada honesta a la vida de las muxes, ese tercer género zapoteca tan profundamente arraigado en la región del Istmo de Oaxaca. El montaje es dirigido y escrito por Cess Enríquez, quien junto a Luis Montalvo, se adentró en Santo Domingo Tehuantepec para escuchar de viva voz las historias reales de personas muxe. Con esas voces, tejieron esta obra única y entrañable.

Aquí no hay máscaras, ni estereotipos. Hay verdad. Hay dolor. Hay gozo. Y hay mucha risa, de esa que libera el pecho. El escenario se convierte en un tugurio mágico donde viven La Pascuala, Poca Luz, La tía Sonia y La Tortolita, personajes que, entre charla y anécdota, nos llevan por un viaje donde la muerte no es el final, sino un pretexto para reencontrarse con lo que uno fue y con lo que aún sueña ser.

La obra no busca complacer, sino mostrar. Mostrar lo que es vivir siendo muxe en un entorno donde la tradición y la identidad se mezclan con el rechazo y la ternura. Y al mismo tiempo, Benda’Muxe’ se vuelve un abrazo cálido para quienes siempre han vivido en la orilla, creando un espacio libre, amoroso, sin juicios, donde el teatro se vuelve trinchera, y la risa, escudo.

Y sí, solo hay una presentación. Así que si quieres ser parte de este homenaje a la diversidad, a la resistencia, y a la belleza de ser uno mismo sin pedir permiso, corre por tu boleto. Cuesta $205 y lo puedes conseguir en taquilla del Helénico o en su sitio web: helenico.gob.mx.

Una noche. Una historia. Un canto profundo a la identidad. No hace falta saber mucho de teatro o tradiciones, es solo ir con el corazón abierto.