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El cine independiente estadounidense vuelve a brillar con fuerza este otoño con el estreno de Mente Maestra (The Mastermind), la nueva película de la reconocida directora Kelly Reichardt, que llegará a los cines de México el próximo 16 de octubre de 2025, distribuida por MUBI, plataforma global de cine, productora y distribuidora especializada en propuestas de autor.

Ambientada en un tranquilo rincón de Massachusetts durante la década de 1970, la historia sigue a J. B. Mooney, interpretado por Josh O’Connor, un carpintero desempleado que, ante la desesperación y el desencanto, se convierte en un ladrón de arte aficionado. Su primer gran atraco promete ser su salvación, pero el plan se descontrola y su vida comienza a desmoronarse entre errores, consecuencias y dilemas morales.

Mente Maestra tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Cannes, donde fue aclamada por su dirección precisa, su atmósfera melancólica y su original exploración de la ambición y el fracaso. La crítica de The Guardian la describió como “completamente distintiva y emocionante”, destacando el sello inconfundible de Reichardt, quien vuelve a demostrar su maestría para retratar personajes marginales con humanidad y profundidad emocional.

El elenco reúne a figuras de gran peso en la escena contemporánea: Josh O’Connor, recordado por Challengers y La Chimera, comparte protagonismo con Alana Haim, quien brilló en Licorice Pizza. Los acompañan John Magaro (Past Lives, First Cow), Gaby Hoffmann (Girls, Transparent), Bill Camp (Joker, 12 Years a Slave) y Hope Davis (Synecdoche, New York). Cada uno aporta matices únicos a un relato donde la calma aparente se mezcla con el caos interior.

Kelly Reichardt, considerada una de las voces más consistentes del cine independiente estadounidense, consolida con esta película una filmografía centrada en la observación íntima de la vida cotidiana y los conflictos humanos. Con títulos como Wendy and Lucy (2008), Meek’s Cutoff (2010), Night Moves (2013), Certain Women (2016), First Cow (2019) y Showing Up (2022), ha construido un estilo sobrio, contemplativo y profundamente humano.

Su obra ha recorrido los festivales más importantes del mundo —Cannes, Venecia, Berlín, Toronto, Sundance y Nueva York— y ha sido reconocida con prestigiosas distinciones como la beca Guggenheim, el premio Anonymous Was a Woman y la beca United States Artists.

Mente Maestra combina el estilo minimalista característico de Reichardt con una narrativa más arriesgada y visualmente audaz. Bajo una estética setentera, la película propone una reflexión sobre las decisiones que definen el destino y la delgada línea entre la ambición y la ruina. Con este nuevo largometraje, Kelly Reichardt reafirma su lugar como una de las cineastas más influyentes de la actualidad.

A partir del 16 de octubre, Mente Maestra invitará al público a sumergirse en una historia donde el arte, elcrimen y la fragilidad humana se entrelazan con precisión y sutileza cinematográfica.

La espera terminó. Quince años después de Tron: El Legado, la icónica saga de ciencia ficción regresa a la gran pantalla con Tron: Ares, una nueva entrega que redefine los límites entre el mundo digital y el real. Desde hoy, los cines reciben esta esperada producción protagonizada por Jared Leto, que marca el regreso a La Red con una historia tan visualmente impactante como emocionalmente profunda.

La trama gira en torno a Ares, un sofisticado Programa digital que es enviado al mundo real con una misión de alto riesgo. Su llegada marca el primer encuentro entre la humanidad y la inteligencia artificial, planteando un dilema que refleja la era tecnológica actual.

La película, dirigida por el cineasta noruego Joachim Rønning, lleva a los espectadores a una experiencia inmersiva donde los límites entre la máquina y el ser humano se desdibujan, explorando qué significa realmente tener alma en un mundo dominado por algoritmos.

Tron: Ares presenta un elenco encabezado por Jared Leto, acompañado de Greta Lee, Evan Peters, Gillian Anderson y Jeff Bridges, quien retoma su emblemático papel dentro del universo Tron. Con un enfoque visual completamente renovado, la cinta mantiene la esencia que convirtió a la franquicia en un referente de la cultura pop desde su debut en 1982.

La primera, Tron, dirigida por Steven Lisberger, marcó un antes y un después en la historia del cine gracias a su audaz propuesta visual y al uso pionero de gráficos generados por computadora. Décadas después, Tron: El Legado (2010) llevó esa innovación a un nuevo nivel, combinando tecnología de punta con una estética futurista y una banda sonora legendaria a cargo del dúo francés Daft Punk.

Ahora, Tron: Ares da un paso más allá. La producción apostó por un desarrollo técnico sin precedentes que redefine la experiencia cinematográfica del género. El equipo creativo se propuso expandir el universo Tron con efectos digitales revolucionarios, nuevas formas de iluminación y escenarios que integran la realidad física con el entorno virtual, generando una narrativa visual nunca antes vista.

Tron: Ares no solo expone las tensiones entre el progreso tecnológico y la esencia humana, sino que también propone una visión sobre la posibilidad de coexistencia entre ambos mundos.

Distribuida por Disney, Tron: Ares ya está disponible en cines, invitando a nuevas y viejas generaciones a reconectarse con La Red. Con tecnología de vanguardia, una dirección ambiciosa y una mirada contemporánea, esta nueva entrega promete consolidar a Tron como una saga que sigue iluminando el futuro del cine digital.

Disney+ presenta Marvel Zombies, la nueva serie de Marvel Animation que estrena el 24 de septiembre con cuatro episodios disponibles exclusivamente en la plataforma. La serie combina acción, suspenso y humor negro, llevando a los superhéroes más icónicos del Universo Marvel a un escenario distópicodonde una plaga zombi amenaza con acabar con ellos y con el mundo tal como se conoce.

En esta historia, los Vengadores sucumben a la infección zombi, convirtiéndose en una amenaza letal para la humanidad. Un grupo de sobrevivientes debe encontrar la forma de detener a los héroes transformados en criaturas hambrientas de cerebros mientras recorren paisajes desolados y enfrentan desafíos extremos para salvar su mundo. La serie explora la tensión de la supervivencia en un universo conocido pero completamente alterado, donde el peligro y la incertidumbre se extienden a cada escena.

El elenco de voces en inglés incluye a estrellas de la franquicia como Elizabeth Olsen, Paul Rudd, Florence Pugh, David Harbour, Tessa Thompson, Simu Liu, Awkwafina, Hailee Steinfeld, Wyatt Russell, Randall Park, Iman Vellani y Dominique Thorne. Cada uno aporta su talento para dar vida a los personajes en una narrativa que combina la acción característica de Marvel con elementos de terror y comedia negra.

Marvel Zombies fue creada por Bryan Andrews y Zeb Wells, con Kevin Feige, Louis D’Esposito, Brad Winderbaum, Dana Vasquez-Eberhardt, Bryan Andrews y Zeb Wells como productores ejecutivos. Danielle Costa y Carrie Wassenaar completan el equipo de producción. La serie destaca por su animación de alta calidad, que recrea de manera intensa y visualmente impactante los escenarios y la transformación de los Vengadores en zombis, mientras mantiene la esencia de los personajes reconocidos en los cómics y películas.

Disney+ ha lanzado también el tráiler, el póster y las primeras imágenes de la serie, anticipando la mezcla de acción, horror y humor que caracteriza la producción. Los cuatro episodios iniciales permitirán a los espectadores sumergirse desde el primer momento en un mundo donde los superhéroes luchan no solo contra villanos, sino contra la propia infección que los convierte en depredadores mortales.

Con Marvel Zombies, Disney+ amplía su catálogo de series animadas de Marvel, ofreciendo una experiencia que combina el apocalipsis zombi con los personajes favoritos del público, en una narrativa que explora la supervivencia, el heroísmo y la acción desde un enfoque oscuro y emocionante, ideal para jóvenes y fanáticos del Universo Marvel.

La compañía Depalabrayhueso estrenará el 14 de septiembre la obra “Viajeras”, un montaje teatral pensado para la pequeña infancia que busca acercar a los niños al fenómeno de la migración desde una mirada sensible, lúdica y poética. La temporada se extenderá hasta el 16 de noviembre en el Teatro El Granero, con funciones los sábados y domingos a las 12:30 horas.

El proyecto toma como punto de partida la migración, un proceso tan antiguo como la humanidad y que hoy tiene especial relevancia en la Ciudad de México, escenario de una crisis migratoria que involucra a familias y a un número creciente de niñas, niños y adolescentes no acompañados. Desde esa realidad, la obra propone un enfoque distinto: la migración como un viaje de autodescubrimiento y crecimiento, en el que el encuentro cultural se convierte en oportunidad de integración y aprendizaje.

La historia presenta a dos protagonistas —interpretadas por Paola Herrera y Ainara Unanue— que llegan a un mismo hogar y reclaman el espacio como propio. Cada una habla un idioma distinto, náhuatl y euskera, lo que impide la comunicación verbal y provoca un choque inicial. Con una caja de cartón donde guardan objetos personales, ambas comienzan a construir su propio universo, hasta que la curiosidad abre paso al intercambio y la aceptación mutua.

El montaje apuesta por un estilo orgánico y artesanal, lejos de los grandes efectos escénicos. Se utilizan recursos cotidianos como pizarras, gises, pequeñas lámparas y teatro de sombras para crear imágenes cargadas de poesía. De esta forma, los niños espectadores se identifican con la capacidad de expresarse más allá de las palabras, en un momento de la vida en el que su propio lenguaje aún está en formación.

La dramaturgia está a cargo de Ainara Unanue, quien también actúa en la obra y comparte la producción ejecutiva con Claudia Aragón. La dirección es de Adrián Hernández, mientras que el diseño de iluminación y espacio escénico corre por cuenta de Roberto Paredes. El diseño sonoro es de Fores Basura, el vestuario de Lissete Barrios y la dirección de arte y utilería de MarLeon.

“Viajeras” propone que las niñas y los niños vivan la experiencia de la migración como un juego escénicolleno de imaginación, en el que las diferencias culturales no dividen, sino que enriquecen. Con una duración aproximada de 45 minutos, la obra está recomendada para mayores de 3 años.

Los boletos tienen un costo de $150 para adultos y $80 para niños, y pueden adquirirse en taquilla. Las funciones se realizarán con excepción del 12 de octubre, así como el 1 y 2 de noviembre.

Con esta propuesta, Depalabrayhueso reafirma su interés en acercar a las infancias temas complejos de manera accesible, transformando la migración en un relato cercano, sensible y lleno de posibilidades para descubrir el valor del encuentro humano.

Una nave espacial se estrella en la Tierra. Un experimento sale mal. La humanidad se enfrenta a su peor miedo… y no es un monstruo, es algo más profundo, más frío, más inteligente. Así llega “Alien: Earth”, la nueva serie dramática de ciencia ficción que FX lanza el martes 12 de agosto a las 21:00 hrs por Disney+,con doble episodio de estreno para arrancar con todo.

Detrás de esta bomba está Noah Hawley, mente maestra de Fargo y Legion, y sí, Ridley Scott también se sube al tren como productor ejecutivo. Esto no es un reboot ni una copia. Es una expansión brutal del universo Alien, con más filosofía, más miedo existencial y un futuro donde los humanos ya no son lo más complejo del planeta.

Corre el año 2120. La Tierra ya no es de los gobiernos, ahora es propiedad de cinco megacorporaciones: Prodigy, Weyland-Yutani, Lynch, Dynamic y Threshold. En ese mundo de contratos y control, la tecnología ha ido más allá del límite: cyborgs, sintéticos y ahora… híbridos. Humanos con cuerpo artificial y conciencia real. Wendy es la primera de su clase, el primer prototipo con alma en código. Una especie nueva. Un error perfecto.

Todo se desata cuando la nave USCSS Maginot —de Weyland-Yutani, claro— se estrella justo en Prodigy City, y el impacto despierta algo que no debería existir en la Tierra. Wendy (Sydney Chandler) y un escuadrón tan mal armado como desordenado, se enfrentan a una amenaza que ni siquiera tiene nombre. Porque esto no va de aliens clásicos, va de evolución, control y ese tipo de horror que te muerde desde dentro.

En el elenco, hay nombres que dan garantía: Timothy Olyphant, Alex Lawther, Babou Ceesay, Essie Davis, Adarsh Gourav y un cast internacional que se siente como una jugada seria. El guion va directo al grano: nada de discursos largos, solo acción, dilemas éticos y tecnología que da miedo de lo real que se siente.

La serie mezcla horror espacial, thriller corporativo y cyberpunk filosófico. Cada capítulo se estrena los martes a las 21:00 hrs por Disney+, después del estreno doble. Y sí, hay sangre, pero también hay preguntas sobre el alma, la conciencia y si de verdad merecemos seguir existiendo.

Con un nuevo tráiler y póster que ya están dando vueltas en redes, “Alien: Earth” no es solo una serie: es una advertencia disfrazada de entretenimiento. Y viene fuerte.

Hay películas que solo te hacen reír. Otras que te hacen pensar. Y luego hay historias como ELIO, la nueva joyita de Disney y Pixar, que te lleva directo al espacio mientras te revuelve el corazón. Y es que no todos los días aparece un niño tímido, lleno de curiosidad, que sin querer termina representando a la humanidad entera en una especie de ONU intergaláctica. Tal cual: del cuarto de su casa, directo al Comuniverso, un lugar donde se cruzan criaturas de todos los rincones de la galaxia.

ELIO ya está en cines y tiene todo para volarte la cabeza y acariciarte el alma. Pero no fue algo que se hizo de la noche a la mañana. Detrás hay un trabajo de años —cuatro, para ser exactos— en los que su equipo creativo se dedicó a moldear cada personaje, cada planeta, cada partícula flotando en el espacio. Desde los primeros trazos de Elio y su amigo alienígena Glordon, hasta ese universo estallado de formas, luces y sonidos que parece salido de un sueño loco, todo fue creado con un nivel de detalle que se siente hasta en la tela de la ropa del protagonista.

Y ojo, que ELIO no es solo aventura. También es identidad. El protagonista no es cualquier niño: es mitad mexicano y mitad dominicano. Su familia, su casa, la forma en que hablan y se mueven… todo está inspirado en esas raíces latinas. Para hacerlo bien, las directoras Domee Shi y Madeline Sharafian —junto con el codirector Adrian Molina, quien también estuvo detrás de Coco— se apoyaron en un grupo de asesores culturales que se encargaron de que cada detalle fuera auténtico y respetuoso. Porque cuando se trata de contar una historia con corazón, hasta los gestos cuentan.

Y lo más mágico: el Comuniverso. Ese mundo que Elio siempre imaginó, donde todo es nuevo, raro y brillante, fue diseñado para que se sintiera justo como su mayor deseo hecho realidad. Colores explosivos, formas que parecen salidas de otro planeta (literal), y hasta luces estilo disco para que cada escena tuviera esa energía de “¡wow!”. Es como ver en pantalla la fantasía de un niño que por fin encuentra el lugar al que siente que pertenece.

ELIO no es solo una peli más de Pixar. Es una aventura intergaláctica contada desde la ternura, el humor y una enorme sensibilidad. Una historia sobre sentirse diferente, querer encajar y descubrir que, a veces, ser raro es justo lo que te hace especial.

¿Se imaginan que les pidan componer una canción para una cinta de Pixar? Bueno, eso le pasó a Ale Sergi, del dúo argentino Miranda!, y según él, fue como si el proyecto estuviera hecho a medida para ellos. Y la verdad es que sí que lo está. La canción tiene todo ese sonido electro-pop que los caracteriza, pero esta vez con un toque muy tierno, ya que está inspirada en una amistad fuera de este mundo… literalmente.

La canción acompaña los créditos finales de la versión en español para Latinoamérica y ya la pueden encontrar en las plataformas digitales de siempre. Es uno de esos temas que se te quedan pegados, pero de buena manera, porque transmite esa energía linda y divertida que te dija la cinta.

Y hablando de la película… ¡wow!. Elio es un niño fan del espacio, con una imaginación que se va hasta galaxias lejanas. Un día, por accidente, es teletransportado al “Comuniverso” (sí, suena tan loco como genial), que es una especie de ONU galáctica. Pero aquí viene lo interesante: lo confunden con el embajador de la Tierra. Imagínense estar en pijama y que de pronto todo el universo piense que representás a la humanidad. Sin preparación, sin saber qué decir, sin idea de nada… pero con muchas ganas de conectar.

Ahí es donde entra lo más bonito de la historia: Elio tiene que formar vínculos con criaturas rarísimas,resolver un caos intergaláctico y descubrir quién es realmente. ¡Una aventura total!

Y, por supuesto, como toda gran historia Pixar, viene con un equipo de lujo detrás. Está dirigida por Madeline Sharafian (sí, la misma de “Madriguera”), Domee Shi (que nos rompió el corazón con “Red”) y Adrian Molina, coguionista de “Coco”. O sea, calidad asegurada. En la versión en inglés, las voces son de actores como Zoe Saldaña, Brad Garrett, Jameela Jamil y Yonas Kibreab como Elio.

Así que ya saben: si son de los que se emocionan con una historia bien contada, una amistad improbable y música que acompaña todo el viaje, “Quiero ser tu amigo” es el primer paso para entrar al universo de Elio que se estrena el próximo 19 de junio.

Si creciste escuchando el rugido del Depredador o viendo cómo este cazador letal acechaba en la jungla, prepárate: ahora vuelve, pero en una versión completamente diferente, intensa y visualmente poderosa. Me refiero a Depredador: Cazador de Asesinos, la nueva película animada original de 20th Century Studios, que llega este 6 de junio de 2025 exclusivamente por Disney+.

Esta vez, el Depredador no se enfrenta a un solo enemigo… sino a tres de los guerreros más temibles de la historia de la humanidad. Lo que más me atrapó de esta propuesta es que se trata de una historia antológica, o sea, tres relatos distintos que ocurren en distintos tiempos y culturas, pero que están unidos por un mismo monstruo alienígena: ese cazador casi invencible, que siempre busca presas dignas de su poder.

Primero viajamos a una era salvaje, acompañando a una invasora vikinga que, junto a su hijo, desata una sed de venganza en medio de la nieve y la sangre. Luego damos un salto al Japón feudal, donde un ninja se enfrenta en combate mortal contra su propio hermano, un samurái… pero cuando el Depredador aparece, el honor y el destino se desdibujan entre cuchillas y sombras. Y por último, en plena Segunda Guerra Mundial, un piloto aliado descubre algo mucho peor que los nazis: una amenaza extraterrestre que convierte a los soldados más valientes en simples trofeos.

Todo esto no solo suena alucinante. Depredador: Cazador de Asesinos es animación en su máxima expresión de acción, y está dirigida por Dan Trachtenberg (sí, el mismo de Prey) junto a Josh Wassung, de la compañía The Third Floor, famosa por crear efectos visuales impresionantes. El guion corre a cargo de Micho Robert Rutare, en colaboración con Trachtenberg, quienes expanden este universo tan brutal como fascinante. Por supuesto, todo está basado en los personajes originales creados por Jim y John Thomas, los genios que iniciaron esta pesadilla en los 80.

Pero lo más impactante es cómo cada historia refleja el espíritu guerrero de distintas culturas y épocas, y cómo incluso los asesinos más letales pueden convertirse en presas. La animación, según se ve en el tráiler promete sangre, dramatismo y un ritmo que no da respiro.

Así que si eres fan del Depredador, de los duelos legendarios o simplemente buscas algo distinto, esta película es para ti. Prepárate para ver cómo el miedo cambia de forma, pero nunca pierde el filo. Porque esta vez… el cazador viene por los cazadores.

La Plaza de la Constitución, ese espacio icónico donde convergen la historia, la memoria y la identidad nacional, se convertirá nuevamente en el escenario vivo de uno de los relatos más conmovedores de la humanidad. Este 18 de abril, la Compañía Nacional de Teatro Clásico Fénix Novohispano celebra 25 años consecutivos de representar la Pasión de Cristo en el Zócalo de la Ciudad de México, reafirmando así una tradición que combina arte, espiritualidad y reflexión social.

Este año, la dirección escénica corre a cargo de la maestra Norma Duarte, figura clave de esta agrupación que ha dado vida a distintos personajes a lo largo de una década. En esta ocasión, la interpretación de Jesús estará a cargo del actor Christopher Martínez, quien recorrerá la plancha del Zócalo acompañado por 30 actores y 20 músicos en vivo, llevando al público por un viaje emotivo que toca fibras profundas.

La actriz Mara Violena, egresada de la UNAM, encarna a la Virgen María, y su papel está cargado de simbolismo, siendo un espejo del dolor de tantas madres que hoy buscan justicia en nuestro país. La historia cobra una dimensión contemporánea, conectando los padecimientos bíblicos con las heridas sociales actuales.

El elenco incluye a reconocidas figuras como Pedro Adame, quien interpretará a Pilatos; Alhelí Ábrego como su esposa, y José Juan de la O en el papel de Barrabás. Cada uno aporta una lectura actual a sus personajes, haciendo eco de una realidad que sigue marcada por la violencia, la ambición desmedida y la falta de empatía.

El evento comienza a las 10:00 horas con un toque de cornetas en tono de duelo, un gesto solemne que honra a las víctimas de las últimas décadas en México. A partir de ahí, el Viacrucis recorrerá la Plaza Mayor, un espacio que guarda una fuerte carga histórica desde 1525, cuando Hernán Cortés cedió el terreno a los franciscanos para levantar su templo y claustro.

Fénix Novohispano, bajo la dirección de Francisco Hernández, ha mantenido viva la llama del teatro clásico desde su fundación en el año 2000, presentando más de 100 obras en recintos emblemáticos como el Palacio Nacional, la Catedral Metropolitana, el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, entre otros. Su legado es una muestra de la vitalidad del arte escénico en contextos públicos y de su poder para generar comunidad.

La representación de la Pasión de Cristo no solo recuerda un episodio esencial en la tradición cristiana, también se convierte en un espejo para mirar nuestro presente. Una experiencia donde el arte y la fe se entrelazan, invitando a la reflexión desde el corazón de la ciudad.